耕者有其田

2012-01-29T11:58:00.000-08:00

手把青秧插滿田　低頭便見水中天　身心清靜方為道　退步原來是向前

【簡介】　　　　　　　　　　　　【電音專訪】

Adonis 　　　　　　　　　　Alan Oldham (aka Dj T1000)
Alan Clark 　　　　　　　　　　　Blake Baxter
Andy Gibb 　　　　　　　　　Carl O' Connor (aka Regis)
Apoll 　　　　　　　　　　　　　 Damon Wild
Aril Brikha　　　　　　　　　　　 Dave Clarke
Barry White 　　　　　　　　　　　Derrik May
Beastie Boys
Ben Sims　　　　　　　　　　　　　Dj Bone
Carl Craig　　　　　　　　　　Farley Jackmaster Funk
Carpenters, The　　　　　　　　　Gene Farris
Carsten Nicolai 　　　　　　　　　Inigo Kennedy
Cat Stevens　　　　　　　　　　　　Jeff Mills
Chester Beatty　　　　　　　　　　Juan Atkins
Chris Liebing　　　　　　　　　 Kevin Saunderson
Claude Young 　　　　　　　　　 Orlando Voorn
Cristian Vogel 　　　　　　　Richie Hawtin 與 Sven Vath
Curtis Mayfield　　　　　　　　　Robert Hood
Dan Bell (aka DBX) 　　　　　　　Steve Bicknell
Dan Curtin　　　　　　　　　　　　 Surgeon

Danny Tenaglia 　　　　　　　　　　【藍調】
David Alvarado
David Gilmour 　　　　　　　　　　　Albert King
Des'ree　　　　　　　　　　　　　　Bessie Smith
Detroit Escalator Co., The 　　　　　Big Bill Broonzy
Detroit Grand Pubahs 　　　　　　　　 Elmore James
Dj Hell　　　　　　　　　　　　　　 John Lee Hooker
Dj Pierre　　　　　　　　　　　　　Junior Wells
Dj Rolando　　　　　　　　　　　　K.C. Douglas
Eddie Flashin Fowlkes 　　　　　　　　Ma Rainey
Ellen Allien　　　　　　　　　　　　Memphis Minnie
Fabric Lig 　　　　　　　　　　　　　Memphis Slim
Faithless 　　　　　　　　　　　　　 Muddy Waters
Frank Mills 　　　　　　　　　　　　　Otis Spann
Frankie Knuckles　　　　　　　　　　Skip James
Gary Martin 　　　　　　　　　　　　　Son House
Gemini 　　　　　　　　　　　　　　T-Bone Walker
Glenn Underground 　　　　　　　　　Willie Dixon
Gloria Jones
Honeydrippers, The
Ian O'Brien　　　　　　　　　　　　　【世界音樂】
James Ruskin
Jean Michel Jarre　　　　　　　　　Djivan Gasparyan
Jeff Buckley　　　　　　　　　　　　Frédéric Truong
Jimi Hendrix　　　　　　　　　　　　Ravi Shankar
John Frusciante　　　　　　　　　　Romowe Rikoito
John Tejada　　　　　　　　　　Sweet Honey in the Rock
Johnny Jackson　　　　　　　Takahashi Chikuzan 高橋竹山　　　
Jon Bon Jovi　　　　　　　　　　　　Yann Tiersen
Julia Fordham
Justin Berkovi　　　　　　　　　　　　【名人堂】
Kelli Hand
Kenny Larkin 　　　　　　　　　　　搖滾 / 藍調 / 爵士
Kinks, The
Kirk Degiorgio 　　　　　　　　　　　【藍調經典..】
Lil' Louis
LTJ Bukem　　　　　　　　　　　　　　專輯 / 單曲
Lou Reed
Luke Vibert　　　　　　　　　　　【滾石評鑑五百大..】
Mark Broom
Marvin Gaye 　　　　　　　　　　　　　專輯 / 單曲
Mary Wilson
Mateo & Matos 　　　　　　　　　　　【散記】
Matthew Herbert
Maurizio 　　　　　　　　　　　　　　跑步日誌
Melvin Lindsey 　　　　　　　　　佛說父母恩重難報經
Meters, The 　　　　　播放黑膠唱片的 DJ，你的堅持是什麼？
Mike Oldfield 　　　　　　　　　　祝你生日快樂
Monolake 　　　　　　　　　　　西班牙 Sonar 音樂節
Moodymann 　　　　　　　　　　　推薦 reviews
Mr. Oizo 　　　　　　　　　　　　　我的 Diamond
Nick Holder 　　　　　　　　　　　音量的重要性
Nitzer Ebb 　　　　　　　　　　　 live at i love nyc
Octave One 　　　　　　　　　　　　funk 音樂
O'Jays, The　　　　　　　　　　　　New Jack Swing
Oscar Mulero 　　　　　　　　　　我的黑膠唱片行
Pacou 　　　　　　　　　　　　　　關於 zeus
Paul Kalkbrenner 　　　　　　　　　聽自己的 mix
Paul Mac 　　　　　　　　　　　　　吃素 / 搬家
Peter Dundov 　　　　　　　　　　　買黑膠唱片
Photek 　　　　　　　　　　　　　　博君一笑
Pole 　　　　　　　　　　　　在一個網站上發現自己的 mix
Portishead 　　　　　　　　前 -> 2005 底特律音樂節的危機
Primal Scream 　　　　　　　　後 -> 底特律音樂節 - 音樂下載
Prince
Ram 　　　　　　　　　　　　　中國時報音樂部落格
Randy Meisner 　　　　　　　　　　搖滾浪潮 (US)
Red Planet 　　　　　　　　　　　　搖滾浪潮 (Europe)
Ron Hardy 　　　　　　　　　　cd 購入 (05-06 ; 07 ; 08)
Ron Trent 　　　　　　黑膠唱片購入 (04 ; 05-06 ; 07 ; 08 ; 09)
Samuel L. Session 　　　　　　　　　　瘋卡帶
Sean Deason 　　　　　　　　　　　日本涉谷 - 買唱片
Six.By Seven 與 Twelve 　　　　 [請問] 什麼是 minimal 音樂 ?
Sophie Zelmani 　　　　　　　　　政治大學電音社 (相見歡)
Squarepusher 　　　　　　政治大學電音社課 (drum & bass 簡介)
Stephen Brown 　　　　　　　　　　地藏菩薩本願經
Steve Rachmad 　　　　　　討論 Intelligent Dance Music (IDM)
Steve Stoll 　　　　　　　　　　　　　　芭樂樹
Stevie Wonder 　　　　　　　　　　金剛般若波羅蜜經
Stewart Walker 　　　　　　　DJ 問卷調查 (2004/01 ; 02 ; 07)
Stingrays 　　　　　　數位與黑膠唱片：成大醫學中心藝術人文課程
Stone Roses 　　　　　　　　　私房與推薦 2009（01 ; 02）
Suburban Knight　　　　私房與推薦 2010（01 ; 02 ; 03 ; 04 ; 05）
Sutekh　　　　　　　　　　　　　私房與推薦 2011（01 ; 02）
Taco
Takemura Nobukazu 竹村延和　　　【前衛/自由爵士】
Theo Parrish
Tobias Schmidt 　　　　　　　　　　　 Albert Ayler
Tom Tom Club 　　　　　　　　　　Anthony Braxton
Tone Lōc　　　　　　　　　　　　　　 Cecil Taylor
Troggs, The 　　　　　　　　　　　　 Hamid Drake
Twerk 　　　　　　　　　　　　　　Jemeel Moondoc
µ-Ziq 　　　　　　　　　　　　　　　　John Zorn
Whispers, The 　　　　　　　　　　　　Moondog
William Orbit 　　　　　　　　　　　 Ornette Coleman
Yukihiro Takahashi 高橋幸宏　　　　　　　 Paul Bley
Zombie Nation　　　　　　　　　　Peter Brötzmann
　　　　　　　　　　　　　　　　　　 Polwechsel
【現代/室內樂】　　　　　　　　　Rahsaan Roland Kirk
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　Sun Ra
Arnold Schoenberg　　　　　　　 Un Drame Musical Instantané

Arvo Pärt　　　　　　　　　　　　　　【爵士】
Ellen Fullman
Gösta Nystroem 　　　　　　　　　　　Andrew Hill
Harmonia 　　　　　　　　　　　　　　Art Blakey
Henryk Górecki 　　　　　　　　　　　　Bob James
John Adams 　　　　　　　　　　　　Bobby McFerrin　
John Cage 　　　　　　　　　　　　Cannonball Adderley
Karl Amadeus Hartmann 　　　　　　　Carmen McRae
Karlheinz Stockhausen 　　　　　　　　Charles Lloyd
Kazuo Fukushima 　　　　　　　　　　Charles Mingus
Kronos Quartet　　　　　　　　　　　　Clifford Jordan
Michael Galasso　　　　　　　　　　　Coleman Hawkins
Morton Feldman 　　　　　　　　　　　Dave Brubeck
Olivier Messiaen 　　　　　　　　　　　Dizzy Gillespie
Othmar Schoeck 　　　　　　　　　　　Eartha Kitt
Paul Hindemith　　　　　　　　　　　Ella Fitzgerald
Philip Glass 　　　　　　　　　　　　　Eric Dolphy
Samuel Barber 　　　　　　　　　　　　Freddie Redd
Steve Reich 　　　　　　　　　　　　George Shearing
Terry Riley 　　　　　　　　　　　　　Glenn Miller
Tony Conrad　　　　　　　　　　　　Herbie Hancock
Vyacheslav Ovchinnikov　　　　　　　　Jan Garbarek
　　　　　　　　　　　　　　　　　　Jimmy Giuffre
【funk/rare groove】　　　　　　　　　Johnny Hartman
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　Keith Jarrett
Booker T. & The MG's　　　　　　　　　Ketil Bjørnstad
Bootsy Collins 　　　　　　　　　　　　　Larry Young
Chic 　　　　　　　　　　　　　　　　　Miles Davis
Fatback Band, The　　　　　　　　　　 Oliver Nelson
Fela Kuti 　　　　　　　　　　　　　　　 Peggy Lee
Funkadelic　　　　　　　　　　　　　Ralph Towner
Incredible Bongo Band　　　　　　　　　Ramon Morris
Lipps, Inc　　　　　　　　　　　　　　Sarah Vaughan
Lonnie Liston Smith　　　　　　　　　　Scott LaFaro
Norman Connors　　　　　　　　　　　 Serge Chaloff
War　　　　　　　　　　　　　　　　　Sonny Rollins
Wild Cherry　　　　　　　　　　　　　 Walt Dickerson
　　　　　　　　　　　　　　　　　　
【亞洲】　　　　　　　　　　　　　　　　【古典】
50 張台灣最重要的流行音樂專輯或錄音　　 Ax, Emanuel
三毛作品第 15 號：回聲　　　　　　　　 Elgar, Edward
中國藝術歌曲之夜　　　　　　　　　　　 Douglas, Barry
王芷蕾的天空　　　　　　　　　　　　　 Ferras, Christian
台灣車鼓戲與歌仔戲　　　　　　　　　　 Glennie, Evelyn
江文也：台灣舞曲／孔廟大成樂章　　　　 Kodály, Zoltán 高大宜
李建復：龍的傳人　　　　　　　　　　　 Levine, James
李泰祥：錯誤　　　　　　　　　　 Mozart, Wolfgang Amadeus
林二：相思海　　　　　　　　　　　　 Oistrakh, David
林宗源：台語詩《搖孫仔》　　　　　Prokofiev, Sergey 普羅高菲夫
林強 (aka Lim Giong)　　　　　　　　Ravel, Maurice 拉威爾
卑南族民歌　　　　　　　　　　　　　 Rossini, Gioachino Antonio
Wu Man 吳蠻　　　　　　　　　　　　 Smetana, Bedřich
客家三腳採茶戲　　　　　　　　　　　 Stenhammar, Wilhelm
陳明章：下午的一齣戲　　　　　　　 Vaughan Williams, Ralph
Chen Da 陳達　　　　　　　　　　　 Vivaldi, Antonio 韋瓦第
Chen Kuan-Hua 陳冠華　　　　　　　 NBC Symphony Orchestra
許丙丁：牛犁歌
張秀美、溫梅桂：山地民歌專輯　　　　【誠品黑膠文藝復興運動】
黑名單工作室 - 抓狂歌
泰雅與賽夏族民歌　　　　　　　　第一屆 (pt 1 ; 2 ; 3 ; 4 ; 5 ; 6)
賴碧霞：台灣客家系民謠　　　　　　　　第二屆 (pt 1 ; 2 ; 3 ; 4)
Tsai Hsiao-yüeh 蔡小月　　　　　　　　　第三屆 (pt 1 ; 2)
蕭青陽：第三度入圍葛萊美獎　　誠品音樂館十週年：一件重要的小事
TW‧DJ 專訪　　　　　　　　　　 2011 誠品敦南音樂館黑膠展

【簡介】Don Cherry

2012-01-27T07:09:00.000-08:00

翻譯自 Wikipedia

【黑膠版本比較】比較 Don Cherry - Mu First Part 的 '70 日本見本盤及來路不明（無標示發行年份）的復刻版兩張黑膠唱片。

這兩張黑膠我只花了三分鐘就分出高下了，原因是開場曲 Brilliant Action 的小號獨奏在復刻版聽起來是平面的，有趣的是小號在空間裡產生的回音：復刻版是含糊不清，混過去了；見本盤的回音是生動的，就像週一的朝會，麥克風的回音在空曠的操場裡迴盪。

1976 年 Ornette Coleman 的伴奏樂手 Don Cherry（短號）、Dewey Redman（次中音薩克斯風）、Charlie Haden（貝斯）、Ed Blackwell（鼓）共組自由爵士樂團 Old and New Dreams 四重奏，旨在重新詮釋 Ornette Coleman 經典舊作（Old Dreams），以及穿插團員的創作新曲（New Dreams）。

Old and New Dreams 在德國爵士廠牌 ECM 旗下發行二張專輯，分別是同名專輯 Old and New Dreams（1979：下圖左）、Playing（1980：下圖右），獲得崇高評價。同名專輯開場曲 Lonely Woman 超過十二分鐘，夢幻組合將 Ornette 經典再度發揮淋漓盡致。

九○年代 Old and New Dreams 因為 Don Cherry 和 Ed Blackwell 的往生而成為絕響。Old and New Dreams 十一年的樂團生涯，重新詮釋 Ornette Coleman 於五○年代末至六○年代初期之作，格具意義。

【專訪】Doodle 樂團主唱+吉他手：廖孟桓

2012-01-26T02:11:00.000-08:00

前言

聽音樂，是這世間最美好的事。搖滾樂，也是大家最早接觸的音樂之一。

不過，要維持超過十年以上，每天聆聽超過八小時，將新的音樂持續吸收之後，再分享給樂友，這就不是一件簡單的事了。

廖孟桓，是台灣獨立搖滾樂團 Doodle 的主唱與吉他手，另一個身分是誠品敦南音樂館的西洋部負責人。

2011 年 9 月，Doodle 發行首張專輯 Sacrifice in Despair，到台南巡迴時，與我碰面。他很認真的問我：開一家唱片行，真的可以維持開銷，同時又可以泡在音樂裡面嗎？

我抬起頭，看到他眼中的一閃一閃亮晶晶。剎那之間，我知道他一直秉持著初衷，很棒，而且有了這個，一切就足夠了。

孟桓，這篇專訪雖然公開給大家看見了，不過，我覺得其實是寫給十年、廿年，甚至卅年後的我們。要繼續聽音樂、玩音樂、分享音樂喔！

以下是專訪內容：

2012 年吵年獸的表演好玩嗎？

每到一個新的表演場地，對我來說真的都是一項挑戰，2012年吵年獸我們被安排在台北 101 旁邊的一個廣場舞臺作演出，因為是戶外的場地，原本很擔心那天會下雨，不過還好沒有而且天氣陰涼還算舒服，應該有蠻多是路過的人因為好奇而停下腳步看看的。

當天也是有發生一些出錯的小狀況，而且當時我剛好也感冒喉嚨很痛，不過也算是安然度過了，很感謝所有來看我們表演的人和邀請我們的活動單位，參與這種類似音樂祭的演出，還有一個很大的收穫就是可以順便看到很多優秀的樂團表演。

在接觸搖滾樂之前，有喜歡其他類型的音樂嗎？還是一開始就喜歡搖滾樂？

在父母親的期盼下，國小時參加學校的音樂班合唱團，並學習古典鋼琴，但其實當時對古典樂並沒有產生太多的共鳴，卻很喜歡收藏音樂，當時都是聽錄音帶，一拿到零用錢就都拿去買了很多國語流行的錄音帶。

到了國中才因為買了某張西洋合輯而開始接觸西洋流行音樂，覺得那比國語流行樂要來得多元也有趣許多，也聽了很多偶像合唱團，後來接觸到搖滾樂團的音樂，才真正認定音樂是自己生活的必需品。

請談一談接觸搖滾樂的經過？最早接觸的搖滾樂團有哪些？

在沒有網路的年代，自己吸收音樂資訊都是透過幾個管道：收看音樂頻道、閱讀音樂雜誌與書籍，還有一個最重要的，就是多逛唱片行。現在可以透過網路查資料既方便又有效率，但回想起來當時似乎更踏實了些。

我開始接觸到搖滾樂，除了買西洋合輯想入門，還有當時幾個音樂頻道節目，而 Bon Jovi 算是自己第一個追隨的搖滾樂團，記得我跑去學電吉他的時候，就是跟老師說我想要像 Richie Sambora 那樣，他彈吉他很投入很帥氣。

還有 Aerosmith、Mr. Big… 這些團都是那陣子的心頭愛，但也混雜很多流行音樂當時並不會排斥，覺得好聽就好，就連一些男孩樂團，像 Hanson、The Moffatts… 我也會買來聽。

一直到接觸到 Nirvana 這個團，就開始一頭栽入 Grunge 和 Punk 的領域，然後我就開始不聽那些經過唱片公司偶像包裝的樂團了。後來又試圖尋找最重最吵的搖滾樂，Hardcore、Death-Metal 到 Black-Metal 都有短暫地喜愛過。這些都是我比較早期接觸的搖滾樂類型。

Kurt Cobain 自殺時，請問你當時的想法？

非常遺憾的是，我在 Kurt Cobain 過世後才接觸到 Nirvana 的音樂，著迷後有閱讀過一些相關文獻，印象最深刻是看了 Nick Broomfield 執導，充滿爭議的紀錄片 Kurt，他指出 Kurt 並非自殺的線索，甚至更意有所指，導向一切都是 Courtney Love 暗自派人去謀殺他，實在非常震撼，不過這一切都太過於懸疑，沒有什麼真正的答案。

先不論死因為何，也只能靠自己的想像去猜測，每個人玩音樂的意圖都不盡相同，開始的時候也只能對於成名這件事抱持想像，但當他很幸運地功成名就了，有些人可以很享受在人群中備受矚目的那種感覺，但有些人卻痛恨這種『待遇』，還有一部片名就叫作 Rock Star 的電影，就敘述了並非每個人都可以在『搖滾巨星』這個身份裡得到完全的快樂吧，也許會希望一切只是事情開始時，那麼簡單就好！

我常聽搖滾樂迷跟我說：他們生錯年代了。如果能參與五零年代的貓王；六零年代的披頭四、烏茲塔克、Jimi Hendrix、The Velvet Underground、Frank Zappa、The Doors、Bob Dylan、Johnny Cash、The Rolling Stones、The Who；七零年代的 Grateful Dead、Neil Young、Van Morrison、Tom Waits、Leonard Cohen、Patti Smith；八零年代的 Bruce Springsteen、Sonic Youth.. 你會希望跟他們一樣重返時光機器嗎？還是你認為兩千年後的 Post-Rock、緩飆後搖也不錯，你覺得自己是生對年代？還是生錯年代？

每個年代都有屬於那個年代的音樂與故事，六零年代因為有著二次世界大戰後嬰兒潮的孩子長大後的時代，極度反戰（越戰）的情緒背景，透過搖滾樂表達了相當強大的力量與虛無主義，所以很多人會嚮往那樣的嬉皮年代，認為當時的搖滾樂是最精彩的，也的確，當時的音樂確確實實有著相當大的魔力，撫慰著人們的心靈。

雖然我也非常非常嚮往這樣的六零年代，但畢竟只是光靠文獻記載所得知的非常有限，這個問題認真想過後，生在哪裡似乎也非常重要，曾希望自己不是生在台灣這個國家倒是有的，若要論最嚮往的年代，我還是很鍾情於九零年代美國西雅圖的音樂場景，當時我也已經出生了，而且正好是我的青少年，如果可以是在西雅圖，那應該會精彩很多才是！

你是指在 Sub Pop 的 Nirvana、Flight of the Conchords、The Postal Service、The Shins？還是 Pearl Jam、Soundgarden、Foo Fighters？或者其他像是？

Sub Pop 的成功，無疑是當時帶動整個西雅圖獨立搖滾音樂，被主流媒體矚目的一大功臣，但跟許多獨立小廠牌一樣，日後並沒有堅持對單一音樂曲風的發行，走向變得較為廣泛，也就是現在想到的 Sub Pop，已經並不會是 Grunge 的代名詞廠牌了吧！

除了 Nirvana、Pearl Jam、Soundgarden、Alice in Chains 這幾個 Grunge 名團外，其他像 Melvins、Mudhoney、Mother Love Bone、Green River、Screaming Trees、Temple of the Dog、Tad、Love Battery、Mad Season…（雖然有很多組樂隊是重複的成員所組成）有些團甚至更早就已經發跡，但商業上並未獲得成就，但其影響力也絕對不容忽視。

請聊一下當時的音樂頻道、雜誌和唱片行。有哪些節目、雜誌及唱片行是你常接觸的？請分享有趣的經過..

比起現在音樂頻道已經變成『娛樂台』，當時的節目精采多元許多，MTV 台豬頭皮朱老師主持的『另類酷樂』、Channel V 深夜有個節目我忘記名稱了（都會剪 Kurt Cobain 的訪問片段加上節目自行配音）、華衛音樂台趙一豪主持的 PP 放課站，甚至 TVBS 的西洋大樂兵…這些都是我會收看的節目。

因為自己在宜蘭就學，有時看不到的時段，就會用家裡的錄放影機預錄，週末回台北時一次看完，做筆記，再到唱片行找 CD。除了國外的音樂雜誌，也訂購台版的 mcb 音樂殖民地，後來台版沒了，就直接買港版的看。一有休假出門，就一定逛遍台北的唱片行（誠品音樂、淘兒、宇宙城、西門町 ABCD、大眾、玫瑰… ），閱讀 CD 的側標說明，我的習慣就是從 A 看到 Z。

那時候的大眾、玫瑰也比現在的商品種類要多很多，當然最常光顧的就是誠品音樂，後來因為在西門町那邊上班，西淘也是主要會逛的地方。在逛唱片行的過程中，透過試聽又可以認識到更多電視不可能會介紹的樂團，而且透過自己耳朵直接聽到的最準了。

豬頭皮、趙一豪在十多年前，對音樂媒體有諸多貢獻，為什麼被主流遺忘？

這樣說也許不禮貌，但豬頭皮和趙一豪可能從來就沒有被主流媒體所重視過，更別提現在是否有被遺忘了。台灣的主流價值就是凡事都要走中庸路線，絕對不可以有太『偏激』的態度與思維，雖然這點我沒有資格多說什麼。

套用一句已故前宜蘭縣長陳定南說過一句名言:『與其討人喜歡，不如受人尊敬』，這個精神並不是大多數人會願意實踐的！

『與其討人喜歡，不如受人尊敬』：請問陳定南先生對你的影響？

不敢說他對我的影響，但陳定南的確是我心目中少數值得尊重的政治人物之一！而且我永遠也不會忘記自己在宜蘭唸書的時候，他站在競選車隊上，我騎著腳踏車從旁經過向他揮手，而他也親切的回應我那一幕。

雖然他已經病逝，但對於台灣的努力與樹立的精神榜樣，是永遠也不會消逝的。尤其對於這句名言，我相信他也確實地實踐了，意義實在深遠。

許多搖滾樂與政治產生不少火花，請問你的看法。你是否贊成透過搖滾樂表達政治訴求？

我覺得搖滾樂是最自然直接，而又貼近生活的一個樂種，透過搖滾樂，可以表達所有週遭所接觸到的東西，如果你認為政治其所涉及的國家建設與定位走向是影響生活的一部份，從音樂表達訴求理念是相當自然，而且理所當然的事情！

政治議題雖然敏感，但一個民主國家實在需要人民對於政治的參與以及關心，才會有其意義所在。

請問你投入有關音樂的第一份工作是？

我一直以來，就是很想到誠品音樂上班，不過當時總是因為沒缺人，或是忽略我了，我也不知道，等了很久很久，都沒有消息，於是就開始找其他工作，第一份與音樂相關的工作，就是去響韻唱片當業務！雖然他們主要所販售的，是爵士古典，還有新世紀的唱片，但實在是因為跟『音樂』有關，能夠與 CD 為伍似乎成了樂趣，所以，那就成為我的第一份正式工作了。

你是擔任響韻唱片業務時認識武璋？還是認識其他同事才進入誠品？

認識武璋，是當他還在公館的宇宙城，雖然當時還身為學生的我，在宜蘭唸書，沒有太多的經費能夠成為大戶，但因為還蠻常去那邊找尋音樂，所以自然而然，就認識武璋，也表達自己很希望可以到唱片行打工的意願，但是可能因為不缺人，所以遲遲沒有等到消息。

後來誠品音樂在公館開了第一家店，我像挖寶一樣進去逛，又碰到武璋了，畢業後也是馬上投了履歷，希望可以在誠品音樂工作，但可能因為音樂類型的重覆（搖滾樂已經有負責管理的同事了），還有些其他原因。我也是等了很久，都沒有接到通知。

直到誠品音樂搬到敦南，準備有小夜的營運（營業到凌晨兩點），需要小夜班的工讀生，我就接到通知了，馬上把當時的另一份工作辭掉，馬上到誠品音樂，當個全職的工讀生。

現在進入誠品音樂館工作要考試，請問你當時應徵的情形？

當時我並沒有透過考試，只是作個簡單的面談，與情況的解說，自己剛好也都願意配合，報到那天，就帶著興奮的心情來上班了，那時是真的很興奮的。

與你在誠品音樂館的兩年同事期間，你平均每天買超過一張以上的專輯，請問你的購買動力是什麼？

應該是對於收藏音樂這個動作，本身就有很嚴重的癖好吧！聽到好聽的，就會想要擁有，而且是實體的 CD，也會希望盡可能擁有某種喜愛曲風的所有作品，之前也會因為喜愛的廠牌，收藏其所有的發行。

不過最近發現自己的 CD 實在太多了，多到根本家裡已經沒地方放，後來也都無法排序，以至於要找一張 CD，都要找好久好久，這真的令我很困擾，現在購買 CD，盡量希望自己可以再節制一點，否則真的不知道買回去要放哪裡呀！

在經濟許可的情況下，我會繼續收藏。音樂人很認真的做出一張完整作品，從創作歌曲到錄音、後製、歌曲排序、專輯封面、美術設計…這不是一首首的 MP3 檔案可以表達的，只有實體，無論是 CD 或是黑膠才能呈現，一張 CD 平均大概四百多元，擁有的絕不僅是數字上的價值，那是一張音樂人用心完成的作品。

經濟能力所及，量力而為又有需求，在音樂上的花費是必須的，否則也是花費到其他地方，錢花在哪裡，絕對是最現實地表現出一個人重視的所在。

現在因為網路發達，實體音樂作品這件事，好像已經被很多人忽略了，買回去在家自己聽誰知道？只需要查查 Youtube，聽到喜歡的，把它 po 出來，不用花什麼力氣，再隨便查個資料，人人都是音樂通，都是專業樂評，但是否有珍惜過這些作品的價值？又是否真的吸收了作品內所表達的東西呢？我想絕對不盡然吧！雖然我這樣說可能得罪了不少人，但真的是很深的感觸，才會發的牢騷。

在誠品音樂館工作，對你在創作上的影響或啟發？

讓我可以接觸更多音樂類型，對一些以前可能不會有興趣的樂團，也都有機會聆聽，這讓我更加確定自己所喜愛的音樂類型方向。

雖然瑞士那麼先進的國家，剛公佈認定免費下載音樂、電影是合法行為，而台灣現在買實體 CD 的人也越來越少；在唱片行工作卻讓我知道，原來還是有許多人願意花錢購買實體音樂，心裡還是會感到溫暖，畢竟我是多麼地不希望唱片產業成為夕陽而逐漸消失！

有些樂友聽一陣子音樂後，就必須完全靜音，讓耳朵休息；有些樂友則相反，只要感覺音樂停下來，就會渾身不自在，請問你是屬於前者，還是後者？

我自己學生時代應該是後者，就是一回到家，馬上把音響打開，CD 放進去一直播放。

曾經有個經驗是，跟家人回南部掃墓，結果隨身聽忘記帶，只好三不五時躲回我爸的車上，把音樂開得很大聲，就會渾身舒暢許多。

不過現在可能已經變成前者，再加上上班一整天，都是在音樂播放的環境，半夜下班回到家，有時會想要享受完全寧靜，或許只是片刻，或許是很長的一段時間，不過終究還是會忍不住按下音響的 play 鍵。

一位多聽、多聞的創作者，對於作品是否多有幫助？還是會被其左右，走不出自我風格？

我覺得多聽音樂這件事情，對於創作相當有幫助，也是我主要的靈感來源，被其左右當然是難免的，就是一種很深的影響吧！我並不認為自己能做出什麼創新的曲式，也不會期待接下來的新團會製造出什麼革命性的音樂，因為實在是有太多偉大的前人，已經做過無數的實驗了，每次都會有種『哇！原來這個東西之前就有人玩過了！』的感慨，我真的很佩服那些勇於實驗的藝術家。

現在將自己喜歡的音樂廣為吸收，並利用自己的方式與技巧表達出來，只要成品是好的，對我來說就足夠了，很多我喜歡的新團，也都是受到一些經典樂團音樂人影響很深，是同樣的道理。

每到年終時，就出現許多十大年終排行榜單。但回首一看，過去一年的新發行量成千上萬，如何能透過『十大』或『廿大』將數不完的好音樂屏除門外？我認為巧立榜單只是突顯立榜人聽得太少，不然就是基於商業炒作。請問你的看法？

就國外雜誌或是網站的榜單而言，可能會有所謂的商業炒作因素在內，但這我也不是真正了解的人；而就國內樂評個人所選出的榜單，他們音樂是不是真的聽得夠多，我想也只有他們自己最知道，但不管什麼榜單，我只有一個感想，就是都大同小異，很無趣！

音樂入門者可能會需要一些指標性的東西，才能夠更快速地找尋音樂時，有個簡單明確方向，但我更希望大家可能更相信自己的耳朵。每個不同時期，都會有所謂的大團產出，真正聆聽過後，有些的確會令人佩服且驚豔不已，但有些真的會讓人覺得紅得莫名奇妙，好的音樂絕對沒有大團小團的分別，聆聽時能與自己產生共鳴與感動，就是好音樂。

搖滾專輯的專業評價何其多，例如：Rolling Stone、Blender、Q、Kerrang!、Mojo、Vibe、Guitar World、Clash、NME、All Music 等。請問你相信這些專業評價嗎？Nirvana 的 Bleach 在 Ultimate Guitar 獲得 9.2 分（滿分是十分），卻只得到 Blender 三星、All Music 三星半（滿分皆為五星）的評價，請問你的看法。

和 Zeus 認識好久了，我想你也知道我是一個完全不會去看評價的人，但這對於我在音樂館工作是一個缺陷，因為的確會有很多客人拿著最近評價很高，或是入榜的清單來尋找專輯，但令我不解的是，有些人甚至原本對某張專輯根本無感，但後來評價出來，或是年終榜單出來意外高分，就會說服自己似地買了那張專輯，並改口稱讚那張專輯有多棒。

評價也是人評出來的分數，藝術本來就不應該有所謂的評審，真的不需要太在乎，或是太拘泥於此作品到底是四星還是四星半的差別啊，還是要再說，請相信自己的耳朵。

面對每天這麼大量的發行唱片，來不及寫側標之餘，開放試聽是個不錯的方式。可是我們逐漸發現，有些樂迷是透過『加法』（聽越多買越多）試聽，有些是透過『減法』（聽越多買越少）。你的唱片收藏超過萬張，請與樂迷們分享，能將聆聽領域拓展開來的心得。

現在要在網路上找到試聽，已經不是難事，甚至有更多的免費完整下載，擁有實體 CD 真的已經是個人的消費習慣與收藏癖好。

其實自己聽音樂，一路下來真的也經過很多轉變，唯一不變的就是，都是屬於搖滾樂的範疇吧，就是各式各樣的搖滾樂，好像都曾經喜歡過，也一直摸索，但後來隨著年紀增長，也慢慢會找到自己認為真正願意一直聆聽，一直追隨的搖滾音樂類型。

只要多聽、多接觸，還是要相信自己的耳朵，不要一味崇尚名牌、大團、評價…認真去體會，並感受聆聽中的樂曲，所帶給自己訊息與產生的共鳴，才是最重要的！

請與我們分享最近喜愛的一張專輯。

近期入手的專輯如果真要只能選一張最喜歡的話，那就是 Still Corners 的首張完整長度專輯 Creatures of an Hour，陣中創作主腦 Greg Hughes 是美國人與女歌手 Tessa Murray 於英國倫敦所組成的 Dream-Pop 樂隊。

這張專輯恰巧是由我們前面聊到的美國西雅圖獨立大廠 Sub Pop 所發行，當然它也不是一張 Grunge 專輯，而是充滿 4AD 早期發行作品的夢幻風格，與 Shoegaze 樂團所常用的 reverb 大空間音效，營造十足另人著迷的空靈飄邈氛圍，就像不神經質的 Blonde Redhead 或是較為小品的 Slowdive。這張專輯適合在任何時候聆聽，可以一再的 repeat 都不會覺得厭煩，而每首歌曲皆是水準之作且平穩連接，這是我認為一張好專輯必須要有的條件呀，所以非常推薦！

你對音樂的定義有什麼想法？用 Shoegazing 來定義 Doodle，請問你的感覺？

音樂名詞的定義，的確是個讓人溝通方便的工具，可以很快的用文字，就瞭解每個作品呈現出的大致方向，雖然可能不是原創者所想要表達的，但也是大多數聆聽者，或是樂評們的感受。

我對於樂團，並沒有什麼音樂類型的設限，想要做什麼音樂類型，跟做得出什麼音樂是兩回事，但 Shoegaze 此類曲風，的確影響我的創作很深，我喜歡接了很多效果器的吉他聲響，也喜歡把吉他音箱的音量開很大，將含糊不清的 Vocal 包裹在音牆當中，這可能也都跟自己的個性有關係，然後這些音樂特性，又剛好都和 Shoegaze 吻合，所以才會被一些人這樣定義吧！

我的感覺，當然是高興的，因為那是我喜歡的音樂，我喜歡一切與迷幻搖滾有關聯的曲風。

Doodle 的創作發行，最早出現在蘿蔔三代的合輯。請問發行的過程？

小白兔的蘿蔔系列是公開徵選的，當時看到他們要發行三代的消息，我就把一些練團側錄的東西，回家再用自己簡單的電腦軟體加強一些東西，讓作品可以有較高的可聽性，然後就寄了大概四、五首歌給他們。

我記得是在中午的睡夢中，接到他們的電話通知，表示願意在此合輯，收錄我們的歌曲，而且選中的作品，就是我預料的『Runaway Train』，於是我們就按照規定時間，到了錄音室進行錄音。

他們提供入選的樂團免費錄音，但時間有限制，就是兩天錄好一首歌。那是我們第一次的錄音室錄音經驗，一切都很生疏，不過還好過程還算順利，更從中學習到不少東西。歌曲作 Mix Down 的時候，我們大致都有參與，不過最後 Matsered 的版本，是一直等到專輯上架，拆了第一張來聽，才聽到的。

雖然覺得我們應該要做得更好而不盡滿意，但的確是個寶貴經驗，可惜這個系列的合輯，後來就沒有繼續再發行了。

來聊一聊 Runaway Train 吧，Soul Asylum 的這首歌曲對你的啟發是什麼？

我很喜歡 Soul Asylum，也很熱衷於九零年代的音樂場景，至於會寫一首也叫做『Runaway Train』的歌，完全只是巧合呀！

Doodle 的『Runaway Train』所要表達的是：當經歷長期低落，且備感無助時，那份希望逃避一切現況的強烈感覺，儘管它的曲風是較為輕快流行的。

請與我們分享 Doodle 新專輯 Sacrifice in Despair 的創作背景：是不是每首歌的背後，都有故事呢？另外，是什麼原因產生動力，讓 Doodle 想要發行專輯？

Doodle的歌曲創作模式，大致上就是兩種方式，一種是我先在家裡把歌寫好，然後練團的時候，我們就來配上鼓與Bass，並請團員們在負責的樂器上，加入自己的東西。

另一種模式就是：我只先有歌曲的一段旋律（可能是 Vocal，也可能是吉他），然後帶進練團是用 Jam 的方式，完成整首歌曲的雛型，錄音回家後再慢慢把整首歌的架構完成。比較上，我覺得一首歌的曲比詞要來的重要許多。

Doodle 的每首歌曲，不一定都有明確所對應的一件故事，也許是一個意念、一個夢境的片段、一個失落的當下、一件事物的感動…都可能成為一首歌。

組了 Doodle 這個團已經好多年了，從 2004 年到現在剛好七年，才發行了第一張專輯，實在不是很應該，這七年當中，有絕大半的時間，樂團其實是停擺的，原因很多：無法避免的團員服兵役；還有就是時常會對於玩音樂產生很多質疑，因為聽好多音樂，覺得已經有好多好多優秀又偉大的作品，是否真的還有自己創作的必要（也許這是為自己懶散找的藉口吧！）。

工作的確是會讓自己在玩音樂這方面怠惰許多，休假下班就會想要休息，但玩團就必需要犧牲這些；當然還有個最複雜的，就是團員間也是會吵架，人的問題實在是最麻煩的東西，而且也是自己最不擅長處理的項目。

曾經嘗試以個人的方式 DIY 錄製歌曲，不過因為畢竟想做的，還是樂團的聲音，雖然有電腦軟體，或是購買了一些輔助工具，可以做出那樣的感覺，但那樣的形式沒有辦法做現場，只能擁有錄音作品。

在繼續玩團，與放棄玩團之間一直打轉，後來就是一鼓很強烈的動力，認為這次一定要把自己一直希望的專輯完成，努力說服團員（其實錄音的花費也是很大的問題），因為我覺得發行一張專輯，比表演一百場要來的重要，專輯錄音才是樂團欲表達歌曲的最完整面貌，而且我也很熱衷在錄音與後製的過程當中，全程參與。比起表演，我真的更喜歡錄音，要來得多很多！

如果 Doodle 可以再加入一位成員，你希望他是演奏什麼樂器？

應該就是多一把吉他，可以現場演奏吧！就像剛剛提到的，錄音時我疊了很多把吉他，以現在的編製，現場很難真正完整的做到那樣，而且 Doodle 也曾經有過短暫的兩把吉他的四人制樂團，但我實在是對三人樂團情有獨鍾，而且人越多，麻煩就越多，所以還是精簡為宜呀！

說到表演，有許多樂團是不太喜歡表演的。甚至在表演時背對觀眾，請問你的看法呢？

其他樂團的想法，我不清楚，但就我自己而言，由於容易緊張的個性，上台常有失常的表現，當然不至於到不喜歡表演的程度，只是礙於技術層面問題，現場表演時我們只有三個人，三件單獨樂器（吉他、貝斯、鼓），即使會用現場彈奏某個樂句作 Loop 來堆疊，但與錄音作品呈現出的歌曲，完整面貌還是會有落差。

不過現場與錄音室作品，本來就應該讓聽者有不同的感受，亦可使現場表演，有其獨特的版本意義。

表演時還有一個重點，就是與群眾的互動吧，但這也是我們樂團的弱項，我看過很多樂團都做得很好，非常擅長煽動台下觀眾的情緒，這的確是自己相當不足的地方。

藝術家有自虐性格，請問你同意嗎？比如說大部份的藝術家寧願累死自己，也不願意麻煩別人。還是你認為這個說法是與個性有關，與藝術無關？

我覺得很多的靈感都來自於人本身無窮無盡的慾望，這個慾望是指各方面的，當無法得到滿足，缺乏幸福的安逸感，反而會產生很多創作的動力。

就如同躁鬱症患者，若有方向管道與工具技術，通常會有很偉大的作品產生，藝術的確是心靈的慰藉。

你說藝術家寧願累死自己，也不願意麻煩別人，我想應該是反映藝術家對自身創作的堅持，與自信的展現，會盡可能保持自己作品的完整度，與個性應該也是有關係，有的人喜歡與人合作，而有的人喜歡獨立完成任務。

胡德夫在 TEDxTaipei 說：以前的人要一步一腳印的透過勞力爬山，才能攀登高峰，因此『登高自卑』；現代人只要走進電梯，就能到達 101。時代進步了，人與人的距離卻不減反增。你我身處資訊爆炸的年代，請問科技的進步，對於搖滾樂的創作領域是否帶來改變？你認為『從前』的搖滾樂和『現在』的搖滾樂，有哪些改變？

關於這點，真的讓我不得不佩服從前的搖滾樂團，這關於了所有相關的錄音技術，從前的盤帶式錄音器材，不但耗工又耗錢，相當沒有效率，但是聲音是無可取代的溫暖。

還有從前的效果器材並沒有這麼多樣，以前的搖滾樂團要製造一個 Reverse 效果，就必須要真正將錄好的東西，倒轉再錄進去，但現在只需要錄音軟體的功能一按，或是效果器一踩，就可以製造同樣效果了。

創作歌曲也是，從前的創作者可能需要精通相當多樣的樂器，才足以應付所需要的編曲安排，但現在因為電腦軟體的音源還有編曲功能，甚至不會樂器，沒有樂器的人都可以開始寫歌錄歌了，我指的甚至是搖滾樂喔。

說實話，我還是比較嚮往從前的搖滾樂，那樣的製作模式，那才是有機而且充滿人性，又實在的東西，藝術本來就應該如此的。

1976年，李雙澤在淡江文理學院的民謠演唱會上發生了擲可樂瓶事件，胡德夫也受到他的感召，決定唱出自己的歌。另外，在許常惠、史惟亮發現陳達之前，他們汲取西方古典樂的養分，甚至拿 Bob Dylan 的音樂給陳達聆聽；請問你以一位創作搖滾樂手的身分，與我們分享這件事情的看法，你是否同意時下創作樂手要唱出自己的歌？請問你的定義裡，什麼才是『自己的歌』？

聽音樂的人，藉由別人的歌曲來抒發自己的感情；而創作音樂的人，則將自己的想法，透過歌曲這項工具，來與其他人溝通，亦或自我宣洩，後者需要更多的勇氣與自信，但也是創作歌手必須要具備的特質吧！

生活中所接觸到的一切，都會影響創作，所謂「自己的歌」是假不來的東西，就算全是依靠幻想，也都會與創作者本身的個性、思維、文化背景脫離不了太多關係，受到喜愛作品的影響，消化過後成為自己的東西，只要非抄襲，就是「自己的歌」吧！

請跟想要接觸搖滾樂或搖滾樂團的青年朋友說幾句話，或者建議。

說建議實在是不敢當，但其實自己的確有相當多的感觸，從我真正地接觸了搖滾樂，很多想法真的會被改變，原本自己認為，或是大多數人認為理所當然的事情，仔細思考後，也許覺得一切根本並非如此。

我一直到了國中畢業，選擇就讀技職體系，當時也一心想要成為我們那個年代最夯的電子資訊業一員，成績一路上也都還算不錯，但後來卻決定不再繼續升學，原因就在於希望投入音樂相關行業。當然這發生在一個傳統家庭出生的我，鬧了很大又很久的家庭革命（其實打從我喜歡搖滾樂開始，家人就已經極力反對），加上自己喜歡的音樂在台灣並非『主流』，出社會後想要找個可以賺錢，又符合興趣的工作何其容易。

我也曾經質疑過，我對音樂的熱愛與付出，它又給我什麼回饋？目前為止，實質上的確是沒有，這很不公平，投資報酬率非常不理想，但我認為無形的東西，是無價的。

至於玩樂團，也很容易斷斷續續，因為在台灣要堅持音樂這件事（無論是聽搖滾樂或是玩樂團），我覺得是相當容易就會放棄的，因為生活中，你要忽視它實在太容易了，除非你永遠不看電視，不逛街！

玩樂團，現在對我來說，就是一種自我肯定，我不會期待改變什麼了。放棄學業導致學歷已經不如人，也不是出生在有錢人家庭，那還有什麼，讓自己能夠覺得有一份存在價值的東西？我認為還是音樂給了我很大的勇氣。

無論大家是因為什麼樣的原因接觸到搖滾樂，以及對搖滾樂產生興趣，當你發現它對自己是無比重要時，就儘量別讓自己有太多負面或質疑的想法，可能你的同學和身邊朋友並非如此，但自己認為對的事情，就應該有所堅持。

時光飛逝，沒有任何一個人可以肯定，自己能夠繼續搖滾到幾歲啊！千萬不要枉費這個世界上已經擁有的美好事物，當你已經發現，就請不要故意視而不見。

【簡介】Gustav Mahler

2012-01-17T00:58:00.000-08:00

翻譯自 Wikipedia

馬勒第一號交響曲『巨人』（Titan）

馬勒有 14 位兄弟姊妹，不過在他 14 歲之前，就死了 6 位，第一號交響曲首演那年，父親、母親與妹妹又相繼過世，而他才 29 歲。年紀輕輕就經歷 9 次親人往生和送葬的悲慟，其一生創作均圍繞生死、送葬、悼念、悲傷、自然等主題，敏銳卻又不太和諧的表達。

馬勒自 24 歲便開始著墨第一號交響曲，耗時四年完成。『巨人』是依據 Jean Paul 的同名小說改編成交響樂曲，小說主角是一位青年才俊，同時燃燒滿腔藝術熱血，因未覓得伯樂賞識，埋沒才能，逐漸絕望喪志，最後走向自殺之路。

馬勒似乎視己如小說主角，透過模糊抽象的自傳模式，詮釋曠世巨作。

『巨人』我目前聽了 Kubelik（庫貝利克）指揮巴伐利亞廣播交響樂團、Haitink（海汀克）指揮阿姆斯特丹音樂廳管弦樂團、Horenstein（霍倫斯坦）指揮維也納普羅穆西卡交響樂團、Levine（李汶）指揮倫敦交響樂團、Kletzki（克雷茲基）指揮以色列愛樂管弦樂團、Walter（華爾特）指揮哥倫比亞交響樂團。

第一樂章 Langsam Schleppend 的英文是 Slow and Dragging，木管模擬杜鵑鳥的叫聲，以及遠方傳來的號角聲，絲絲入扣，主旋律源自歌曲 Ging heut' morgens übers Feld，英文意思是 I Went Out This Morning Through the Fields，馬勒將旋律發展成奏鳴曲形式呈現。

第三樂章『送葬進行曲』Feierlich und gemessen 的英文是 Solemnly and measured，旋律結構源自民謠 Frère Jacques，馬勒透過哀傷小調，幾乎失去的 double 貝斯獨奏表達諷刺；中心的三重奏讓人聯想起昔日維也納小酒館的低俗音樂。

Horenstein 的版本呈現陰鬱氛圍，相較其他詮釋，顯示自我風格，廠牌 Turnabout 的錄音處理低頻極為出色，獨奏垂涎欲滴，不過樂器各聲部沒有達到平衡，編制增加時，就略顯可惜；Kubelik 透過旋律與節奏在第三樂章發揮反諷精隨；Haitink 的版本恬淡輕快，廠牌飛利浦錄音卓著。將來有幸遇到其他版本我會繼續聆聽。

馬勒第四號交響曲黑膠版本比較



【黑膠版本比較】比較 Mahler - Symphony No.4 (Szell/Cleveland Orchestra) MS6833（後期無眼／美國版／封面如上圖左：簡稱甲）、61056（封面是翅膀女神／英國版／封面如上圖右：簡稱乙）、61056（封面是淡紫色天空油畫／英國版：簡稱丙）三張黑膠唱片。

首先比較兩張英國版本的馬勒四號第一樂章，丙方開場的木管樂及隨後銜接的弦樂組失去太多細節：就像悶在一塊布裡，木管及弦樂的質感明顯被壓縮，各聲頻單薄衰弱。由於丙版本差距乙版本太多，在第一回合就倒地不起，直接抬出場。

接著是甲版本與勝出的乙版本做比較，這兩個版本都不是首版，首版編號是 MS6833 的兩眼美國版。首先乙版本的木管質感被壓縮了，失去鮮活感；弦樂聲音過於尖銳，在木管與弦樂的過門銜接，弦樂明顯是強勢，且直接的；甲版本的木管浮出時，明顯感覺弦樂退居二線，拉開漂亮的層次，木管的樂器質感很美，像水滴般的晶瑩飽滿。

演奏的強弱表現方面，甲版本呈現生動的節奏感，乙版本的各聲部持續強勢，聽起來顯得呆板。因此，甲版本的演奏律動活潑，如果用喝開水來形容，甲版本是一杯溫開水，乙版本是冰開水。

附帶補充，塞爾指揮的馬勒四號，獲得企鵝三星帶花、香港 CD 天書榜單、留聲機雜誌推薦基本曲目優秀唱片。

【簡介】Charles Ives

2012-01-16T01:12:00.000-08:00

翻譯自 Wikipedia

Charles Edward Ives（1874-1954）是美國現代樂作曲家，也被認為是首位重要的美籍國際作曲家， Ives 在世時，作品常被大眾忽視，許多作品長期未被演奏。

Ives 的父親 George Ives 在南北戰爭時期擔任空軍樂隊隊長，小時候 Ives 常坐在 Danbury（丹波尼）城廣場，聆聽父親的軍樂隊，以及對角的另一個軍樂隊表演；此外父親對音樂學理的開放思想亦影響了 Charles Ives，他鼓勵兒子實驗 bitonal（雙調）和 polytonal（複調）的融合，他們時常在唱歌時，一位擔任主唱，另一位負責合音。

Ives 在 14 歲時擔任教堂的管風琴手，譜寫不少聖歌，1893 年他搬到新港，進入霍普金斯語法學校，擔任棒球隊長，隔年 9 月就讀耶魯大學，師事 Horatio Parker。1894 年 11 月 Ives 父親往生，雖然遭逢巨變，為了追隨父親腳步，他開始在音樂上投入更多實驗，為了讓自己更忙碌，於是加入耶魯大學兄弟會 Delta Kappa Epsilon、秘密社團 Wolf's Head、擔任常春藤聯盟（Ivy League：美國東北部八所高等學府組成的體育賽事聯盟）主席、參與耶魯大學美式足球校隊…運動教練 Michael C. Murphy 說若非花太多時間在音樂上面，說不定 Ives 可以成為一流的短跑選手。作品 Calcium Light Night 與 Yale-Princeton Football Game 即顯示大學運動生活產生之影響。

Charles Ives『Symphony No. 2』

在校期間（1897 年）Ives 編寫『第二號交響曲』，1902 年完成初版，有五個樂章，不過他幾乎都在修修補補，終其一生重複雕塑樂譜（1909-1950），好事多磨，1951 年『第二號交響曲』終於公開首演，由柏恩斯坦指揮紐約愛樂（據說首演時樂譜仍有許多錯誤，柏恩斯坦做出修正，例如忽略速度、延遲不和諧音），聽眾反應熱烈但是 Ives 情緒持平。

他沒有出席，不過親朋好友、左右鄰居的耳朵均貼在實況轉播收音機前，畢竟公演延宕太久，Ives 已被美國古典樂迷遺忘。

『第二號交響曲』未將討喜的流行旋律如 Columbia, the Gem of the Ocean（十九世紀流行的愛國歌曲，Ives 使用在第四號交響曲）、Camptown Races（美國音樂之父 Stephen Foster 撰寫的喜劇歌曲）、Long, Long Ago（英國鄉愁民謠）、America the Beautiful（美國愛國歌曲）加入曲目中，不過卻改造和發展至更寬闊的主題，Ives 的創作因為違背正統，被大眾拒於門外。

『第二號交響曲』是一個有趣的先例，義大利作曲家 Luciano Berio 在 65 年後創作的 Sinfonia 第三樂章，與 Ives 第二號交響樂的第五樂章相比較，發現兩者的引用技巧十分相似，證明 Ives 音樂發展的觀點在二十世紀終於被接納。

我收藏的這張黑膠正是前文提及的版本，由柏恩斯坦指揮紐約愛樂，唱片封面寫了一段柏恩斯坦的讚美：Our first really great composer.. our Washington, Lincoln and Jefferson of music.

這是對開硬殼 1LP 唱片，開啟後有六頁圖文，介紹 Ives 的故居、學生時代、雙親妻兒、休憩生活、樂房樂譜、父親的軍樂隊等照片，我透過拍攝將圖檔列出如下（點圖放大）：

後記：耶魯大學畢業後，1899-1906 年 Ives 任職於保險公司 Charles H. Raymond & Co.，1906 年公司倒閉，Ives 和朋友 Julian W. Myrick 成立保險公司 Ives & Co.，後來更名為 Ives & Myrick，他經營公司直到退休。

1907 年 Ives 經歷第一次心臟病發，痊癒後進入創作巔峰，1908 年和 Harmony Twitchell 成為結髮夫妻，搬進紐約的公寓住所，保險業績持續成功，1910 年開始著墨編制最龐大的代表作『第四號交響曲』，耗時六年。

【簡介】Bennie Wallace

2012-01-15T01:33:00.000-08:00

翻譯自 Wikipedia

Bennie Wallace（1946~）來自美國田納西州的 Chattanooga，他是爵士次中音薩克斯風手，音樂風格就像是粗糙版的 Ben Webster 與狂野跳躍版的 Eric Dolphy，Wallace 的風格有探勘本質，所以音樂也流著搖擺樂的血液。

12 歲開始學習單簧管，幾年後換成次中音薩克斯風，1968 年自田納西州立大學畢業，三年後搬到紐約，他與牙買加鋼琴手 Monty Alexander 共同首演，接著為爵士女歌手 Sheila Jordan 擔任伴奏，70 至 80 年代 Wallace 斷斷續續自組三重奏或四重奏，1985 年以前的錄音大部分都在慕尼黑爵士廠牌 Enja 旗下發行，不過 80 年代中期至末期他在 Blue Note 旗下的發行卻更受到矚目，因為這些音樂加入了紐奧良節奏藍調元素，和健康的幽默感。

1978 年 5 月 Wallace 在 Enja 旗下發行首張現場專輯 Live at the Public Theater，貝斯手 Eddie Gomez 曾在 Bill Evans、Chick Corea 麾下演奏，共同參與演出的樂手不勝枚舉，包括 Miles Davis、Dizzy Gillespie、Gerry Mulligan、Benny Goodman、Paul Bley、Wayne Shorter、Herbie Hancock… 附帶一提，Gomez 還曾經是 Manhattan Jazz Quintet（曼哈頓爵士五重奏）的成員。

鼓手 Dannie Richmond 在 Charles Mingus 樂團待了 21 年，Mingus 歿後隔年，他成為樂團 Mingus Dynasty 首任音樂主席；Richmond 亦為流行歌手 Joe Cocker、Elton John 與樂團 Mark-Almond 擔任過鼓手位置。

Live at the Public Theater 收錄四首曲目，兩首（Broadside、Head）由 Wallace 撰寫；加上 Duke Ellington 的 In a Sentimental Mood 與 Thelonious Monk 的 Blue Monk，當時 Wallace 認識許多前衛爵士樂手，所以 Live at the Public Theater 風格也傾向前衛爵士，經典曲 In a Sentimental Mood 與 Blue Monk 透過三重奏刺激的詮釋，趣味新意富饒。

【簡介】Márta Sebestyén

2012-01-14T23:24:00.000-08:00

翻譯自：Wikipedia；All Music

Márta Sebestyén（1957~）來自匈牙利的布達佩斯，她是匈牙利民謠歌手。自幼在 Radnóti Miklós（勞德諾蒂 • 米克洛什）語言學校就讀，1973 年，16 歲的 Sebestyén 成為匈牙利樂團 Muzsikas 的主唱、長笛手，還會吹奏一種叫做 Tilinko 的匈牙利樂器；他們表演傳統民謠和東歐地區的宗教音樂，亦表演古典作曲家 Béla Bartók（巴爾托克）的民謠曲目，收錄在 1999 年發行的專輯 Bartók Album。

Muzsikas 帶領一波民謠復興運動，同時也在流行樂壇成名，他們在廠牌 Hannibal 錄製三張唱片。

Sebestyén 最為人知是演唱 Somogy（紹莫吉州）與 Transylvania（德蘭斯瓦尼亞）的地方民謠，前者在匈牙利，後者在羅馬尼亞。這些民謠有些收錄在 Deep Forest 的專輯 Bohème（Marta's Song、Bulgarian Melody、Twosome），結果 1996 年奪下葛萊美最佳世界音樂專輯獎，這麼一說或許可以勾起大家一些印象。

因此 Sebestyén 在西方世界流行樂壇打開知名度，除此之外她也會演唱北印度、猶太、保加利亞、斯洛伐克等地方民謠。

身材嬌小的 Sebestyén 在匈牙利卻是民謠樂壇的巨星，1987 年她以個人名義與樂團 Muzsikas 在廠牌 Hannibal 發行個人首張專輯 Muzsikas，收錄十首傳統民謠，從慶祝節日的歡樂氣氛（Egy Pár Tánc Mezöségröl－英譯：Mezoseg Dance）、戀愛的甜蜜和濃烈（Szeress Egyet, S Legyen Szép－英譯：Love Just One）到哀傷的悼歌（Fehér Galamb Szállt a Házra－英譯：A White Dove Has Come），很有東歐、吉普賽等民族風格。

1991 年 Sebestyén 與 Muzsikas 為日本動畫電影 Only Yesterday（兒時的點點滴滴）原聲帶演唱三首歌曲（Teremtés、Fuvom Azénekem、Hajnali Nóta），這三首歌均收錄在 Muzsikas 專輯。

1993 年 Sebestyén 參與實驗搖滾樂團 Towering Inferno 的經典專輯 Kaddish 錄音；1996 年 Sebestyén 為普立茲小說獎原著改編的電影『英倫情人』（The English Patient）電影原聲帶演唱歌曲 Muzsikás-Szerelem, Szerelem。

【簡介】France Clidat

2012-01-13T06:03:00.000-08:00

翻譯自：Wikipedia

France Clidat 是法國古典大鋼琴家，今年已經八十歲了。十五歲即在日內瓦演出 Henri Sauguet 的 A 小調鋼琴協奏曲，指揮是安塞美（Ernest Ansermet）。1950 年在巴黎音樂學院以鋼琴第一名成績畢業，隨後師事 Emil Gilels 與 Lelia Gousseau。

1956 年 9 月在布達佩斯舉行的國際鋼琴大賽，Clidat 獲得李斯特大獎，這個獎自 1937 年之後就未曾授予了，她自此名揚國際，在世界各地展開演出。

有一次，法國 Le Figaro 日報的樂評家 Bernard Gavoty 在巴黎香榭麗舍劇院聽完 Clidat 的彈奏，在文章中為她封上李斯特夫人（Madame Liszt）的尊號；她還有另一個封號，叫做法國鋼琴大使夫人（the Ambassadress of the French piano）。

Clidat 在 Decca 錄製的 Liszt 作品，榮獲法國查理﹒科魯斯獎（相當於美國的葛萊美獎），及歐洲學院唱片大獎。她錄製的 Liszt 錄音，共有 24 張黑膠，隨後轉錄成 28 張 CD。除了 Liszt，Clidat 也錄製 Erik Satie、Rachmaninoff、Grieg、Chopin、Tchaikovsky、Marcel Landowski 等大作曲家的鋼琴作品。

Clidat 曾在巴黎高等師範音樂學院教書，也擔任諸多國際大賽的評審，例如李斯特國際鋼琴大賽、羅德國際鋼琴大賽、浦朗克國際鋼琴大賽等。Clidat 彈奏 Grieg 鋼琴協奏曲的慢板樂章，就出現在　2000 年加拿大導演丹尼斯‧維倫紐瓦拍攝的電影『迷情漩渦』(Maelström ）。

【簡介】Karlheinz Stockhausen

2011-12-02T14:28:00.000-08:00

轉載自：古典音樂雜誌第五十期（1996.04）
作者：顏心童

隨著作曲家退出國際級的大型唱片公司，同時還帶走了他原來在此發行的錄音，Stockhausen 這個名字和他的作品，慢慢的就被人所淡忘了。這種情形，對一位現代音樂的作曲家而言，無疑是較公平的，不管是對他或是對聽者。音樂這項人類文明的產物，長久以來被冠以無國界語言的標題，往往使人誤解了其受到地域、個人、民族文化素養不同所產生的影響。

身為作曲家，有時作品被錯誤的引述和喜愛，在早年成名時或許沾沾自喜，等到地位身價被肯定，尤其是發自內在的肯定和自省產生後，往往越發不能忍受，到最後選擇毀棄舊作，或重新編訂的機會也就越來越大。

旬白克不願外界聆聽其音樂協會演出的態度，其實正是這種心態的延伸。Stockhausen 自己成立唱片公司，雖然也包含了自大和藝術家的狂妄心態，可是卻也非常沉重打擊了這既有音樂世界的許多表象：音樂是娛樂抑或是哲學？

藉由大型國際唱片公司發行網之助，Stockhausen 是他那一輩的前衛音樂家中，作品發行數量最廣的一位作曲家。

他出生於 1928 年的德國科隆，因遭逢第二次世界大戰而中輟學業，後來進入科隆的高等音樂學校，可是念了三年，再度輟學，這一次他轉到酒吧和舞蹈學校去演奏。

這之後他遇到了比利時作曲家 Frank Martin，與他一起工作，然後又到巴黎與米堯和梅湘合作，後者影響他極深，Stockhausen 早年的一些作品，很明顯透露了他在梅湘的影響之下，如何找到自己和現代樂接觸的路徑。

Kreuzspiel, for oboe, bass clarinet, piano, and 3 percussionists（1951）

不過，梅湘的影響主要是停留在概念性的範圍，漸漸的，Stockhausen 從 Pierre Schaeffer 這位現代樂作曲家身上，得到一種稱為『Musique Concrete』的音樂手法，這位 Schaeffer 同時也是當時還在雛形階段的電子音樂創始人之一。

這也使得 Stockhausen 後來創作出使他被貼上標籤的『電子音樂』，一直到 1962 年為止，Stockhausen 都一直在西德廣播公司的科隆電子工作室中，協助 Herbert Eimert 一起從事這方面的研究。

Stockhausen 很早就被人與電子音樂劃上等號，除了上述的研究工作，一方面也由於他是最早將電子音樂推上現代演出舞台的作曲家之一（Kontakte，1959）。更重要的則是，他藉由自己的作品，將這種電子音響的觀念推廣到傳統樂器的演出，而革新了現代樂中對傳統樂器的使用觀念。

可是讓人驚訝的是，Stockhausen 的音樂卻令聽者不難接受，這是很奇怪的事，他的作品往往要花上音樂教師成篇成頁的解釋，演奏家日以繼夜的排練，可是一旦到了演出，聽者卻一點負擔也沒有，就吸收了。

有一本評論書籍中提到，Stockhausen 是一位本質很對立的人，他所說的和他所作的音樂是那麼的對立；他的想法是那麼的複雜，而他所製造的聲音卻又那麼的簡單；他的知識是那麼的博古通今，可是內在的包容性卻那麼的自我中心；他自己是那麼愛玩破除偶像的遊戲，可是我們對他的瞭解，卻又不得不仰賴從傳統而來的知識。

我們究竟該崇拜這位作曲家能夠馭簡為繁的說話方式，還是應該譏諷他說得多做得少的效果呢？

Stockhausen 是梅湘在 1958 年預測未來音樂領導人物的一位先鋒，當時大師口中指稱許兩人，另一位就是早已不再創作的布列茲（Pierre Boulez）。Stockhausen 寫作的音列作品，就連完全不懂這種音樂的聽眾也聽得懂，可是他的學生卻紛紛離他而去，且一概反其道而行。

他自己建立一個音樂家族，把妻子兒女和情婦一起網羅進來，可是小 Stockhausen 卻是玩德式爵士音樂的大家。Stockhausen 的嚴格控制從樂譜擴張到音樂廳，然後到他的家族，最後甚至連報紙的訪談和照片都必須經由他的同意，他的作品由自己出版，最後乾脆連唱片錄音都收回來自己做。

九零年代的 Stockhausen 似乎已不再如六零年代那麼被視為前衛的象徵，也不像在七零年代時，還被一些擁戴者期帶著有翻身的機會。早年曾經是許多現代樂作曲家啟示源頭的他，如今依然忙碌於計畫在下一個世紀完成的歌劇聯作『光之七聯作』，他目前已經完成四部，若真能全部完成，那就是本世紀最足以與華格納並提的巨作了。

Stockhausen 的作品很難演出，因為除非作曲家本人在場參與排練，否則，很多細節都無法成功的呈現在舞台上，這也使得他的作品越來越少被演奏。或許，就像他自己所說的：『我從不會因為我的作品有二、三十年未曾再被人演奏而感到沮喪，當然，如果能被演奏會更好，可是沒人演奏也沒什麼，只要我活著，我就要寫下去，因為我覺得人的一生實在太短了，而我又有那麼多的計劃要完成，其中必有許多是我來不及實行的，只有期待下一個世代會看到我播下的種子，並且運用我所留下的創意，繼續完成它。』

Stockhausen 的作品，就算是最出名的，在本地也很少被人提及，可是許多人卻又對他的名字非常熟稔。他早年典型的創作中，Gesang der Junglinge（青年之歌）應該算是代表作，在潘皇龍所著『現代音樂的焦點』一書中，提及的則是 Gruppen（集團）。

然而他自己允許 DG 發行的，則是充滿著文字和性感意味的樹笛獨奏作品 Amour（愛），和結合電子音樂與合唱團的 Unsichtbare Choere（看不到的合唱團），以及前文提過的歌劇聯作第四部『光之禮拜四』等。

『看不到的合唱團』運用到十六軌的無伴奏合唱團錄音，其中有部份的音樂曾經出現在『光之禮拜四』中。這首作品另外還有個副標題是『為十六軌無伴奏合唱團的錄音』，從這十六軌中，混音成八軌，然後這八軌再混音成兩軌，所以在正式的演出中，只用到兩軌的錄音系統。

這首作品在 1979 年完成，內容其實沒有作品名稱看來那麼玄，因為演出時只有錄音帶的播放，所以當然是『看不到的合唱團』。而在聽覺上的效果，這部作品的音樂也非常的悅耳且易於瞭解，並不如你所想像的那麼艱深，這也是筆者推薦此曲的原因。

很可惜的是，這首作品已經因為版權回歸 Stockhausen，而從 DG 目錄上消失了，類似的作品，或許可以嘗試 Hyperion 出版的 Stimmung。

曾經被德國樂團以外的組合灌錄次數最多的應屬 Stimmung（心情）一曲，這首曲子完成於 1968 年，運用了亞洲式的歌唱技巧和電子擴音器的組合，需要六位歌唱家參與演唱，已經成為部份擅於演唱現代合唱音樂的合唱團所喜愛的作品。

【簡介】Marcel Landowski

2011-11-27T00:08:00.000-08:00

翻譯自：Wikipedia

法國現代樂作曲家 Marcel Landowski 是紀念碑雕塑家 Paul Landowski 之子，以及比利時作曲家 Henri Vieuxtemps 的玄孫。

廿歲進入巴黎音樂學院就讀，師事法裔美籍指揮家 Pierre Monteux，受到法裔瑞士籍作曲家 Arthur Honegger 的影響，可以從作品得見，Landowski 後來為 Honegger 立傳。

四零到六零年代期間，他為多部電影撰寫配樂，其中以 Gigi（1949）最為人知。1944-1945 年 Landowski 撰寫 Concerto for ondes Martenot, strings & percussion（為馬特諾電子琴、弦樂及打擊樂而作的協奏曲），是極簡風格的現代樂曲，也是 Landowski 的代表作品，不過到了 1976 年 11 月 25 日才得以首演。

馬特諾電子琴的名字，取自法國發明人莫里斯•馬特諾（Maurice Martenot），這是早期的電子樂器, 也是現代電子音響合成器的先驅。

比起同時期的現代樂作曲家，Landowski 捨前衛作風，擁保守風格，1966 年法國文化部長 André Malraux 任命 Landowski 為部會的音樂總監，卻遭到 Pierre Boulez（布列茲）等人反對，產生爭議。1967 年巴黎音樂院管弦樂團解散，Malraux 與 Landowski 呼籲指揮家 Charles Munch（孟許）成立新樂團，同年巴黎管弦樂團成立，但是隔年孟許就過世了。

Landowski 任期內曾一度提倡法國的區域性樂團，1999 年他在巴黎的醫院過世，享年八十四歲。

【簡介】Antonia Brico

2011-11-26T00:17:00.000-08:00

Antonia Brico 是荷裔美籍指揮家，1919 年高中畢業後，她已成為鋼琴家，且有指揮經驗。在柏克萊的加州大學就學期間，Brico 在舊金山歌劇樂團擔任指揮助理。

1923 年大學畢業，Brico 師事波蘭指揮家/鋼琴家 Zygmunt Stojowski，1927 年進入柏林國家音樂學院就讀，1929 年自指揮大師班畢業，成為第一位畢業的美國人。同時期 Brico 師事指揮家 Karl Muck 三年，指揮漢堡愛樂管弦樂團。

1930 年二月 Brico 指揮柏林愛樂，以專業指揮家的身分首演，她與舊金山交響樂，及漢堡愛樂的合作亦獲得樂評家與觀眾的喝采。1934 年 Brico 授命指揮新成立的女子交響樂團（Women's Symphony Orchestra），1939 年一月更名為 Brico Symphony Orchestra。

1935 年 11 月 12 日美籍荷裔女指揮家 Antonia Brico 在卡內基音樂廳首演，指揮自己成立的紐約女子管弦樂團（New York Women’s Symphony Orchestra）。

Brico 拆除藩籬，進入男性主導的指揮家領域，1930 年她成為首位指揮柏林愛樂的女指揮家；1938 年再度成為首位指揮紐約愛樂的女指揮家。她不稱自己為女指揮家（I do not call myself a woman conductor, I call myself a conductor who happens to be a woman）。

1939 年在紐約的世界博覽會，Brico 指揮美國聯邦政府管弦樂團，在歐洲的巡迴演出，她時常身兼鋼琴與指揮二職，隨後 Brico 接受大指揮家西貝流士的邀請，擔任赫爾辛基交響樂團指揮。

1942 年 Brico 移居丹佛，成立巴哈協會及女子弦樂團，她也擔任丹佛實業家管弦樂團（1968 年更名為 Brico 交響樂團）指揮，以及丹佛社會交響樂團指揮（後來更名為丹佛交響樂團），Brico 教授鋼琴課程，學生包括 Samuel Burl Lancaster、Ingrid Ann Hansen 和創作歌手 Judy Collins。

Brico 持續與世界各地的管弦樂團合作，擔任客席指揮，包括日本女子交響樂團等。

‎1974 年美國創作歌手 Judy Collins 與獨立製片導演 Jill Godmilow 共同執導記錄電影 Antonia: A Portrait of the Woman，記錄 Antonia Brico 邁向指揮家的奮鬥之路，包括受到性別歧視等遭遇，獲得奧斯卡最佳紀錄片提名。

1989 年 Brico 辭世，2003 年美國國會圖書館認為這部紀錄片在『文化、歷史、美學上有重大意義』，列為美國國家電影寶藏。

【簡介】Horace Silver

2011-10-30T08:47:00.001-07:00

翻譯自：Wikipedia；All Music

1956年11月10日美國爵士鋼琴家 Horace Silver 在 Blue Note 旗下錄製專輯 ‎6 Pieces of Silver 完成，獲得 All Music Guide 四星半、爵士企鵝三星半高評價。

‎6 Pieces of Silver 是 Silver 五重奏成軍的首張經典大作，尤其是兩首代表曲目 Señor Blues（CD 多收藏兩個版本，其一是 Bill Henderson 的歌唱版）及 Cool Eyes。

All Music 樂評家 Scott Yanow 推崇 Silver 五重奏，認為早期的 Silver 五重奏就像早些年的 Jazz Messengers：Donald Byrd（小號）、Hank Mobley（次中音薩克斯風）、Doug Watkins（貝斯），陣容都一樣，只有鼓手換成 Louis Hayes。

不過 Silver 五重奏卻開始奏出自我風格，Señor Blues 讓 Horace Silver 聲名大噪。

【簡介】Art Blakey

2011-10-29T06:05:00.000-07:00

翻譯自 Wikipedia；All Music

1958年 10 月 30 日爵士巨擘 Art Blakey 與樂團在 Blue Note 旗下錄製專輯 Moanin' 完成，獲得 All Music Guide 五星戴冠、爵士企鵝三星半高評價。

Moanin' 是鼓神 Art Blakey 與其樂團 Jazz Messengers 的生涯代表作，專輯出現三首不朽的爵士經典（Moanin'、Along Came Betty、Drum Thunder Suite），絕對經得起時間考驗。

同名開場曲 Moanin' 由 Bobby Timmons（鋼琴）所撰，是一首旋律和諧、加上藍調風味熬燉的中板佳餚；Benny Golson（次中音薩克斯風）在 Along Came Betty 的吹奏放鬆而優雅，他與 Jazz Messengers 的合作不長，他們一起合作，在美國發行的專輯也僅此一張。

喚起樂迷對紐奧良軍樂隊記憶的 Blues March，成為爵士樂團與學生的基本練習曲目。

Are You Real? 是一首卅二小節形式的歌曲，曲末搶四拍，擁有不可思議的旋律線，由 Benny Golson（薩克斯風）與 Lee Morgan（小號）共譜。

Drum Thunder Suite 擁有三個樂章：Drum Thunder、拉丁味道的 Cry a Blue Tear 及 Harlem's Disciples，Blakey 呈現快速爆破的鼓技，讓人幾乎要窒息，Drum Thunder Suite 一躍成為 Jazz Messangers 的主要表演曲目；Come Rain or Come Shine 交錯斷續的節奏對照輕鬆的副歌旋律，在精密的修飾和編排下，受到關注。

依據維基百科資料，Moanin' 是『硬式咆勃』（Hard Bop）的指標性專輯之一，Blakey 的擊鼓張力，及其他樂手的精彩演奏，結合福音、藍調元素，加上複雜的當代爵士樂的感性，All Music 的爵士樂評家 Scott Yanow 將 Moanin' 列為十七張最重要的 Hard Bop 專輯唱片之一。

美國爵士樂歌手及歌詞創作家 Jon Hendricks 日後為 Moanin' 填詞，爵士三重唱樂團 Lambert, Hendricks & Ross 曾錄製歌詞版錄音，另一位爵士歌手 Bill Henderson 也唱過歌詞版。

毫無疑問的，Moanin' 是令人滿意的爵士大碟，絕對是 Blakey 的生涯代表作，以及五零年代後期以降最佳的現代爵士代表作品。

【簡介】Dizzy Gillespie

2011-10-28T07:29:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia；All Music

1954 年 10 月 29 日爵士巨擘 Dizzy Gillespie 在 Verve 旗下發行專輯 Dizzy Gillespie with Roy Eldridge，獲得 All Music Guide 五星戴冠最高評價！

即便將 Dizzy Gillespie with Roy Eldridge 恭維成「經典」，還是不足以讓樂迷了解其厲害之處。製作人 Norman Granz 最擅於將兩位大師擺在一起鬥陣（無論是現場或錄音），Roy Eldridge 是公認最具競爭力的小號大師，而小他六歲的 Dizzy Gillespie 有其無法抗拒的魅力，將二位大師擺在一張錄音裡，自然有不勝其數的吸引力。

雖然專輯不乏經典曲目及抒情小品，不過聽到二位大師透過 I've Found a New Baby 與 Limehouse Blues，不斷的想幹掉對方，實在讓樂迷大呼過癮！

【簡介】Edward Elgar

2011-10-27T16:42:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia

英國大作曲家 Elgar 在第一次世界大戰初期寫下 Sospiri, Op. 70，這是為管弦樂、豎琴、管風琴（或簧風琴）而譜的慢板，Elgar 透過 Sospiri 懷念長年摯友：小提琴家 W. H. "Billy" Reed（也是 Elgar 的傳記作家）。

他原先的想法是為了小提琴與鋼琴而作，成為 Salut d’Amour, Op. 12（1888 年）的姊妹曲，所以預先的歌名是法語 Soupir d'Amour，中文的意思是『愛的嘆息』，不過，當 Elgar 寫到一半時，他發覺這首曲子所散發的情感越加濃烈，於是又把 Soupir d'Amour 更為義大利語的 Sospiri，中文是『嘆息』的意思。1914 年 8 月 15 日 Sospiri 在倫敦的皇后音樂廳舉行首演，由英國指揮家 Henry Wood 擔任指揮。

【簡介】Wolfgang Amadeus Mozart

2011-10-26T16:53:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia

莫札特寫曲速度之快，幾乎無人能出其右，第卅六號交響曲就是一例。當時莫札特與妻子從薩爾茨堡要回到維也納，中途行經林茲，當地居民知道消息，便公告周知。為了回應居民的歡迎，莫札特在四天內完成這首交響曲，並於當地舉行首演。隔年 4 月 1 日第卅六號交響曲亦在維也納舉行首演。

網路上可找到畢勤指揮倫敦愛樂的版本，是 78 轉的留聲機唱片，獲得留聲機雜誌推薦基本曲目優秀唱片，發行時間是 1938 年。

【簡介】Keith Jarrett

2011-10-25T00:58:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia；All Music

1971 年 11 月 10 日美國爵士鋼琴家 Keith Jarrett 在 ECM 旗下錄製專輯 Facing You 完成，獲得 All Music Guide 四星半、爵士企鵝三星半高評價。

Facing You 是現代爵士樂重要專輯之一，怎麼說呢？首先，Jarrett 將美麗的想法，透過獨奏方式實現，成為獨奏錄音的標章；這是 ECM 早期的代表作品之一；Facing You 明顯的脫離主流爵士版圖；是 Jarrett 突破性的創作，為未來之大作 The Köln Concert 開闢道路。

冥想氛圍、豐富旋律、創造性、超脫比較的自省，Jarrett 在合身的音調釋放靈魂，讓音樂帶領樂迷前行。十分鐘的開場曲 In Front 呈現 Jarrett 的技巧：永恆的、典型的、直率的、明亮的、喜悅的。

自發的即興，在託辭與主旨間作為跳板，如狂想曲般的 Ritooria、愛與靈魂曲 Lalene、人生與家庭之歌 My Lady; My Child，反映 Jarrett 的衷心及關切。

Vapallia 凝合主題，聽似輕而易舉，卻不向美學妥協；Starbright 是輕鬆節奏的兩步舞曲，象徵 Jarrett 個性化的姿勢；末曲 Semblence 跨越鋸齒、尖角，及自由邊界，喚起 Paul Bley 對 Jarrett 的影響。

Facing You 越聽一次，就越揭示其卓越成就，不但久歷時間考驗，更是 Jarrett 音樂生涯不容錯過的代表作品。

【簡介】Martin Buttrich

2011-10-19T09:04:00.000-07:00

翻譯自：Discogs；Resident Advisor；中文維基百科

Martin Buttrich 是旅居紐約的德國電音作曲／混音家。就像一般的電音創作者，總是神祕而難以捉模，他是典型的沉默錄音工作者。

2003 年他為美國創作歌手 Tori Amos 的單曲 Don't Make Me Come to Vegas 操刀混音，獲得葛萊美非古典類最佳混音唱片提名。

不過 2006 年起，Buttrich 以本名開始在廠牌 Four:Twenty 及 Poker Flat 發行單曲，以及在底特律電音廠牌 Planet E（老闆是 Carl Craig）旗下發行單曲 Full Clip ，才逐漸將名聲傳開。

‎2007 年 Martin Buttrich 將陳秋霞女士的『偶然』重新編曲混音，且命名為『當徐志摩遇見蕭邦 Remix』，受到英國 Progressive House DJ Dave Seaman 的青睞，將此曲收錄在混音選輯 Therapy Sessions 4。

以下二段文字轉載自中文維基百科：

陳秋霞八歲開始學習鋼琴，十五歲具職業水準，並通過英國皇家音樂學院8級鋼琴演奏優選，1975 年處女作「Dark Side Your Mind」獲得流行歌曲創作比賽作曲與演唱優勝，歌曲合寫人Pato Leung 就是現今的金牌經理人梁柏濤，之後又代表香港赴日本參加世界流行歌曲創作比賽，從此成為著名歌星兼作曲人。

台灣導演宋存壽發掘了陳秋霞女士的表演天賦，1976 年演出根據自己的故事改編拍攝的《秋霞》，是出道的第一部電影，使她獲得第十四屆金馬獎的最佳女主角，創下了影齡最短的影后紀錄。從 1976 年到 1980 年間，陳秋霞女士一共在銀幕上演出了十多部電影，影片類型單一，除了客串演出《古寧頭大戰》外，其餘均屬一般時裝文藝片。　

這是『偶然』的原曲

偶然

作詞：徐志摩　
作曲：陳秋霞

＊我是天空裡的一片雲
　偶爾投影在你的波心
　你不必訝異　無須歡喜
　在轉瞬間　消滅了蹤影

＊你我相逢在黑夜的海上
　你有你的　我有我的方向
　你記得也好
　最好你忘掉
　在這交會時互放的光亮

以下是陳秋霞女士的（當徐志摩遇見蕭邦）鋼琴演唱版，影片說明處有一篇她撰寫的文稿，是關於她對偶然的想法及排練過程，將文字轉載如下：

陳秋霞手稿----偶然

「偶然」這首歌的確有源源不絕的生命力，我看就算再讓我想一輩子，我也不能解釋這首歌為什麼能停留在人們的心中長達三十年之久，我只有把功勞全歸於徐志摩的詩的吸引力吧。

這三十年來，已經有不下六七位不同年代的歌手翻唱過這歌，他們都能唱出自己不同的風格，而我，身為原唱作者，如果要再次重新演繹的話，還能做些什麼呢？大概不會有比做回我那自彈自唱的』拿手好戲』更好的選擇了。

為了要拾回一些 raw 的感覺，我本想跑回香港的老家，用當年創作時用過的鋼琴，(欣慰的，經過二十年寄人籬下的生涯，它輾轉地又重回我的家了)，加上最簡單的器材，希望可以把可能找回來的回憶記錄下來，好讓自己重溫當年創作的情形，蠻有意思的。青澀的十九歲，稚嫩的技巧 (其實根本談不上是技巧呢)，不就是現在許多音樂大師所追求的嗎？反璞歸真可不是一件容易做到的事啊！可是事與願違，我家外牆的裝修工程把整個計劃給破滅了，我只好把實地現場錄音這概念帶到馬來西亞的家吧。

錄音過程很順利地在我第三次連彈帶唱試錄後完成，大概是因為我不曾對這次錄音存過高的要求，這樣，歌曲才能在沒有任何壓力之下，自然地被表達出來，我能做到這一點，也算是一次意外的收穫吧。

徐志摩的詩，配上好友高世章簫邦式的鋼琴新譜，這首新版「偶然」，好像是特地為了要讓這兩位浪漫藝術家在時空相遇而編排的。我雖然用了三個星期來練習彈奏的部份，吃盡苦頭，而不斷地改換音符，手指都快僵硬了，但是再辛苦也是值得的，因為我彷彿曾經感受過他們在這交會時互放的光亮！

<轉載結束>

我常在想，物換星移，時空轉變，要讓孩子追求經典歌曲的動力是什麼？還是要歸功於取樣工作者的努力，當然前提是這些取樣創作人不能醜化原創。不過，如何才是美化？如何才是醜化？我想，我們只能將答案交付給原創的音樂家，至於我們，只要負責欣賞，以及口耳薪傳了。

最後，這是『當 Martin Buttrich 遇見陳秋霞』的混音。

【簡介】Gloria Jones

2011-10-18T03:46:00.000-07:00

翻譯自 Wikipedia；All Music Guide

Gloria Jones 是來自洛杉磯的靈魂樂女歌手，她有一位很有名的男友，就是 T. Rex 的主唱兼吉他手 Marc Bolan。

如果大家對 Soft Cell 的冠軍歌曲 Tainted Love (1981) 有記憶的話，原唱就是 Gloria Jones。除了 Soft Cell，英國實驗樂團 Coil、美聲樂團 The Flying Pickets、搖滾樂團 The Pigeon Detectives、加拿大吉普賽爵士樂團 The Lost Fingers、美國融合爵士鋼琴手 David Benoit、搖滾樂團 Marilyn Manson、流行女子團體 Pussycat Dolls、另類搖滾樂團 Shades Apart、R&B 女歌手 Rihanna、德國重金屬樂團 Atrocity、澳洲搖滾樂團 The Living End、愛爾蘭女歌手 Imelda May.. 都翻唱過 Tainted Love。

Jones 擁有古典鋼琴的基底，她對巴哈的音樂尤有著墨，1968 年參與奧賽羅（莎士比亞）：搖滾融合靈魂版本的音樂劇演出，劇中演員還包括 Jerry Lee Lewis、The Blossoms 和 Dr. John。同年冬天參與音樂劇 Hair 演出，結果遇到 Motown 的藝人 Pamela Sawyer，就這樣，她加入 Motown，且與 Sawyer 成為旗下的第二波詞曲創作家。

直到 1973 年離開 Motown 為止，Jones 創作的詞曲包括：The Supremes 的 Have I Lost You、Marvin Gaye 和 Diana Ross 的 My Mistake、 Junior Walker 的 I Ain't Goin' Nowhere、Four Top 的 Just Seven Numbers，其中最有名的是為 Gladys Knight and the Pips 寫的 If I Were Your Woman，獲得 1971 年葛萊美獎提名。

【簡介】Sarah Vaughan

2011-10-17T04:07:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia；All Music Guide

Sarah Vaughan 是美國爵士女歌手，著名的樂評家 Scott Yanow（對 All Music Guide 樂評有諸多貢獻）恭維 Vaughan 是：廿世紀最棒的歌聲之一。因為喜愛引用聖經說話的關係（Salty Speech），她有個綽號叫作『Sailor（水手）』，暱稱就是『Sassy』。除了葛萊美獎得主頭銜，1989 年 Vaughan 獲得美國國家藝術基金會頒與爵士最高榮譽得主（歷屆得主名單）。

1955年10月27日，爵士女伶 Sarah Vaughan 在 EmArcy 旗下錄製專輯 In the Land of Hi-Fi 完成，獲得 All Music Guide 四星半高評價！

In the Land of Hi-Fi 是 Vaughan 在 EmArcy 發行的最佳專輯之一，內容亦收錄在 1987 年發行的 6CD 精選輯 The Complete Sarah Vaughan on Mercury Vol. 1。

In the Land of Hi-Fi 由 Ernie Wilkins 樂團擔任伴奏，值得一提的是樂團內的中音薩克斯風手是 Cannonball Adderley，當時他才剛搬到紐約，在 Cafe Bohemia 遇到 Oscar Peterson，加入 Ernie Wilkins 樂團，剛要展開音樂生涯，這些都是 Adderley 遇見 Miles Davis 之前的事。

In the Land of Hi-Fi 裡的歌平均約三分鐘，Vaughan 表現優異，歌曲如 Soon、Cherokee、I'll Never Smile Again、An Occasional Man 皆是不錯的推薦。

1960 年 10 月 19 日，Sarah Vaughan 錄製專輯 The Divine One 完成，獲得 All Music Guide 四星高評價！

The Divine One 是 Vaughan 加入廠牌 Roulette 後的首張錄音專輯，編曲 Jimmy Jones 也參與鋼琴伴奏，小號手 Harry "Sweets" Edison 表現出色。

The Divine One 集結經典曲目（Have You Met Miss Jones? (aka "Old Jones)、When Your Lover Has Gone、Wrap Your Troubles in Dreams、Jump for Joy），外加少許新歌。Ain't No Use 是另一首傷心欲絕的情歌，Nina Simone 在多年後也有另一詮釋。

Roulette 將 Vaughan 推向多元風貌，在短期內錄製為數眾多的黑膠專輯，不過以小編制的表現方式而言，The Divine One 就像一顆閃閃發光的寶石，等待樂迷來開採。

【簡介】Carmen McRae

2011-10-15T10:51:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia；All Music Guide

Carmen McRae 是美國爵士歌手、鋼琴家、作曲家和演員。出生在美籍牙買加裔的家庭，八歲習琴，家中充滿 Louis Armstrong 與 Duke Ellington 的唱片。十七歲遇見 Billie Holiday，深深影響了 McRae。

1944 年她得到一份重要工作，在 Benny Carter 大樂團擔任鋼琴手；與 Count Basie 一起工作，當她在布魯克林演奏時，受到 Decca 唱片製作人 Milt Gabler 注意，McRae 在 Decca 發行了十二張黑膠唱片。

‎1954 年 McRae 獲得 Down Beat 雜誌評選為最佳爵士女歌手，雖然早年與 Billie Holiday 結識，二人卻沒有一起合唱，1983 年 McRae 錄製專輯 For Lady Day，翻唱 Holiday 的歌曲（1995 年發行），此外她與其他爵士樂手合作過的專輯有：Boy Meets Girl（1957 w/Sammy Davis, Jr.）、Take Five Live（1961 w/ Dave Brubeck）、The Real Ambassadors（1961 w/ Dave Brubeck）、Heat Wave（1982 w/ Cal Tjader）、Two for the Road（1989 w/ George Shearing）等。

1990 年 4 月 Sarah Vaughan 往生，半年後 Carmen McRae 錄製專輯 Sarah: Dedicated to You，向 Sarah Vaughan 致敬。這是 McRae 的晚年錄音，其實 McRae 比 Vaughan 大四歲，而 McRae 在錄製 Sarah: Dedicated to You 時，已經七十歲了。

Sarah: Dedicated to You 是繼 1988 年 McRae 向 Thelonious Monk 致敬的專輯 Carmen Sings Monk 之後另一張高評價的致敬專輯，Shirley Horn 的三重奏成員為 McRae 在 Sarah: Dedicated to You 擔任伴奏，可惜的是，在 McRae 的邀約下，Shirley Horn 還是不願意在 Sarah: Dedicated to You 一起獻聲。

不過 McRae 還是演唱了許多 Sarah Vaughan 的經典曲目，如 Sarah、Misty、Tenderly、Poor Butterfly 及 I'll Be Seeing You 等，在歌聲迴盪之餘似乎可以感受到 Vaughan 的靈魂與精神。Sarah: Dedicated to You 獲得 All Music Guide 四星半高評價！

McRae 演唱生涯逾五十載，獲得七屆葛萊美獎提名、參加過八屆的蒙特利爵士音樂節，足跡遍及美國、歐洲與日本，她是二十世紀最重要的爵士歌手之一。

【簡介】Ella Fitzgerald

2011-10-14T22:04:00.000-07:00

翻譯自 Wikipedia；All Music Guide

1957 年 10 月 17 日美國爵士女歌手 Ella Fitzgerald 在 Verve 旗下錄製專輯 Sings the Duke Ellington Song Book 完成，獲得 All Music Guide 四星半及爵士企鵝四星滿分評價！

在 Fitzgerald 的『Song Book』系列錄音中，Sings the Duke Ellington Song Book 是唯一一張演唱者與作曲家同時參與錄製的專輯，共分為 Volume 1 與 Volume 2，前者是 Fitzgerald 與 Duke Ellington（及其伴奏樂團）錄製；後者是 Fitzgerald 與小編制樂團錄製，伴奏樂手包括 Ben Webster、Stuff Smith 及 Oscar Peterson。

收錄在 Disc 2 的 Don't Get Around Much Anymore

Fitzgerald 在 Sings the Duke Ellington Song Book 加入許多擬聲唱法，她因本專輯而獲得 1959 年葛萊美最佳爵士樂個人表演獎。

同時 Sings the Duke Ellington Song Book 也開啟了 Fitzgerald 與 Duke Ellington 日後的合作，六零年代他們在法國蔚藍海岸錄製的 Ella and Duke at the Cote D'Azur、在瑞士錄製的 The Stockholm Concert, 1966，以及 1965 年的錄音室專輯 Ella at Duke's Place，都非常精采！

以下影片剪接自 Ella Fitzgerald 於 1965-67 的現場表演，可以欣賞她精彩的擬聲唱法！

1965 年 10 月 20 日 Ella Fitzgerald 在 Verve 錄製專輯 Ella at Duke's Place 完成，獲得爵士企鵝三星，及 All Music Guide 四星半高評價！

這是 Fitzgerald 和 Duke Ellington 繼 Sings the Duke Ellington Songbook 後，睽違八年的第二張合作專輯，也是不小心被市場低估的作品。

前四首開場曲是幽靜抒情的經典作品（聽過薩克斯風手 Johnny Hodges 在 Passion Flower 的吹奏後，誰還能按耐得住呢？），Duke's Place 是專輯的大樑作品，末曲 Cotton Tail 展現了 Fitzgerald 狂風暴雨般的擬聲歌唱。

參與錄製的樂手有：Paul Gonsalves（次中音薩克斯風）、Johnny Hodges（中音薩克斯風）、Cootie Williams（小號－為 Duke's Place 開場的吹奏十分令人喜悅）、Cat Anderson（高音小號）。Fitzgerald 此時正處於音樂事業高峰，Ella at Duke's Place 值得推薦。

【簡介】Prince

2011-10-13T01:08:00.000-07:00

翻譯自：維基百科；All Music Guide

1992 年 10 月 13 日 Prince 在華納唱片發行第十四張專輯 The Love Symbol Album，獲得 All Music Guide 四星半高評價！

Prince 在發行這張專輯時，把專輯命名為不能發音的符號，他解釋這是一個愛的符號，於是文字媒體便將專輯名稱寫成 The Love Symbol Album，而稍後，Prince 亦將自己的名字由 Prince 更為這個愛的符號。

專輯 The Love Symbol Album 也可以簡稱為 Symbol，是 Prince 第二張和伴奏樂團 The New Power Generation 合作的專輯，曲風廣含 funk、R&B、hip hop、jazz、reggae 及 synthpop。

The Love Symbol Album 的首波主打單曲是 My Name Is Prince 和 Sexy MF，雖然在美國單曲榜表現平平，卻都進入英國單曲榜前十名。

第三首單曲 7 則正好相反，進入美國單曲榜前十名，卻在英國榜跌了一跤。The Love Symbol Album 以『搖滾幻想的肥皂劇』為主題發想，搭配一些口白吟唸貫穿曲目，然而在加入最後一首隱藏曲目後，專輯長度超過 CD 容量，不得不刪除幾個口白，結果卻造成口白與曲目銜接的流暢度不夠，這是源自維基百科的想法。

女歌手 Mayte Garcia 也參與專輯錄製，1996 年她與 Prince 步入紅毯。1994 年由 Prince 製作／主演／執導的錄影帶電影 3 Chains o' Gold 就是以 The Love Symbol Album 的主題及歌曲為內容，獲得1994 年最佳暢銷錄影帶第 69 位。（影片出自 3 Chains o' Gold，是 Mayte Garcia 八歲演出的舞蹈記錄）。

【簡介】Johnny Hartman

2011-10-12T22:29:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia；All Music Guide

1963 年 10 月 17 日美國低音爵士歌手 Johnny Hartman 在 Impulse! 旗下錄製專輯 I Just Dropped by to Say Hello 完成，獲得爵士企鵝三星半及 All Music Guide 四星半戴冠最高評價！

耕者有其田．黑膠唱片大部份樂迷比較知道 John Coltrane & Johnny Hartman 這張專輯，內容是天殺的抒情，John Coltrane 的表現把大家的眼鏡都跌破了。就在 John Coltrane & Johnny Hartman 發行後半年，Johnny Hartman 在 Impulse! 錄製完成這張高評價的專輯 I Just Dropped by to Say Hello..

Hartman 透過 I Just Dropped by to Say Hello 登上音樂高峰，歌曲如 In the Wee Small Hours of the Morning、Sleepin' Bee、Stairway to the Stars、I Just Dropped By To Say Hello、Charade 支支動聽。

參與錄製的樂手更是眾星雲集：次中音薩克斯風手 Illinois Jacquet 參與五首歌的錄製，吉他手分別有 Kenny Burrell 和 Jim Hall，Hank Jones（鋼琴）、Milt Hinton（貝斯）、Elvin Jones（鼓）則是 Hartman 的固定班底。再一次的，喜愛 John Coltrane & Johnny Hartman 及抒情男低音的樂迷，絕不能錯過 I Just Dropped by to Say Hello..

【簡介】Barry Douglas

2011-09-27T07:40:00.000-07:00

‎1958 年 Van Cliburn（范克萊本）在美俄冷戰時期赴俄參加柴可夫斯基國際鋼琴大賽，並得到冠軍，他是美國英雄，這是眾所周知的。但是，繼他之後，此鋼琴大賽的榮耀又回歸到俄國選手，直到 1986 年。

北愛爾蘭大鋼琴家 Barry Douglas（道格拉斯），在 1986 年參與柴可夫斯基國際鋼琴大賽，獲得冠軍，他是繼 Van Cliburn 之後，第二位獲得冠軍頭銜的非俄籍選手。除此之外，道格拉斯也是 1985 年范克萊本國際鋼琴大賽的銅牌得主（冠軍是巴西鋼琴家 José Feghali），以及 Paloma O'Shea（帕瑪洛奧謝）國際鋼琴大賽金牌。

讓我們來欣賞 1986 年道格拉斯在柴可夫斯基國際鋼琴大賽奪冠的演奏曲目：穆索斯基-展覽會之畫。

同年（1986 年 11 月 9 日及 10 日，道格拉斯在倫敦的 Henry Wood Hall 錄製穆索斯基-展覽會之畫，隔年透過 RCA 唱片發行數位錄音。）

【推薦】Doodle 新專輯 Sacrifice in Despair

2011-08-31T00:38:00.000-07:00

Doodle 的 Facebook，歡迎大家的加入。

Doodle 的主唱＋吉他手孟桓兄是我在誠品音樂館的同事，大約有兩年時間我們一起搭檔上小夜班，跟大家爆個小故事，他是音樂館買最多 CD 的同事之一，每個月的薪資都換成 CD 了，我們時常開玩笑說是把自己賣給音樂館了，只要每個月有音樂可買可聽，就已滿足。

我相信孟桓也是聽最多音樂的台灣地下搖滾樂手之一，因為他不斷的充實自己，推薦給音樂館許多樂友同好，許多客人時常找他，相信孟桓的推薦，並且與他交流。這麼用功的樂手，沉澱這麼多年，終於發行專輯，一定要大力宣傳，內舉不避親！希望喜愛音樂的朋友多多支持，謝謝。

Doodle 新專輯 ‎Sacrifice in Despair（下圖左）九月二日發行（新專輯網路試聽）；Doodle 在 Indie Vox 有三首歌曲提供試聽，其中 Runaway Train 是受八零年代美國另類搖滾樂團 Soul Asylum 影響而創作，收錄在合輯：蘿蔔三代（下圖右）。

以下是誠品音樂館大家長吳武璋先生的推薦文字：

由三位沉浸於 Indie Rock 的青年玩出了代表台灣 Dream Pop / Drone / Shoegaze / Space Rock 的融合樂風。Doodle的首張創作大碟，經十餘年的吸收內化成長，12 首 3618秒的層層反饋扭曲吉他音牆，murmur 迷濛式唱腔緩洩衝擊內心，墮入無垠的深淵，是轟沈亦或昇華，只是心隨（樂）意走，搖滾因子在無重力空間緩漂著！無疑是暗黑當下聆聽的最佳選擇！

- 誠品音樂吳武璋 8/20/2011

2010 年 10 月 23 日 Doodle 演唱歌曲 Skyline，收錄在新專輯尾曲。

【簡介】George Shearing

2011-08-14T00:43:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia

George Shearing 來自英國勞動階級的大家庭，父親是送炭工，母親是火車清潔工。他是九位兄弟姊妹的老么，一出生就失明，不過並沒有自暴自棄，三歲學習鋼琴，且在倫敦南部的 Linden Lodge School 特殊教育學校正式接受音樂教育課程長達四年。

雖然有獎學金的接濟，不過他開始在倫敦的 pub 表演鋼琴及手風琴，每週有廿五先令的收入。Shearing 甚至加入全盲樂團表演，且深受二位爵士鋼琴家 Teddy Wilson 與 Fats Waller 影響，同時也逐漸在 BBC 電台出現。

‎1940 年 Shearing 加入 Stéphane Grappelli 的六重奏樂團擔任伴奏；此時期還獲得英國音樂週報 Melody Maker 連續七週票選為最受歡迎樂手。1947 年他移民美國，其風格調和搖擺樂、咆勃及現代樂，廣受迴響。1949 年第一支 George Shearing 五重奏成軍，在 Discovery、Savoy 及 MGM 等廠牌旗下發行錄音，值得一提的是，在 MGM 錄製的單曲唱片 September in the Rain 狂賣超過九十萬張。

薩提、戴流士與德布西等古典大作曲家的音樂啟發了 Shearing，五零至六零年代，他與管弦樂團合作演出，1956 年 Shearing 歸化為美國公民，並持續加強五重奏的表演，在 Capitol 旗下發行唱片，直到 1969 年，Shearing 創立自己的音樂廠牌 Sheba。

同時期 Shearing 參加美國廣播公司的真人實境秀 The Comeback Story，討論如何克服全盲的生活及演奏；後來又以樂手身分上另一個音樂節目 The Pat Boone Chevy Showroom，分享音樂創作。

‎1970 年 Shearing 開始淘汰五重奏，1978 年樂團解散，此間較有名的專輯是 1976 年在 Verve 發行的 The Reunion, with George Shearing，事隔卅六年，又與 Stéphane Grappelli 重聚。樂團解散後，Shearing 以三重奏、二重奏、獨奏的形式繼續錄音、表演，合作樂手包括 Jim Hall、Hank Jones 等。1979 年他和 Concord 唱片簽約，與歌手 Mel Tormé 錄製兩張專輯 An Evening at Charlie's（下圖左）、Top Drawer（下圖右）分別在 1983、1984 年各獲得一座葛萊美獎。

‎1993 年 Shearing 獲得英國詞曲創作協會頒發艾佛諾維洛（Ivor Novello Lifetime Achievement Award）終身成就獎，他沒有忘記自己的祖國，晚年時期在紐約與牛津的 Chipping Campden 兩地皆有住所，這讓他有更多時間可以在英國巡迴。1996 年受勳大英帝國勳章，2007 年受封為爵士。Shearing 說：當年那個來自 Battersea 又盲、又窮的小子，如今搖身一變，成為 George Shearing 爵士，可謂童話成真了。

‎2003 年獲得 BBC 爵士獎頒發終身成就獎，2004 年 Shearing 出版自傳書籍 Lullaby of Birdland，及兩張一套的音樂自傳 Lullabies of Birdland，不久後，因為在自家摔倒，逐漸淡出演奏事業，今年二月 Shearing 因為心衰竭在紐約往生，享年九十一歲。感謝他一生為樂迷服務，帶來豐富又美妙的音樂！

私房與推薦 (2011.06-08)

2011-08-06T00:46:00.000-07:00

2011.08.05

Fight for Your Right 收錄在 1986 年 Beastie Boys 首張專輯 Licensed to Ill，這張專輯獲選滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾專輯，歌曲最高曾登上美國告示單曲榜第七名，是 Beastie Boys 最為人知的代表作品之一。

Fight for Your Right 由樂團摯交 "Tommy Triphammer" Cushman 譜寫，他也在 MV 客串演出。原本只是好玩，模仿如 Smokin' in the Boys Room 及 I Wanna Rock 等，寫一些想要派對的玩笑歌曲，諷刺的是 Beastie Boys 為了這首歌，幾乎失去了所有的樂迷。

主要原因是戲謔性的歌詞引發歌迷不滿。主唱 Mike D 說：唯一讓我感到鬱卒的是，我們或許（透過歌詞）對某些粉絲加深價值觀，不過顯然彼此的價值觀有很大出入。一堆人只會一邊唱著 Fight for Your Right，然後一邊混日子。

‎1988 年饒舌樂團 Public Enemy 取樣 Fight for Your Right，使用在單曲 Party for Your Right to Fight，當時兩個樂團都在唱片公司 Def Jam 旗下。

儘管 Fight for Your Right 幾乎是 Beastie Boys 最為人知的代表作，但是團員們皆表示厭惡這首歌，1999 年 MCA 在精選輯 The Sounds of Science 的封底文字，開玩笑的寫下：Fight for Your Right 這首歌爛透了。但唱片公司還是把歌曲收錄了。自 1987 年後，Beastie Boys 就未曾在公開場合唱過 Fight for Your Right。

2011.07.29

【黑膠唱片】（白遼士：幻想交響曲 4:40-7:17）Argenta 的版本錄音之好，實在很難讓人相信這樣鮮活的聲音竟然就活脫脫的從自己的揚聲器竄出。在那個震撼的當下，身體竟然驚訝得僵直不動。據說 Decca 的 SXL 版本，其價格已炒作超過萬元台幣，這是另一個僵直不動的震撼！

2011.07.22

今天打開一張『柴可夫斯基：胡桃鉗』的黑膠唱片，猜猜裡面蹦出什麼驚喜？是兩張匹茲堡芭蕾劇院的票，時間是 1977 年 12 月 27 日晚上八點，座位是 A5 及 A7，每張票價是十美金。很酷吧 ;-)

2011.07.22

James Whale（詹姆斯‧威爾）是英國導演，三零年代是好萊塢恐怖片的黃金時期，詹姆斯‧威爾的電影佔有一席之地，科學怪人（1931）、隱形人（1932）、老黑屋（1931）、科學怪人的新娘（1935）至今都是廣為流傳的經典之作。

同一時期的其他好萊塢恐怖片經典還有吸血鬼（Tod Browning，1930）、木乃伊（Karl Freund，1931）、金剛（Merian C. Cooper & Ernest B. Schoedsack，1933）、狼人（George Waggner，1940）等。

2011.07.21

Norman Jewison 是加拿大導演、演員、製片及加拿大電影中心發起人之一，1967 年導演的電影 In the Heat of the Night（惡夜追緝令）獲得奧斯卡五項大獎（最佳電影、男主角、改編劇本、剪接、音效）。

值得一提的是最佳電影獎擊敗麥可尼可斯導演的 The Graduate（畢業生），及斯坦利‧克雷默導演的 Guess Who's Coming to Dinner（誰來晚餐）。

2011.07.20

負面易，易如反掌；正面難，難如上青天。

花謝易，花開難。握拳易，攤手難。責人易，反省難。
種稻易，收割難。生育易，養育難。悲傷易，歡喜難。
同甘易，共苦難。舉起易，放下難。離棄易，珍惜難。

2011.07.19

Robert Mann 來自美國，他是茱莉亞弦樂四重奏的創始人及第一小提琴手，在樂團服務長達 52 年之久，且協助樂團分別在 1966、1972、1978、1985 年獲得葛萊美獎最佳室內音樂演奏。

茱莉亞弦樂四重奏在今年葛萊美獎榮獲終身成就獎，代表作品分別為巴爾托克、德布西、拉威爾、荀白克、貝多芬晚期弦樂四重奏的錄音。

2011.07.13

Jacques Perrin 是法國男演員及製片，他在電影『新天堂樂園』（1989 年金球獎1990 年奧斯卡最佳外語片）飾演主角 Salvatore 的成年。

‎2004 年 Perrin 在電影『放牛班的春天』（2005 年奧斯卡最佳外語片提名）擔任製片，其他由 Perrin 擔任製片，獲得奧斯卡最佳外語片的電影包括：Z（1969）、黑與白（La Victoire en Chantant，1976）、喜馬拉雅（Himalaya，1996）。

2011.07.08

今天在路上遇到兩隻蝸牛，一隻躲在殼裡，不斷大聲喊著：快救我，我快死了！另一隻蝸牛覆蓋在它身上，一邊為它抵擋烈陽，一邊跟它說：加油！有我在！

我蹲下來仔細一看，躲在殼裡的蝸牛聲如洪鐘；為它遮陽的蝸牛，殼裂了一半，裡面的肉曝曬在烈日下，已呈焦黑。逐漸的，躲在殼裡的蝸牛，依然從趴在身上的蝸牛獲取養分，而抵擋烈日的蝸牛卻已逐漸氣若游絲。

我把遮日的蝸牛抓起來，往地上用力一摔：你死得痛快一點吧！這是我唯一能幫你的。

2011.07.01

晚上看公視『司馬庫斯』，有一段是關於奶奶為新生孫女取名字，她決定為她取名叫『小米』，泰雅族語的發音是『trakis』，小米象徵部落與土地的共生，小米的媽媽也很喜歡這個名字，她說希望女兒長大也像小米一樣，帶給大家豐盛，還有生命的原動力。

2011.06.23

李汶是美國指揮家與鋼琴家，他是現任大都會歌劇院及波士頓交響樂團的指揮，不過今年三月，他以身體健康狀況不佳為由，宣佈卸除波士頓交響樂團指揮職務，生效日期是今年的九月一日。李汶自 1971 年起在大都會歌劇院擔任指揮，至今年五月止，期間共指揮超過二千五百場演出，1997 年他獲得美國國家藝術勳章。

李汶在音樂家庭成長，外公在猶太教堂擔任詩歌班的領唱者，父親是小提琴家，母親是演員。幼年開始接觸鋼琴，十歲即和辛辛那提交響樂團在青年音樂會上演奏孟德爾頌的第二號鋼琴協奏曲。後來師事拉薩路四重奏團（LaSalle Quartet）第一小提琴家 Walter Levin，1956 年又師事大鋼琴家塞爾金（Rudolf Serkin）。

1961 年進入茱莉亞音樂學院，畢業後參與美國指揮家計畫，接觸巴爾的摩交響樂團，1964-65 年，李汶師事塞爾（George Szell），在克里夫蘭交響樂團擔任助理指揮，直到 1970 年。隔年他遞補生病的克爾提斯（István Kertész），擔任芝加哥交響樂團夏季音樂會（拉維尼亞音樂節）的開場表演指揮，演出曲目是馬勒第二號交響曲：復活。

由於這個關係，李汶與芝加哥交響樂團展開長期合作，錄製許多膾炙人口的錄音，例如布拉姆斯的德意志安魂曲，還有蓋希文、霍爾斯特、貝多芬、莫札特、貝爾格等大作曲家的曲目。

1974 年克爾提斯往生，其拉維尼亞音樂節音樂總監的職務也由李汶接任，直到 1993 年。1974-78 年，李汶也接任辛辛那提五月音樂節的音樂總監職務。

1971 年李汶進入大都會歌劇院擔任指揮，演出曲目是托斯卡，由於優異表現，獲得廣大迴響及成功，1973 年獲得大都會歌劇院任命為首席指揮，1976 年更成為音樂總監，在他的領導下，大都會歌劇院管弦樂團及合唱團成為全球最優秀的歌劇樂團之一。

2011.06.22

Bobby Gillespie 來自蘇格蘭，他是 Primal Scream 的主唱及靈魂人物，八零年代中期他也在 The Jesus and Mary Chain 擔任鼓手。

1990 年 Bobby Gillespie 與吉他手 Andrew Innes 共譜歌曲 Loaded，由英國電音 DJ／製作人 Andrew Weatherall 擔任製作，收錄在 1991 年發行的專輯 Screamadelica，這張專輯被公認為九零年代最佳專輯之一，也是 Primal Scream 評價最高的專輯。

Primal Scream 與 Andrew Weatherall 的結識，要從一本叫做 Boy's Own 的足球小型刊物說起（Boy's Own 後來朝向唱片發行，開發 Junior Boy's Own 及副廠牌 Jus' Trax，見證了九零年代的電子音樂，許多 Underworld 及 Chemical Brothers 的專輯，都在這裡被發行），當時 Andrew Weatherall 為刊物 Boy's Own 擔任樂評，Primal Scream 知道 Weatherall 對他們的第二張同名專輯讚譽有加，便邀請他為專輯裡的單曲 I'm losing more than I'll ever have 混音，經過兩三次嘗試後，Andrew Weatherall 在錄音室播放 Peter Fonda（彼得方達）導演（他是女演員珍芳達的胞弟）的嬉皮電影 The Wild Angels 裡的對白（記載如下）：

Just what is it that you want to do?

We wanna be free
We wanna be free to do what we wanna do
And we wanna get loaded
And we wanna have a good time
That's what we're gonna do
Away baby let's go
We're gonna have a good time
We're gonna have a party

Weatherall 取樣了上述對白的四句話：

Just what is it that you want to do?
we wanna get loaded
We're gonna have a party
And we wanna have a good time

再從 I'm Losing More Than I'll Ever Have 取樣旋律，鼓的部分則是從 Edie Brickell 的單曲 What I Am 的義大利地下混音版唱片中取樣，Bobby Gillespie 翻唱藍調巨擘 Robert Johnson 的歌曲 Terraplane Blues 也被 Weatherall 取樣，最後再加上美國名模／女演員 Andie MacDowell 在電影『性，謊言，錄影帶』裡的對白：That's beautiful.. That's really beautiful，於是經典歌曲 Loaded 就大功告成了。

Loaded 是 Primal Scream 首支進入英國單曲榜前四十名的單曲，被英國舞曲雜誌 Muzik 評為史上最具影響力的五十首舞曲之一。

2011.06.21

Ray Davies 是 The Kinks 的主唱及靈魂人物，1964 年他為樂團寫下單曲 You Really Got Me，這是 The Kinks 的第三支單曲，也是他們突破性的單曲，一個月後登上英國單曲榜冠軍，並蟬連二週。

很快的，The Kinks 的名聲便如日中天，成為『英倫入侵』（British Invasion）的代表樂團之一，因為他們隔年攻上美國單曲榜第七名。You Really Got Me 收錄在樂團的首張專輯 Kinks。

You Really Got Me 是早期擁有『強力和弦』（五度音）的金曲，影響日後搖滾樂手甚鉅，由其是對於重金屬的影響。美國音樂學家 Robert Walser 認為 You Really Got Me 是重金屬的始祖，All Music 的樂評 Denise Sullivan 也說：You Really Got Me 繪出重搖滾和重金屬的藍圖。

You Really Got Me 名列滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾歌曲第 82 位，及史上百大吉他金曲第四位，1990 年 Davies 與 The Kinks 受膺進入搖滾名人堂，2005 年獲得 BBC 電台票選為英國 1955-1965 十年間最佳歌曲，同年獲得 Q 雜誌評選為史上百大吉他金曲第九位，Davies 與 The Kinks 受膺進入英國音樂名人堂。

【簡介】Beastie Boys

2011-08-05T22:54:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia

Fight for Your Right 收錄在 1986 年 Beastie Boys 首張專輯 Licensed to Ill，這張專輯獲選滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾專輯，歌曲最高曾登上美國告示單曲榜第七名，是 Beastie Boys 最為人知的代表作品之一。

Fight for Your Right 由樂團摯交 "Tommy Triphammer" Cushman 譜寫，他也在 MV 客串演出。原本只是好玩，模仿如 Smokin' in the Boys Room 及 I Wanna Rock 等，寫一些想要派對的玩笑歌曲，諷刺的是 Beastie Boys 為了這首歌，幾乎失去了所有的樂迷。

主要原因是戲謔性的歌詞引發歌迷不滿。主唱 Mike D 說：唯一讓我感到鬱卒的是，我們或許（透過歌詞）對某些粉絲加深價值觀，不過顯然彼此的價值觀有很大出入。一堆人只會一邊唱著 Fight for Your Right，然後一邊混日子。

‎1988 年饒舌樂團 Public Enemy 取樣 Fight for Your Right，使用在單曲 Party for Your Right to Fight，當時兩個樂團都在唱片公司 Def Jam 旗下。

儘管 Fight for Your Right 幾乎是 Beastie Boys 最為人知的代表作，但是團員們皆表示厭惡這首歌，1999 年 MCA 在精選輯 The Sounds of Science 的封底文字，開玩笑的寫下：Fight for Your Right 這首歌爛透了。但唱片公司還是把歌曲收錄了。自 1987 年後，Beastie Boys 就未曾在公開場合唱過 Fight for Your Right。

【簡介】James Levine

2011-08-04T23:07:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia

李汶（James Levine）是美國指揮家與鋼琴家，他是現任大都會歌劇院及波士頓交響樂團的指揮，不過今年三月，他以身體健康狀況不佳為由，宣佈卸除波士頓交響樂團指揮職務，生效日期是今年的九月一日。李汶自 1971 年起在大都會歌劇院擔任指揮，至今年五月止，期間共指揮超過二千五百場演出，1997 年他獲得美國國家藝術勳章。

李汶在音樂家庭成長，外公在猶太教堂擔任詩歌班的領唱者，父親是小提琴家，母親是演員。幼年開始接觸鋼琴，十歲即和辛辛那提交響樂團在青年音樂會上演奏孟德爾頌的第二號鋼琴協奏曲。後來師事拉薩路四重奏團（LaSalle Quartet）第一小提琴家 Walter Levin，1956 年又師事大鋼琴家塞爾金（Rudolf Serkin）。

1961 年進入茱莉亞音樂學院，畢業後參與美國指揮家計畫，接觸巴爾的摩交響樂團，1964-65 年，李汶師事塞爾（George Szell），在克里夫蘭交響樂團擔任助理指揮，直到 1970 年。隔年他遞補生病的克爾提斯（István Kertész），擔任芝加哥交響樂團夏季音樂會（拉維尼亞音樂節）的開場表演指揮，演出曲目是馬勒第二號交響曲：復活。

由於這個關係，李汶與芝加哥交響樂團展開長期合作，錄製許多膾炙人口的錄音，例如布拉姆斯的德意志安魂曲，還有蓋希文、霍爾斯特、貝多芬、莫札特、貝爾格等大作曲家的曲目。

1974 年克爾提斯往生，其拉維尼亞音樂節音樂總監的職務也由李汶接任，直到 1993 年。1974-78 年，李汶也接任辛辛那提五月音樂節的音樂總監職務。

1971 年李汶進入大都會歌劇院擔任指揮，演出曲目是托斯卡，由於優異表現，獲得廣大迴響及成功，1973 年獲得大都會歌劇院任命為首席指揮，1976 年更成為音樂總監，在他的領導下，大都會歌劇院管弦樂團及合唱團成為全球最優秀的歌劇樂團之一。

【簡介】Primal Scream

2011-08-03T23:20:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia

Bobby Gillespie 來自蘇格蘭，他是 Primal Scream 的主唱及靈魂人物，八零年代中期他也在 The Jesus and Mary Chain 擔任鼓手。

1990 年 Bobby Gillespie 與吉他手 Andrew Innes 共譜歌曲 Loaded，由英國電音 DJ／製作人 Andrew Weatherall 擔任製作，收錄在 1991 年發行的專輯 Screamadelica，這張專輯被公認為九零年代最佳專輯之一，也是 Primal Scream 評價最高的專輯。

Primal Scream 與 Andrew Weatherall 的結識，要從一本叫做 Boy's Own 的足球小型刊物說起（Boy's Own 後來朝向唱片發行，開發 Junior Boy's Own 及副廠牌 Jus' Trax，見證了九零年代的電子音樂，許多 Underworld 及 Chemical Brothers 的專輯，都在這裡被發行），當時 Andrew Weatherall 為刊物 Boy's Own 擔任樂評，Primal Scream 知道 Weatherall 對他們的第二張同名專輯讚譽有加，便邀請他為專輯裡的單曲 I'm losing more than I'll ever have 混音，經過兩三次嘗試後，Andrew Weatherall 在錄音室播放 Peter Fonda（彼得方達）導演（他是女演員珍芳達的胞弟）的嬉皮電影 The Wild Angels 裡的對白。

（記載如下）：

Just what is it that you want to do?

We wanna be free
We wanna be free to do what we wanna do
And we wanna get loaded
And we wanna have a good time
That's what we're gonna do
Away baby let's go
We're gonna have a good time
We're gonna have a party

Weatherall 取樣了上述對白的四句話：

Just what is it that you want to do?
we wanna get loaded
We're gonna have a party
And we wanna have a good time

再從 I'm Losing More Than I'll Ever Have 取樣旋律，鼓的部分則是從 Edie Brickell 的單曲 What I Am 的義大利地下混音版唱片中取樣，Bobby Gillespie 翻唱藍調巨擘 Robert Johnson 的歌曲 Terraplane Blues 也被 Weatherall 取樣，最後再加上美國名模／女演員 Andie MacDowell 在電影『性，謊言，錄影帶』裡的對白：That's beautiful.. That's really beautiful，於是經典歌曲 Loaded 就大功告成了。

Loaded 是 Primal Scream 首支進入英國單曲榜前四十名的單曲，被英國舞曲雜誌 Muzik 評為史上最具影響力的五十首舞曲之一。

【簡介】The Kinks

2011-08-02T23:31:00.000-07:00

翻譯自：Wikipedia

Ray Davies 是 The Kinks 的主唱及靈魂人物，1964 年他為樂團寫下單曲 You Really Got Me，這是 The Kinks 的第三支單曲，也是他們突破性的單曲，一個月後登上英國單曲榜冠軍，並蟬連二週。

很快的，The Kinks 的名聲便如日中天，成為『英倫入侵』（British Invasion）的代表樂團之一，因為他們隔年攻上美國單曲榜第七名。You Really Got Me 收錄在樂團的首張專輯 Kinks。

You Really Got Me 是早期擁有『強力和弦』（五度音）的金曲，影響日後搖滾樂手甚鉅，由其是對於重金屬的影響。美國音樂學家 Robert Walser 認為 You Really Got Me 是重金屬的始祖，All Music 的樂評 Denise Sullivan 也說：You Really Got Me 繪出重搖滾和重金屬的藍圖。

You Really Got Me 名列滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾歌曲第 82 位，及史上百大吉他金曲第四位，1990 年 Davies 與 The Kinks 受膺進入搖滾名人堂，2005 年獲得 BBC 電台票選為英國 1955-1965 十年間最佳歌曲，同年獲得 Q 雜誌評選為史上百大吉他金曲第九位，Davies 與 The Kinks 受膺進入英國音樂名人堂。

【簡介】Eric Dolphy

2011-06-25T23:00:00.000-07:00

Eric Dolphy 是美國爵士中音薩克斯風、長笛及低音單簧管樂手，有時候也會吹奏單簧管與低音薩克斯風，他是六零年代少數優秀的多樂器演奏家，Dolphy 的低音單簧管，對爵士樂有重要的影響力。

Dolphy 的即興特質，是廣泛的運用音程，並使用非正統的音樂技巧，模仿出人類和動物的音效，就像是他自己的樂器在說話。雖然 Dolphy 的音樂常被定義為自由爵士，不過其作品及獨奏，仍具有傳統爵士樂的咆勃和聲，和旋律線，這意味著，他受到現代樂作曲家巴爾托克及史特拉文斯基的音樂影響。

1961 年 Dolphy 加入 John Coltrane 五重奏，同年十一月樂團在前衛村擔任駐場表演（與錄音），受到印度 Raga 音樂及新興的自由爵士運動影響，Coltrane 此時的音樂展現空前實驗性，Sun Ra 的薩克斯風手 John Gilmore 也對 Coltrane 有重要啟發，超過十五分鐘的歌曲 Chasin' the 'Trane 就是 Coltrane 受到 Gilmore 影響後所譜寫。

Coltrane 五重奏受到樂評激烈的批判，認為 Coltrane 的樂風丕變，樂迷也越來越困惑，他們在法國最後一站表演，獲得如雷噓聲，Down Beat 雜誌在文章裡起訴 Coltrane 和 Dolphy，說他們是『反爵士樂手』，這項批判嚴重打擊了 Dolphy 及 Coltrane 兩人。

Dolphy 這種生硬、擬聲技巧的吹奏法，遭到一些爵士樂手（包括 Miles Davis）的詆毀，認為他們僅是有名無實的『自由爵士』樂手。不過歷史證實，他們的音樂，確實是超脫世俗的經典。

最初的前衛村錄音只有三首歌，其中 Dolphy 參與的卻僅有一首，往後三十年，發行過各種版本，1997 年 Impulse! 廠牌終於發行完整版 The Complete 1961 Village Vanguard Recordings，內容包括 Dolphy 錄製的十五首歌，一飽樂迷耳福。

【簡介】Christian Ferras

2011-06-24T23:06:00.000-07:00

Christian Ferras 是法國小提琴家，自幼隨父學習小提琴，八歲進入尼斯學院，1943 年獲得第一名，隔年進入巴黎音樂學院就讀，1946 年又獲得小提琴與室內樂雙項學科的第一名，同時參與 Albert Wolff 指揮的帕杜魯音樂會管弦樂團（Orchestre des Concerts Pasdeloup），展開表演生涯，當時 Ferras 年僅十三歲。

‎1944 年西裔菲籍作曲家 Federico Elizalde 的小提琴協奏曲，在巴黎首演，由小提琴家 Ginette Neveu 擔任；倫敦的首演，則由 Ferras 擔任小提琴，Gaston Poulet 指揮，1947 年 11 月錄製世界首演錄音，14 歲的 Ferras，前途不可限量！

‎1948 年 Ferras 獲得席凡尼根（Scheveningen）國際音樂節冠軍，曼紐因是裁判之一，1948 年 Ferras 首演瑞士現代樂作曲家 Honegger 的小提琴無伴奏，1949 年獲得 Long-Thibaud-Crespin 大賽第二名（第一名從缺）。

‎1950 年 Ferras 繼法國音樂家 George Enescu、長笛家 Jean-Pierre Rampal 之後，錄製巴哈作品。隔年 Ferras 受奧地利指揮家 Karl Böhm 之邀，展開和維也納愛樂的合作，他的音樂生涯開始起飛。

‎1954 年 Ferras 錄製布拉姆斯的小提琴協奏曲（舒李希特指揮），這是他被公認為獲得成功的首次錄音。1959 年對 Ferras 而言是重要的一年，他進軍美國，與指揮家孟許合作，演奏布拉姆斯小提琴協奏曲；與曼紐因合作錄製巴哈的雙小提琴協奏曲；與卡薩爾斯、肯普夫一起在普拉德音樂節（Prades Festival，由卡薩爾斯創立）公演。

‎1964 年起，Ferras 與卡拉揚合作，在 Deutsche Grammophon 錄製布拉姆斯、西貝流士、柴可夫斯基、貝多芬、巴哈等大作曲家的經典小提琴曲目。因為憂鬱症纏身，1975 年 Ferras 退出公眾演出，1982 年在巴黎自殺，得年 49 歲。

【簡介】The O'Jays

2011-06-23T23:14:00.000-07:00

The O'Jays 是來自俄亥俄州的 R&B／靈魂／Disco 樂團，成員有五位，他們是高中同學。1958 年就一起組團，當時叫做 The Triumphs，後來又改名為 Mascots，1961 年發行單曲 Miracles，在克里夫蘭小有知名度。

‎1963 年 Mascots 為了紀念克里夫蘭電台 DJ Eddie O'Jay，又將團名更為 The O'Jays，發行賣座單曲 Lonely Drifter，雖然獲得成功，但是樂團一度面臨解散，直到他們遇見製作人 Gamble & Huff。

六零年代 The O'Jays 持續推陳出新，1972 年單曲 Back Stabbers 創下百萬銷售成績，成為首支代表作，不過 Bill Isles 及 Bobby Massey 離團，五重奏變為三重奏。專輯 Back Stabbers 出現五支排行榜單曲，Love Train 奪得排行榜寶座，成為第二支代表作。

‎1975 年 The O'Jays 發行 disco 單曲 I Love Music，獲得靈魂榜冠軍及單曲榜第五名，更連續蟬聯 disco/dance 榜八週冠軍。開場的 bongo 鼓是由美國電視喜劇演員 Bill Cosby 敲奏，而背後 Get-it-on 的合音歌手包括另一位美國演員 Cleavon Little，他們都是 The O'Jays 的樂迷。

I Love Music 出現在 1993 年電影『角頭風雲』（艾爾帕西諾／西恩潘／潘妮洛普安蜜勒）及 2007 年電影『力爭上游』，如果你對底特律 DJ Derrick May 或者南非女歌手 Rozalla 熟悉的話，應該對 I Love Music 不陌生。

【簡介】Faithless

2011-06-22T23:21:00.000-07:00

Faithless 是英國電子音樂團，由三位響噹噹的人物組成，分別是 Maxi Jazz、Sister Bliss 和 Rollo。不認識 Rollo 的朋友，應該認識他的胞妹 Dido，其實 Rollo 才華洋溢，1992 年就為英國 DJ Felix 製作 rave 經典歌曲 Don't You Want Me。

Rollo 製作過的唱片銷售量超過三千五百萬張，包括為胞妹 Dido 製作的三張專輯 No Angel、Life For Rent 及 Safe Trip Home。Sister Bliss 則是音樂神童，五歲習鋼琴，後來又學會小提琴、薩克斯風和貝斯，1995 年 Sister Bliss 與 Rollo、Jamie Catto、Maxi Jazz 共組 Faithless，她負責大部份的樂器演奏，Rollo 的胞妹 Dido 當時在樂團擔任合音。

1995 年 Faithless 發行首支單曲 Salva Mea，但是真正走紅國際的是同年發行的第二支單曲 Insomnia，由 Maxi Jazz 擔任 Vocal，Rollo 製作，Sister Bliss 負責伴奏，隨著歌曲廣受歡迎，Faithless 展開越來越多的巡迴表演，但是因為 Rollo 寧願待在錄音室的關係，於是舞台上最常看到的是 Maxi Jazz 和 Sister Bliss。

Maxi Jazz 是饒舌樂手及 DJ，1984 年他自組 Hip-Hop／Acid Jazz 樂團 The Soul Food Cafe System，這個樂團曾和 Jamiroquai、Soul II Soul、Jason Rebello 等樂手巡迴。和樂團名字 Faithless 比照之下，其實 Maxi Jazz 的聲音是很有信念，而且很有安定的力量。

除了 Insomnia，Faithless 的代表歌曲還有 God Is a DJ（1998）及 We Come 1（2001），他們一共發行六張專輯，銷售突破一千五百萬張，可惜的是今年四月 Faithless 在倫敦 Brixton Academy 表演後便宣布解散，Faithless 成為絕響，令人扼腕。

【簡介】The Troggs

2011-06-21T23:23:00.000-07:00

The Troggs 來自英國，1964 年成軍，靈魂人物是主唱 Reg Presley，The Troggs 的代表歌曲有 Wild Thing、Love Is All Around 及 With a Girl Like You。

Wild Thing 是詞曲創作人 Chip Taylor（aka James Wesley Voight）於 1965 年所作，他有一位鼎鼎大名的演員胞兄，就是 Jon Voight，Jon Voight 的女兒就是安潔莉娜裘莉.. 岔題了。

Anyway 這首歌原本由紐約搖滾樂團 The Wild Ones 演唱，隔年 The Troggs 翻唱後，登上美國告示排行榜冠軍，更獲得滾石雜誌評選為史上五百大搖滾歌曲之一，Wild Thing 影響日後的 garage rock 及 punk。

Wild Thing 的翻唱版本眾多，其中以 Jimi Hendrix 在 1967 年蒙特里流行音樂節的版本最具戲劇性，其他翻唱過的歌手及樂團包括 The Runaways、Cheap Trick、Hank Williams, Jr.、Prince、Bruce Springsteen 與 Liz_Phair 等。

【簡介】Emanuel Ax

2011-06-20T23:29:00.000-07:00

（左至右：馬友友、Emanuel Ax、Itzhak Perlman）

Emanuel Ax 是猶裔美籍古典鋼琴家，目前在茱麗亞音樂學院任教，他被認為是二十一世紀最優秀的鋼琴家之一。六歲開始習琴，父親是人生第一位鋼琴教師，八歲舉家搬至波蘭，兩年後又移居加拿大，1961 年在紐約就讀茱麗亞音樂學院，1973 年獲得紐約藝術家國際試演競賽首獎。

Ax 對現代樂的支持不遺餘力，許多現代樂作品的首演都邀請 AX，例如 John Adams 的 Century Rolls、Christopher Rouse 的 Seeing 、Bright Sheng 的 Red Silk Dance，此外也演奏許多現代樂作曲家的作品如 Michael Tippett、Hans Werner Henze、Joseph Schwantner 及 Paul Hindemith；對傳統樂曲的著墨如海頓、莫札特、貝多芬、蕭邦，更是不在話下，1995 年 Ax 獲得第三十七屆葛萊美獎最佳器樂獨奏（無管弦樂隊）演出獎，獲獎曲目是海頓第 32、47、53、59 號鋼琴奏鳴曲。

Ax 最為人道的，就是他與馬友友的二重奏，他們發行過黑膠唱片，坊間較易尋找的，則是 Ax 的鋼琴獨奏；他與馬友友、Isaac Stern、Jaime Laredo 組過四重奏，直到 2001 年因為史坦往生而解散；一部名為 Five Days in September; the Rebirth of an Orchestra 的紀錄片，內容講述關於多倫多交響樂，及指揮 Peter Oundjian，裡面就有 Ax 的參與；順帶一提，Ax 的夫人是日籍鋼琴家野崎洋子。

【簡介】Oliver Nelson

2011-06-19T23:42:00.000-07:00

Oliver Nelson 是美國爵士薩克斯風、單簧管樂手、編曲家及作曲家。來自音樂世家，胞兄弟也是薩克斯風手，胞姊妹是鋼琴家。Nelson 六歲彈鋼琴，十一歲拾起薩克斯風，1950-1951 年他加入 Louis Jordan 大樂隊，擔任中音薩克斯風手及編曲。Nelson 有編曲的天份，五零年代後期曾在哈林區的阿波羅劇院擔任編曲工作。

‎1959-1961 年Nelson 在 Prestige 發行六張專輯（合作爵士樂手包括 Kenny Dorham、Johnny Hammond Smith、Eric Dolphy、Roy Haynes、King Curtis 和 Jimmy Forrest），但是 1961 年在 Impulse! 發行的 The Blues and the Abstract Truth，才是音樂生涯的重要突破，開場曲 Stolen Moments 如今已成為經典。

一舉成名天下知，Nelson 以編曲家身分為更多爵士樂手製作專輯，包括 Cannonball Adderley、Sonny Rollins、Eddie Davis、Johnny Hodges、Wes Montgomery、Buddy Rich、Jimmy Smith、Billy Taylor、Stanley Turrentine、Irene Reid、Gene Ammons 等，他對於爵士大樂團的貢獻居功厥偉。

【簡介】Gösta Nystroem

2011-06-18T03:22:00.000-07:00

Gösta Nystroem 來自瑞典，父親是校長及管風琴家，年輕時的 Gösta Nystroem 就成為作曲家及最早的瑞典立體派畫家。到了十三歲，他毅然決定全心投入音樂創作。

Gösta Nystroem 被視為瑞典現代樂作曲家，但是如今來聽，現代元素並不多，或許是早年在巴黎習樂所受的影響吧，他的音樂依然很北歐，很浪漫，甚至憂鬱及哀傷。

1932 年 Nystroem 班到瑞典西海岸，他被認為是瑞典作曲家中，對於海洋與海岸的著墨，最擅長和依賴者之一，例如 Sinfonia del mare、Sea Visions 及 In the Skerry Islands 等。

1944 年創作的交響協奏曲，擁有三十分鐘，交響曲的龐大結構，分成三個樂章，十分熱情激昂澎湃，1952 年又修訂為另一個較短的版本。

【簡介】Scott LaFaro

2011-06-17T03:30:00.000-07:00

（左至右：Scott LaFaro、Bill Evans、Paul Motian）

Scott LaFaro 生長自音樂家庭，父親在搖擺樂大樂團擔任樂手，中學時期接觸低音黑管，高中換成次中音薩克斯風，十八歲再換成 double bass。大二輟學加入 Buddy Morrow 樂團，先後與 Chet Baker、Stan Kenton、Cal Tjader、Benny Goodman 等傳奇樂手演出。

‎1959 年 Bill Evans 甫離開 Miles Davis 六重奏，LaFaro 加入 Evans，與鼓手 Paul Motian 共組爵士三重奏。1961 年 LaFaro 接替 Charlie Haden，成為 Ornette Coleman 樂團的貝斯手。

同年夏天，Bill Evans 三重奏錄製了兩張經典爵士專輯 Sunday at the Village Vanguard 及 Waltz for Debby，八天後 LaFaro 跟隨 Stan Getz 參加新港爵士音樂節演出，沒想到兩天後竟意外車禍往生，得年二十五歲。LaFaro 的往生讓人扼腕，其短暫的六年表演生涯（1955–1961），把貝斯帶往多采多姿的可能性，啟發近代許多重要的爵士貝斯手。

【簡介】Stone Roses

2011-06-16T03:37:00.000-07:00

Stone Roses 的靈魂人物是主唱 Ian Brown 和吉他手 John Squire，他們中學就認識，1980 年共組樂團 The Patrol，可惜沒多久就解散了。除了彈吉他，Squire 也是位畫家，他曾在世界知名的動畫公司 Cosgrove Hall 待過，同時受到六零年代樂團及蘇格蘭後龐克樂團 Orange Juice 的影響，Squire 組了名叫 The Waterfront 的樂團，Waterfront 是 Stone Roses 的前身，1983 年主唱由 Kaiser 換成 Ian Brown，團名也更為 The Stone Roses。

John Squire 與 Ian Brown 也擔任 Stone Roses 的詞曲創作，1989 年發行的同名專輯，獲得排山倒海般的成功，攻佔各大搖滾雜誌的『年度最佳』及票選評價；值得一提的是同名專輯的封面也是由 John Squire 設計，被 Q 雜誌選為史上最佳百大專輯封面。成功來得太快，1989 年 Stone Roses 在 BBC 的 The Late Show 電視節目表演，現場突然斷電，主唱 Brown 對主持人 Tracey MacLeod 重複咆哮她不專業；同年底在 NME 雜誌說：我們是世上最重要的樂團，因為我們有最好的歌，而且我們還沒發揮潛力。

合約糾紛似乎是所有創作者的致命傷，由於和東家 Silvertone 的合約糾紛，Stone Roses 進入四年的冷凍期。1994 年底他們終於換了新東家同時也發行了第二張（也是最後一張）專輯 Second Coming，曲目幾乎由 John Squire 負責，風格傾向晦暗、沉重的藍調搖滾，評價也褒貶各半，樂評家甚至認為 Stone Roses 已成為另一個樂團。1995 年鼓手 Reni 離團，隔年 Squire 離團，半年後 Stone Roses 便解散了。

Squire 離開 Stone Roses 後另組一支搖滾樂團 The Seahorses，也發行兩張個人專輯。2007 年他發表聲明要放棄音樂生涯，全心投入繪畫。2010 年 Squire 被英國 BBC 選為近三十年最佳吉他手第十三名。

【簡介】The Whispers

2011-06-15T03:42:00.000-07:00

‎1964 年 The Whispers 成立於洛杉磯，成員有五位，分別是雙胞胎兄弟 Wallace "Scotty" 和 Walter Scott、Gordy Harmon、 Marcus Hutson、Nicholas Caldwell。1973 年 Leaveil Degree 取代 Harmon，Scotty 的歌喉加上團員絲綢般的和音，是創造金曲的主要因素。

1980 年 The Whispers 的 disco 單曲 And the Beat Goes On 登上美國告示舞曲榜、R&B 榜冠軍、英國單曲榜亞軍，這首歌曲成為經典，1998 年 Will Smith 發行美國告示牌前二十名單曲 Miami 便是取樣於此；2008-2009 年 Madonna 在巡迴演出的曲目 Beat Goes On，也取樣了這首歌的一部分。

雖然七零年代中期 The Whispers 在費城錄製許多唱片，不過他們銷售最好的錄音，則是八零年代在 Solar 唱片公司 (Sound Of Los Angeles Records 的簡寫) 旗下發行的單曲和專輯。

【簡介】Ralph Vaughan Williams

2011-06-14T03:45:00.000-07:00

受到英國詩人 George Meredith（喬治．梅雷迪斯）一首 122 行詩（描述雲雀）的啟發，英國作曲家佛漢威廉士於 1914 年創作同名作品 The Lark Ascending（雲雀飛翔），是小提琴與管弦樂的曲目，也是古典樂耳熟能詳的曲目之一。

那時候第一次世界大戰爆發，佛漢威廉士看著大軍部隊跨越英吉利海峽，一邊譜曲，一位男孩路過以為他在記錄軍事密碼，便通知警方隨後將他逮捕。

雲雀飛翔是獻給英國小提琴家 Marie Hall，首演也是由 Hall 擔任小提琴，加上鋼琴伴奏，大戰結束後，雲雀飛翔經過改編，1921 年由 Adrian Boult（包爾特）指揮，同樣由 Hall 擔任小提琴手演出，獲得成功。

【簡介】New Jack Swing

2011-06-13T04:20:00.000-07:00

New Jack Swing 亦稱做 Swingbeat，是流行於 80 年末至 90 年中的一種音樂類型。主要融合 Hip-Hop、Dance-Pop 的節奏、取樣、製作技巧，與 R&B 的現代都會感。

與 R&B 相同，New Jack Swing 結合老學校及新潮流，透過 Hip-Hop、Dance-Pop 的伴奏形式、鼓機的 Swing 節拍，加上 R&B 的唱腔，New Jack Swing 在 Hip-Hop 與 R&B 的黃金時期，逐漸流行起來。

New Jack Swing 的由來，是劇作家兼製片人 Barry Michael Cooper（電影 New Jack City、Above the Rim 和 Sugar Hill 的編劇）於 1988 年 10 月 18 日在免費的紐約周刊 The Village Voice 的封面故事 Teddy Riley Groove Master: Harlem Gangsters Raise a Genius 一文首次使用，這裡有連結可供參考。

美國權威的辭書出版機構 Merriam-Webster 對 New Jack Swing 的解說是：通常由黑人樂手演奏的流行音樂，結合爵士、饒舌、Funk 與節奏藍調等元素。大英百科全書說 New Jack Swing 是 60 年代 Motown 之音以降最流行取向的節奏藍調音樂。

New Jack Swing 使用初露頭角的 SP-1200 及 Roland 808 鼓機，加上明亮旋律與歌聲，而不取樣舊有拍子，大英百科全書解釋 New Jack Swing 的重要幕後製作人是 Babyface 和 Teddy Riley。

說到 Teddy Riley，他提攜兩個重要的 New Jack Swing 樂團：分別是 80 年代的 Guy，及 90 年代的 Blackstreet。Teddy Riley 說他認為 New Jack Swing 就是街頭頑童的搖擺版本。

根據 2004 年新滾石音樂雜誌專輯指南的資料，1991 年 Michael Jackson 在錄製專輯 Dangerous 時，為求不同的音樂風格，遂將多年合作的製作人 Quincy Jones 換成 Teddy Riley。

音樂網站 VH1 說：80 年代 Hip-Hop 與 R&B 還各走各的，到了兩千年，二者如血緣之親。無論如何，80 年代末期 Hip-Hop 開始落寞，製作人 Teddy Riley 與唱片公司老闆 Andre Harrell 將兩種曲風成功的融合成性感、受人矚目的音樂。

這樣的樂風觸發音樂革命：Riley 說在 New Jack Swing 之前，饒舌樂手與歌手沒有互動，因為歌手太軟，而饒舌樂手只專注在街頭這個面向。Riley 將柔美的旋律與強勢節拍融合，新音樂於是誕生。

‎1987 年來自北加州樂團 Club Nouveau 將 Lean On Me 翻唱成 New Jack Swing 版本，榮登美國告示牌行榜冠軍，同年底這首歌還獲得一座葛萊美獎。

受到都會音樂曲風影響，New Jack Swing 具有甜美柔和兼備靈魂風格的歌聲，傳遞浪漫旋律及歌詞。調和 Hip-Hop 的街頭節奏，有些曲目也呈現昂首闊步的氣勢，或者在歌曲中間加一段饒舌，使其多樣化。

Bobby Brown 當年的封號就是 The King of New Jack Swing。1988 年 Don't Be Cruel 在美國 R&B 單曲榜拿下冠軍。

【簡介】Julia Fordham

2011-06-12T04:28:00.000-07:00

Julia Fordham 是美籍英裔的詞曲創作歌手，80 年代展開音樂生涯，為 Mari Wilson 及 Kim Wilde 擔任合音。

1988 年在廠牌 Circa 旗下發行首張同名專輯，Happy Ever After 獲得英國單曲榜第 27 名，寬廣的音域加上抒情歌詞，為她贏得小眾樂迷。後來與美國流行大廠維京唱片簽約，登上國際樂壇，同名專輯在美國亦創下銷售佳績。

歌曲 Manhattan Skyline 進入抒情榜與 VH-1 榜，為隔年發行的第二張專輯 Porcelain 鋪路，獲得更高評價。這是一張高成熟度的抒情演唱專輯，除了 Manhattan Skyline，開場曲 Lock & Key，a2 的 Porcelain 都是代表歌曲，我想推薦的是 For You Only For You，非常適合夏夜。

【簡介】Frank Mills

2011-06-11T04:32:00.000-07:00

Frank Mills 是來自加拿大的鋼琴家，三歲開始習琴，是一位鋼琴神童。1974 年 Mills 發行專輯，收錄的單曲 Music Box Dancer 未受到青睞，四年後他改和寶麗金唱片簽約，發行另一支新單曲，搭配 B 面的 Music Box Dancer。

這張試聽片被送到各家以播放 easy listening 的電台做為宣傳，可是其中一份物送到 CFRA-AM 電台，這是一家位在渥太華的流行電台。主持人聽完 A 面歌曲後十分不解，認為是唱片公司送錯地方，不過當他聽到 B 面的 Music Box Dancer，卻非常喜歡，便透過節目大力放送，結果在加拿大創下黃金銷售量。

銷售成績大放異彩，寶麗金決定在美國也發行專輯和單曲，納許維爾的 WNGE-TV 電台製作人 Bob Parker 聽到這首歌，將它放在新聞節目的片尾，其他當地的電台 DJ 亦加入推廣行列。1979 年春天 Music Box Dancer 登上美國告示流行榜第三名，easy listening 榜第四名，銷售超過三百萬張。

【簡介】NBC Symphony Orchestra)

2011-06-10T04:34:00.000-07:00

NBC 交響樂團 (NBC Symphony Orchestra) 是美國國家廣播公司 (National Broadcasting Company) 創辦人 David Sarnoff 成立的樂團，目的是讓托斯卡尼尼指揮帶領，每週定期透過廣播放送音樂演奏。從 1937 年成立至 1954 年解散，NBC 交響樂團在十七年內帶給聽眾無與倫比的表演。

1941-1942 年托斯卡尼尼與 NBC 交響樂團之間有合約糾紛，於是由史托考夫斯基出任首席指揮。1954 年春天托斯卡尼尼退休，於是 NBC 交響樂團面臨解散，首席大提琴手 Frank Miller 與首席低音管手 Leonard Sharrow 轉職至芝加哥交響樂團，剩下的樂手很想讓⋯⋯樂團繼續運作，於是他們將樂團重組，命名為 Symphony of The Air。

同年十一月伯恩斯坦指揮 Symphony of The Air，演奏貝多芬第五號命運交響曲，在電視上首演獲得熱烈迴響 (如影片)，於是 Symphony of The Air 展開亞洲巡迴，也打開另一個十年的表演之路。

至 1963 年樂團解散，除了伯恩斯坦，許多知名指揮家都在這段期間帶領過 Symphony of The Air，例如蒙都、萊納、華爾特、畢勤、孔德拉辛、克利普斯，以及在 NBC 交響樂團帶領過他們的史托考夫斯基。

【簡介】Othmar Schoeck

2011-06-09T04:39:00.000-07:00

Othmar Schoeck（1886-1957）是二十世紀上半葉期間，瑞士最重要的現代樂作曲家之一。當代作曲家們傾向不和諧作品時，他已經瞭解調性音樂本質，且注意到和諧的價值。Schoeck 在藝術歌曲的領域貢獻卓著，其代表作幾乎是歌唱曲。

就讀蘇黎士音樂學院期間，Schoeck 曾私下與 Max Reger 在萊比錫一起工作。1908 年他再度回到蘇黎士，便展開作曲及指揮的音樂生涯。Schoeck 在調性作品裡謹慎且有效的運用不和諧音，讓人想起另一位德國現代樂作曲家 Hindemith 於 1930-40 年代的創作。在不和諧的基礎，仍保有傳統形式及旋律性，因此 Schoeck 的作品，較容易被大眾接受。

【簡介】Karl Amadeus Hartmann

2011-06-08T04:44:00.000-07:00

Karl Amadeus Hartmann（1905-1963）是反納粹的德國現代樂作曲家。二次大戰期間他的所有表演皆被祖國禁止，最後跑去躲藏，加入反希特勒地下組織。1938 年 Hartmann 創作 Concerto Funebre for violin & string orchestra（葬禮協奏曲），抗議德國入侵捷克。他使用捷克幾世紀前的抗戰聖歌，也就是所謂的『Hussite hymn』（胡斯讚歌），胡斯讚歌被世代的捷克作曲家如史麥塔納、德弗札克、楊納傑克、馬替奴、胡薩沿用，已成為民族象徵。

1939 年德國入侵波蘭，戰爭全面爆發，同年秋天，葬禮協奏曲在瑞士舉行首演，他將此時期作品的原始版本收回，直到 1959 年，葬禮協奏曲才又發行另一個修訂版本。他說：當時靈魂缺少希望，兩個版本的聖歌樂章對照出希望與自信的表達。

葬禮協奏曲由小提琴獨奏詮釋痛苦、扭曲的胡斯（Hussite，十四世紀宗教改革事件）旋律，慢板樂章宛如葬禮進行曲和狂想曲的形式，第三樂章是諧謔曲加上酸溜溜的諷刺音調，最終樂章引用胡斯讚歌，及 1917 年之前的俄國革命歌曲，最後在極不和諧的情形下結束全曲。

【簡介】The Honeydrippers

2011-06-07T04:48:00.000-07:00

1981 年 Led Zeppelin 前主唱 Robert Plant 組了名為 The Honeydrippers 的樂團，一圓長期想將搖滾結合節奏藍調的夢想。樂團後來參與的成員包括前齊柏林飛船吉他手 Jimmy Page、前 The Yardbirds 吉他手 Jeff Beck（Jimmy Page 也是）與其他知名錄音室音樂人。

1981 年 Honeydrippers 在英國基爾大學舉行過一場演唱會，1984 年 11 月發行 EP 名為 The Honeydrippers: Volume One，A2 翻唱 Phil Phillips 的 Sea of Love，獲得美國告示排行單曲第三名；B2 歌曲 Rockin' at Midnight 也有第 30 名的成績。

同年十二月他們在 Saturday Night Live 演唱 Rockin' at Midnight 和 Santa Claus is Back in Town，Brian Setzer 參與吉他，Paul Shaffer 彈奏鋼琴。Plant 說新專輯即將錄製，但一直沒有，The Honeydrippers: Volume One 成為絕響。

私房與推薦 (2011.04-06)

2011-06-06T18:40:00.000-07:00

2011.06.20

Eric Dolphy 是美國爵士中音薩克斯風、長笛及低音單簧管樂手，有時候也會吹奏單簧管與低音薩克斯風，他是六零年代少數優秀的多樂器演奏家，Dolphy 的低音單簧管，對爵士樂有重要的影響力。

Dolphy 的即興特質，是廣泛的運用音程，並使用非正統的音樂技巧，模仿出人類和動物的音效，就像是他自己的樂器在說話。雖然 Dolphy 的音樂常被定義為自由爵士，不過其作品及獨奏，仍具有傳統爵士樂的咆勃和聲，和旋律線，這意味著，他受到現代樂作曲家巴爾托克及史特拉文斯基的音樂影響。

‎1961 年 Dolphy 加入 John Coltrane 五重奏，同年十一月樂團在前衛村擔任駐場表演（與錄音），受到印度 Raga 音樂及新興的自由爵士運動影響，Coltrane 此時的音樂展現空前實驗性，Sun Ra 的薩克斯風手 John Gilmore 也對 Coltrane 有重要啟發，超過十五分鐘的歌曲 Chasin' the 'Trane 就是 Coltrane 受到 Gilmore 影響後所譜寫。

Coltrane 五重奏受到樂評激烈的批判，認為 Coltrane 的樂風丕變，樂迷也越來越困惑，他們在法國最後一站表演，獲得如雷噓聲，Down Beat 雜誌在文章裡起訴 Coltrane 和 Dolphy，說他們是『反爵士樂手』，這項批判嚴重打擊了 Dolphy 及 Coltrane 兩人。

Dolphy 這種生硬、擬聲技巧的吹奏法，遭到一些爵士樂手（包括 Miles Davis）的詆毀，認為他們僅是有名無實的『自由爵士』樂手。不過歷史證實，他們的音樂，確實是超脫世俗的經典。

最初的前衛村錄音只有三首歌，其中 Dolphy 參與的卻僅有一首，往後三十年，發行過各種版本，1997 年 Impulse! 廠牌終於發行完整版 The Complete 1961 Village Vanguard Recordings，內容包括 Dolphy 錄製的十五首歌，一飽樂迷耳福。

2011.06.17

Christian Ferras 是法國小提琴家，自幼隨父學習小提琴，八歲進入尼斯學院，1943 年獲得第一名，隔年進入巴黎音樂學院就讀，1946 年又獲得小提琴與室內樂雙項學科的第一名，同時參與 Albert Wolff 指揮的帕杜魯音樂會管弦樂團（Orchestre des Concerts Pasdeloup），展開表演生涯，當時 Ferras 年僅十三歲。

‎1944 年西裔菲籍作曲家 Federico Elizalde 的小提琴協奏曲，在巴黎首演，由小提琴家 Ginette Neveu 擔任；倫敦的首演，則由 Ferras 擔任小提琴，Gaston Poulet 指揮，1947 年 11 月錄製世界首演錄音，14 歲的 Ferras，前途不可限量！

‎1948 年 Ferras 獲得席凡尼根（Scheveningen）國際音樂節冠軍，曼紐因是裁判之一，1948 年 Ferras 首演瑞士現代樂作曲家 Honegger 的小提琴無伴奏，1949 年獲得 Long-Thibaud-Crespin 大賽第二名（第一名從缺）。

‎1950 年 Ferras 繼法國音樂家 George Enescu、長笛家 Jean-Pierre Rampal 之後，錄製巴哈作品。隔年 Ferras 受奧地利指揮家 Karl Böhm 之邀，展開和維也納愛樂的合作，他的音樂生涯開始起飛。

‎1954 年 Ferras 錄製布拉姆斯的小提琴協奏曲（舒李希特指揮），這是他被公認為獲得成功的首次錄音。1959 年對 Ferras 而言是重要的一年，他進軍美國，與指揮家孟許合作，演奏布拉姆斯小提琴協奏曲；與曼紐因合作錄製巴哈的雙小提琴協奏曲；與卡薩爾斯、肯普夫一起在普拉德音樂節（Prades Festival，由卡薩爾斯創立）公演。

‎1964 年起，Ferras 與卡拉揚合作，在 Deutsche Grammophon 錄製布拉姆斯、西貝流士、柴可夫斯基、貝多芬、巴哈等大作曲家的經典小提琴曲目。因為憂鬱症纏身，1975 年 Ferras 退出公眾演出，1982 年在巴黎自殺，得年 49 歲。

2011.06.16

The O'Jays 是來自俄亥俄州的 R&B／靈魂／Disco 樂團，成員有五位，他們是高中同學。1958 年就一起組團，當時叫做 The Triumphs，後來又改名為 Mascots，1961 年發行單曲 Miracles，在克里夫蘭小有知名度。

‎1963 年 Mascots 為了紀念克里夫蘭電台 DJ Eddie O'Jay，又將團名更為 The O'Jays，發行賣座單曲 Lonely Drifter，雖然獲得成功，但是樂團一度面臨解散，直到他們遇見製作人 Gamble & Huff。

六零年代 The O'Jays 持續推陳出新，1972 年單曲 Back Stabbers 創下百萬銷售成績，成為首支代表作，不過 Bill Isles 及 Bobby Massey 離團，五重奏變為三重奏。專輯 Back Stabbers 出現五支排行榜單曲，Love Train 奪得排行榜寶座，成為第二支代表作。

‎1975 年 The O'Jays 發行 disco 單曲 I Love Music，獲得靈魂榜冠軍及單曲榜第五名，更連續蟬聯 disco/dance 榜八週冠軍。開場的 bongo 鼓是由美國電視喜劇演員 Bill Cosby 敲奏，而背後 Get-it-on 的合音歌手包括另一位美國演員 Cleavon Little，他們都是 The O'Jays 的樂迷。

I Love Music 出現在 1993 年電影『角頭風雲』（艾爾帕西諾／西恩潘／潘妮洛普安蜜勒）及 2007 年電影『力爭上游』，如果你對底特律 DJ Derrick May 或者南非女歌手 Rozalla 熟悉的話，應該對 I Love Music 不陌生。

2011.06.14

Faithless 是英國電子音樂團，由三位響噹噹的人物組成，分別是 Maxi Jazz、Sister Bliss 和 Rollo。不認識 Rollo 的朋友，應該認識他的胞妹 Dido，其實 Rollo 才華洋溢，1992 年就為英國 DJ Felix 製作 rave 經典歌曲 Don't You Want Me。

Rollo 製作過的唱片銷售量超過三千五百萬張，包括為胞妹 Dido 製作的三張專輯 No Angel、Life For Rent 及 Safe Trip Home。Sister Bliss 則是音樂神童，五歲習鋼琴，後來又學會小提琴、薩克斯風和貝斯，1995 年 Sister Bliss 與 Rollo、Jamie Catto、Maxi Jazz 共組 Faithless，她負責大部份的樂器演奏，Rollo 的胞妹 Dido 當時在樂團擔任合音。

1995 年 Faithless 發行首支單曲 Salva Mea，但是真正走紅國際的是同年發行的第二支單曲 Insomnia，由 Maxi Jazz 擔任 Vocal，Rollo 製作，Sister Bliss 負責伴奏，隨著歌曲廣受歡迎，Faithless 展開越來越多的巡迴表演，但是因為 Rollo 寧願待在錄音室的關係，於是舞台上最常看到的是 Maxi Jazz 和 Sister Bliss。

Maxi Jazz 是饒舌樂手及 DJ，1984 年他自組 Hip-Hop／Acid Jazz 樂團 The Soul Food Cafe System，這個樂團曾和 Jamiroquai、Soul II Soul、Jason Rebello 等樂手巡迴。和樂團名字 Faithless 比照之下，其實 Maxi Jazz 的聲音是很有信念，而且很有安定的力量。

除了 Insomnia，Faithless 的代表歌曲還有 God Is a DJ（1998）及 We Come 1（2001），他們一共發行六張專輯，銷售突破一千五百萬張，可惜的是今年四月 Faithless 在倫敦 Brixton Academy 表演後便宣布解散，Faithless 成為絕響，令人扼腕。

2011.06.12

The Troggs 來自英國，1964 年成軍，靈魂人物是主唱 Reg Presley，The Troggs 的代表歌曲有 Wild Thing、Love Is All Around 及 With a Girl Like You。

Wild Thing 是詞曲創作人 Chip Taylor（aka James Wesley Voight）於 1965 年所作，他有一位鼎鼎大名的演員胞兄，就是 Jon Voight，Jon Voight 的女兒就是安潔莉娜裘莉.. 岔題了。

Anyway 這首歌原本由紐約搖滾樂團 The Wild Ones 演唱，隔年 The Troggs 翻唱後，登上美國告示排行榜冠軍，更獲得滾石雜誌評選為史上五百大搖滾歌曲之一，Wild Thing 影響日後的 garage rock 及 punk。

Wild Thing 的翻唱版本眾多，其中以 Jimi Hendrix 在 1967 年蒙特里流行音樂節的版本最具戲劇性，其他翻唱過的歌手及樂團包括 The Runaways、Cheap Trick、Hank Williams, Jr.、Prince、Bruce Springsteen 與 Liz_Phair 等。

2011.06.11

Kenny Hawkes 是英國 DJ 與 house 電音製作人，80 年代末期崛起，1996 年開始在英國 Deep House 電音廠牌如 Luxury Service、Slip 'n' Slide、Paper Recordings、20:20 Vision 發行單曲及 EP。1999 年參與 Two Lone Swordsmen 在英國實驗電音大廠 Warp 發行的單曲 Hope We Never Surface 混音，是屬難得佳作。

2003 年與南非女歌手 Louise Carver 合作，在電音廠牌 Music For Freaks 發行單曲 Play the Game 登上英國舞曲榜冠軍，同年在英國 house 大廠 NRK 操刀發行 Nite:Life 017，登上音樂事業高峰。

天妒英才，2011 年 6 月 10 日 Hawkes 因病過世。喜歡 dubby house 的樂友請延伸聆聽 1996 年 Hawkes 發行的首張單曲 Ashleys War。

2011.06.11

轉貼自徐崇憲老師：這首歌，令我在錄音當時就感動不已，時值午夜,錄音室裡就是歌手與錄音師兩人，也不必多說話,知道她心情差（剛剛跟就讀師大體育系的男友分手），給她倒了一杯高梁酒，她說腹飢，我請內人找來饅頭，吃喝完,在微醺的氛圍中，錄了三遍，這是第二遍，第三遍哭得太厲害不能用。

其實這一遍後半（３分鐘以後）也快哭了，一直在強忍... 我聽到略有走音，當下決定走音也是情境的一部份，否則世界上就沒有此一版本了，我聽蔡琴後來唱此曲，當然更熟練，但實在無法複製這樣深刻的內心悸動。

順便一提，在技術方面，我為了描繪繁華退盡後的寂謐夜晚，把伴奏音色調得溫柔內斂，與人聲的感情揮灑構成對比... 鋼琴是作曲、編曲，陳志遠先生自己所彈，他和作詞者愼芝女士，已先後作古，在此遙寄虔誠祝福。

2011.06.10

Bone Thugs-n-Harmony 是來自克里夫蘭的 hip-hop 樂團，1991 年正式成軍，軸心成員是 Layzie Bone、Flesh-n-Bone、Bizzy Bone、Krayzie Bone 與 Wish Bone。

‎1994 年 NWA 的饒舌樂手 Eazy-E 加入，發行首張 EP『Creepin on ah Come Up』，單曲 Thuggish Ruggish Bone 走紅，進入美國告示饒舌榜亞軍、單曲榜第 22 名，且成為遊戲機 True Crime: Streets of LA 原聲帶的歌曲之一。

‎1995 年 3 月，Eazy-E 因愛滋病發行專輯 E. 1999 Eternal，單曲 1st of tha Month 大賣五十萬張，成為該團成為首支進入前二十名的金曲，獲得 1996 年葛萊美獎提名。另一支單曲 Tha Crossroads 獲得 1997 年葛萊美最佳饒舌團體組合獎，銷售量超過雙白金，登上美國告示牌單曲榜、 R&B 榜及饒舌榜三項冠軍，成為 Bone Thugs-n-Harmony 的代表歌曲，專輯 E 1999 Eternal 蟬聯兩週專輯榜冠軍，在美國銷售超過四百萬張，海外銷售超過一千萬張。

‎1996 年 E 1999 Eternal 獲得葛萊美提名最佳饒舌專輯，但最後不敵 Naughty by Nature 的 Poverty's Paradise。

2011.06.09

Gilad Atzmon 是以色列裔英籍的爵士薩克斯風手，在 Enja 發行過一些專輯，是很棒的薩克斯風樂手。2003 年在 Enja 發行的專輯 Exile 被 BBC 評選為年度最佳爵士專輯！

Atzmon 的音樂不僅具有中東風味，還有政治主題，他是『巴勒斯坦回歸權力』（Palestinian right of return）及一國論（One-state solution：不要以色列，只要原有的巴勒斯坦）的擁護者，他形容自己是 surely the hardest-gigging man in British jazz。

‎2009 年英國『曼徹斯特守護者週報』說 Atzmon 是英國最棒的薩克斯風樂手之一，原因是他直言不諱的『反猶太復國主義』（anti-Zionism），給了他一個國際形象，反而不是音樂。Atzmon 的文章被廣泛閱讀，特別是在阿拉伯世界。

2011.06.08

Emanuel Ax 是猶裔美籍古典鋼琴家，目前在茱麗亞音樂學院任教，他被認為是二十一世紀最優秀的鋼琴家之一。六歲開始習琴，父親是人生第一位鋼琴教師，八歲舉家搬至波蘭，兩年後又移居加拿大，1961 年在紐約就讀茱麗亞音樂學院，1973 年獲得紐約藝術家國際試演競賽首獎。

Ax 對現代樂的支持不遺餘力，許多現代樂作品的首演都邀請 AX，例如 John Adams 的 Century Rolls、Christopher Rouse 的 Seeing 、Bright Sheng 的 Red Silk Dance，此外也演奏許多現代樂作曲家的作品如 Michael Tippett、Hans Werner Henze、Joseph Schwantner 及 Paul Hindemith；對傳統樂曲的著墨如海頓、莫札特、貝多芬、蕭邦，更是不在話下，1995 年 Ax 獲得第三十七屆葛萊美獎最佳器樂獨奏（無管弦樂隊）演出獎，獲獎曲目是海頓第 32、47、53、59 號鋼琴奏鳴曲。

Ax 最為人道的，就是他與馬友友的二重奏，他們發行過黑膠唱片，坊間較易尋找的，則是 Ax 的鋼琴獨奏；他與馬友友、Isaac Stern、Jaime Laredo 組過四重奏，直到 2001 年因為史坦往生而解散；一部名為 Five Days in September; the Rebirth of an Orchestra 的紀錄片，內容講述關於多倫多交響樂，及指揮 Peter Oundjian，裡面就有 Ax 的參與；順帶一提，Ax 的夫人是日籍鋼琴家野崎洋子。

2011.06.05

Rudolf Buchbinder（布赫賓德）是奧地利古典鋼琴家，1966 年獲得 Van Cliburn（范克萊本）國際鋼琴大賽特別獎（該年得主是 Radu Lupu），得獎後跟隨維也納愛樂世界巡迴，接著在巴塞爾音樂學院教授鋼琴課程。

布赫賓德在 Teldec 錄製貝多芬鋼琴奏鳴曲全集，也錄製過布拉姆斯的鋼琴協奏曲（哈農庫特指揮阿姆斯特丹皇家音樂廳管弦樂團），皆有崇高評價。

2011.06.04

Oliver Nelson 是美國爵士薩克斯風、單簧管樂手、編曲家及作曲家。來自音樂世家，胞兄弟也是薩克斯風手，胞姊妹是鋼琴家。Nelson 六歲彈鋼琴，十一歲拾起薩克斯風，1950-1951 年他加入 Louis Jordan 大樂隊，擔任中音薩克斯風手及編曲。Nelson 有編曲的天份，五零年代後期曾在哈林區的阿波羅劇院擔任編曲工作。

‎1959-1961 年Nelson 在 Prestige 發行六張專輯（合作爵士樂手包括 Kenny Dorham、Johnny Hammond Smith、Eric Dolphy、Roy Haynes、King Curtis 和 Jimmy Forrest），但是 1961 年在 Impulse! 發行的 The Blues and the Abstract Truth，才是音樂生涯的重要突破，開場曲 Stolen Moments 如今已成為經典。

一舉成名天下知，Nelson 以編曲家身分為更多爵士樂手製作專輯，包括 Cannonball Adderley、Sonny Rollins、Eddie Davis、Johnny Hodges、Wes Montgomery、Buddy Rich、Jimmy Smith、Billy Taylor、Stanley Turrentine、Irene Reid、Gene Ammons 等，他對於爵士大樂團的貢獻居功厥偉。

2011.05.28

Dan Hill 是加拿大流行創作歌手，擁有兩支為人熟悉的金曲，分別是 Sometimes When We Touch 及 Can't We Try。兩首歌均由 Dan Hill 所創作，Can't We Try 是他和女歌手 Vonda Shepard 的二重唱情歌，收錄在 1987 年同名專輯 Dan Hill。

Sometimes When We Touch (1977 年) 在美國告示單曲榜最高攀至第三名，而 Can't We Try 也有第六名的佳績，這兩首歌在許多情歌精選中，不難覓得足跡，可見廣受聽眾歡迎的程度。

2011.05.28

‎2011 年 5 月 27 日 Gil Scott-Heron 往生，享年 62 歲，紐約時代雜誌已報導證實這項消息，不過未公布死亡原因，遽聞是歐洲巡迴結束後，身體健康情形惡化。Scott-Heron 的發行人 Jamie Byng 也在 Twitter 證實：

"Just heard the very sad news that my dear friend and one of the most inspiring people I've ever met, the great Gil Scott-Heron, died today."

Gil Scott-Heron 是美國詩人、音樂家及作家，七零年代他和 Brian Jackson 合作，在靈魂、爵士、藍調曲風注入詠詩，題材包含政治及社會，代表性專輯為 Pieces of a Man 和 Winter in America。

這樣的風格影響日後非裔美籍音樂甚鉅，如 hip-hop 和 neo soul，Scott-Heron 的錄音通常和激進黑人種族主義結合，最為人道的歌曲就是 The Revolution Will Not Be Televised，他的詩詞風格影響每個時代的 hip-hop 樂手，許多 hip-hop 樂手取樣 Scott-Heron 的歌，如 Kanye West 與 Common，Scott-Heron 被認為甚至也影響了今日時下的音樂。他的表演一直持續著，2010 年發行專輯 I'm New Here。

2011.05.27

Don Williams 來自美國德州，他的嗓音低沉而溫柔，因此有鄉村界『溫柔巨人』封號。1971 年展開單飛音樂生涯，迄今已四十個年頭，擁有十七支冠軍金曲，去年二月榮登鄉村名人堂。

You're My Best Friend 是由 Wayland Holyfield 所撰，Don Williams 錄音，1975 年六月登上美國告示牌鄉村音樂榜冠軍，這是 Don Williams 第二支在鄉村榜奪冠的單曲，後來成為重要的音樂生涯代表作之一。

這裡有完整歌詞，旨在表達堅貞不移的友情與愛情，令人為之動容。

2011.05.25

Klaus Meine 是 Scorpions 的主唱，1990 年他為樂團寫下單曲 Wind of Change，收錄在專輯 Crazy World。發行後並沒有立刻受到注目，而是一年後在德國榜奪冠，才開始在歐美各地造成旋風。

Wind of Change 後來成為德國史上最佳銷售單曲第十名，也開始出現俄語及西班牙語的版本。最終在全球締造一千四百萬的銷售量，登上史上最佳單曲銷售的前五十名。

2011.05.23

Larrocha 是二十世紀最重要的西班牙鋼琴家之一，錄透社說她是 the greatest Spanish pianist in history；時代雜誌也恭維：one of the world's most outstanding pianists；曼徹斯特守護者週報說 Larrocha 是 the leading Spanish pianist of her time。

Larrocha 得過數座葛萊美獎、1994 年的阿斯圖里亞斯王子獎（這個獎成立於1980年，目的在於推動發展科學、技術、世界和平、藝術及文學），1995 年 Larrocha 成為第一位獲得聯合國教科文組織獎的西班牙音樂家，她彈奏 Albéniz、Granados 的曲目最受聽眾愛戴。

2011.05.15

Only Love Can Break Your Heart 的原作是加拿大詞曲創作歌手 Neil Young（收錄在 1970 年發行的第三張專輯 After the Gold Rush），1990 年英國樂團 Saint Etienne 翻唱此曲，收錄在首張專輯 Foxbase Alpha，Andrew Weatherall 隨後進行混音，加強 dub bassline，在單曲唱片與合輯 Casino Classics 皆可覓得。

Saint Etienne 只花不到兩小時，便錄製完成，這支單曲為他們贏得第一張唱片合約，也成為第一首暢銷勁歌，獲得美國 Hot Dance Club Play 榜冠軍，2003 年 Vibe 雜誌將 Andrew Weatherall 的混音版本評選為有史以來的最佳 25 首混音之一。

2011.04.21

Gösta Nystroem 來自瑞典，父親是校長及管風琴家，年輕時的 Gösta Nystroem 就成為作曲家及最早的瑞典立體派畫家。到了十三歲，他毅然決定全心投入音樂創作。

Gösta Nystroem 被視為瑞典現代樂作曲家，但是如今來聽，現代元素並不多，或許是早年在巴黎習樂所受的影響吧，他的音樂依然很北歐，很浪漫，甚至憂鬱及哀傷。

1932 年 Nystroem 班到瑞典西海岸，他被認為是瑞典作曲家中，對於海洋與海岸的著墨，最擅長和依賴者之一，例如 Sinfonia del mare、Sea Visions 及 In the Skerry Islands 等。

1944 年創作的交響協奏曲，擁有三十分鐘，交響曲的龐大結構，分成三個樂章，十分熱情激昂澎湃，1952 年又修訂為另一個較短的版本。

2011.04.21

‎1885 年 Glazunov 完成交響詩 Stenka Razin，是其罕見的民族主義主題作品，Glazunov 透過 Stenka Razin 表達對 Borodin 及 Tchaikovsky 的追思。

Stenka Razin 是十七世紀哥薩克人推翻沙皇政權的領導人，一生充滿戲劇和傳奇，在一次領導騎兵發動突襲時，Stenka Razin 被捕，後來以立誓效忠沙皇而獲特赦；不過他卻違背誓言，再度領導數十萬大軍企圖推翻政府，再度被捕的結果，Stenka Razin 於 1672 年被處以死刑。

2011 誠品敦南黑膠展

2011-06-05T02:10:00.000-07:00

昨晚，誠品音樂館大家長吳武璋先生，和台中園道店長燦賓兄蒞臨寒舍小敘。久未見面，一聊起來，就如關不掉的水龍頭。我想起 2007 年那一晚，和武璋、儀君、浩子，關在辦公室裡腦力激盪，如何著墨一場『黑膠文藝復興運動』。

我們想了許多有趣的活動名稱，例如『Vinyl Underground』是 Velvet Underground 的諧音，所以一來要向 Velvet Underground（下圖左）學習 Underground 的精神；再者，因為音樂館位於誠品敦南店的地下二樓，也真的是名符其實的 Underground 了。

又例如『唱盤 v.s. 周邊設備市集』的名稱為『Mr. Turntable Man』，其實是 Bob Dylan 於 1965 年譜寫的單曲『Mr. Tambourine Man』（收錄在第五張專輯 Bringing It All Back Home）的變形字。洛杉磯傳奇搖滾樂團 The Byrds 也演唱這首歌，成為他們初試啼聲的成名金曲（收錄在 1965 年發行的專輯 Mr. Tambourine Man，上圖右），同時在美國告示牌與英國單曲榜奪冠，日後更進入滾石雜誌評選史上五百大搖滾單曲的前一百名。

『文藝復興運動』的前置作業突然變成好玩的命名遊戲，音樂講座『Last Night The Vinyl Saved My Life』的 idea 則是出自 1982 年紐約新浪潮樂團 Indeep 的經典 disco 單曲 Last Night A DJ Saved My Life（下圖左）。

樂團不插電表演的英文 Live at Village Vinyl 當然是竄改自 1935 年開幕的爵士聖殿『前鋒村俱樂部』（The Village Vanguard）；而蕭青陽大哥的封面設計展 Knocking on Shout's Door，很自然就聯想起另一首 Bob Dylan 的歌曲 Knockin' on Heaven's Door，這首歌是 Dylan 為 1973 年上映的西部電影《比利小子》（Pat Garrett And Billy The Kid）所譜寫的配樂（上圖右）。

四年過去了。儀君調職企劃部，浩子在信義音樂館，我搬到台南，而我們的老大，武璋先生，依然持續我們的熱情和夢想，時常給我們打打電話，問問近況，彼此加油打氣。

我聊起在音樂館的小故事：一位少年仔在賣場問我聽黑膠有什麼不同？我問他有沒有女友？他說沒有。我問：有中意的對象？少年點頭，但是很難約，約不出來。我說：情人節快到了，送花吃大餐，要不少消費，不如打電話問她有沒有聽過黑膠唱片的聲音，對方可以找些朋友一起到家中聆聽。

吃完飯聊天之餘，找機會倒紅酒，播放黑膠唱片，抒情歌是重點。然後邀對方共舞一曲，是不是很溫暖？武璋和燦賓兄大笑，說：喔，原來黑膠的聲音很溫暖是這個典故。

後來拿起林姆斯基高沙可夫的天方夜譚，Kempe 指揮皇家愛樂，播放。第一樂章開頭，弦樂與銅管齊奏的聲音，在不同的 VTA 調整之下，呈現不同的音場、亮暗、餘韻、光澤、表情⋯。所以黑膠唱片溫暖的聲音，必須透過種種調整方法得以呈現，前敘的小故事，僅是玩笑罷了。

因此唱盤可以藉由調整，與樂友聆聽環境融合。不需要購買更高價的器材，來提昇音質，入門門檻因而降低。不花錢的提昇音質方法有很多，調整唱盤只是其一。常說黑膠唱片最大問題不是在於越來越稀少，而是黑膠樂友的斷層日益嚴重，如果不將入門門檻降低，在黑膠變成古董之前，樂友就絕種了。

誠品音樂館是台灣目前最能吸引年輕族群的黑膠實體店面／通路，雖然也有如此一說，認為黑膠唱片不應被當成流行商品操作。不過，確實有越來越多的年輕族群，是因為 Radiohead、甜梅號（上圖）、椎名林檎等樂團／樂手的黑膠發行，在誠品音樂館首次接觸到黑膠及唱盤。

所以，曾經身為敦南音樂館的一份子，如何向首次接觸黑膠唱片的樂友，傳遞聲音之美，欣賞精緻的錄音，讓年輕樂友產生持續性的感動，而不是一次性消費，這就是黑膠展的核心價值，同時也是我們要一而再著墨的功課了。

加油！誠品音樂！

誠品敦南音樂館黑膠展
時間：6/16-6/26

【簡介】Vyacheslav Ovchinnikov

2011-06-04T04:53:00.000-07:00

Vyacheslav Ovchinnikov（1936~）是俄國古典作曲家及電影配樂家。九歲開始作曲，十五歲甫進入莫斯科音樂學院就讀。師事赫倫尼可夫（Tikhon Khrennikov，1913-2007）與金茲貝格（Lev Ginzburg），比起交響曲和交響詩，Ovchinnikov 最為人知的是電影配樂。為電影撰寫超過四十部配樂，以安德烈夫．塔可夫斯基（Andrei Tarkovsky）導演的《伊凡的少年時代》（Ivan's Childhood）、《安德烈．盧布耶夫》（Andrei Rublev）為最。

塔可夫斯基提及對 Ovchinnikov 的深刻印象：『對我來說，我想不出比 Vyacheslav Ovchinnikov ⋯⋯更好的作曲家。』；Ovchinnikov 亦為邦達爾丘克（Sergei Bondarchuk）執導的《戰爭與和平》（War and Peace）電影版譜寫配樂。

七○年代 Ovchinnikov 曾擔任指揮，巡迴演出獲得成功，1990-1991 年他在堪薩斯大學（University of Kansas）擔任教授職務。

私房與推薦 (2011.01-04)

2011-04-04T18:30:00.000-07:00

2011.01.01

理查史特勞斯『查拉圖斯特拉如是說』：1973 年 Kempe 指揮德勒斯登國家管絃樂團，發出雄厚的低頻，獲得留聲機雜誌評選為世紀百大唱片；Mehta 指揮洛杉磯愛樂的版本，擁有Ｑ彈的定音鼓和錄音，登上 TAS 發燒榜單。兩者在節奏、氣勢、力度，皆有相異但不凡的表現。

2010 年 9 月，在 Kempe 往生 30 年後，Mehta 指揮德勒斯登國家管絃樂團，演奏『查拉圖斯特拉如是說』，值得玩味！

2011.01.24

Don't Know Much 榮獲第 32 屆葛萊美獎最佳二重唱，Neville 家族是名震八方的紐奧良靈魂／funk 樂團The Neville Brothers 及 The Meters 的核心成員。

今天是 Aaron Neville 的生日，相信這首歌必然勾起許多人的回憶。

2011.01.25

Beyoncé 在電影藍調傳奇（Cadillac Records）飾演 Etta James，先來回味一下她在電影裡翻唱 At Last 的版本，或許對這位傳奇藍調女伶就不陌生了。

‎1993 年 Etta James 授勳進入搖滾名人堂，同年錄製爵士專輯 Mystery Lady: Songs of Billie Holiday，由於這張專輯的關係，隔年她獲得葛萊美最佳爵士女歌手獎；2001 年 Etta James 授勳進入籃調名人堂。

先是去年的阿茲海默症，今年又因為白血病住院，住院又引發細菌感染，不知道出院了沒有？

2011.01.25

Mihály Dresch（米海利傑斯）是很有趣的匈牙利薩克斯風樂手，尤其擅長將美國自由爵士元素融合匈牙利民謠，其音樂作品常為現代音樂帶來意想不到的驚喜。

2011.02.10

Killing Me Softly with His Song 是 Charles Fox 與 Norman Gimbel 在 1971 年所做的歌曲，這首歌擁有眾多翻唱版本，其中以 Roberta Flack 最為出色，為她奪得 1974 年葛萊美年度最佳唱片獎。

1996 年 Fugees 亦翻唱此曲，收錄在專輯 The Score，獲得該年度葛萊美最佳 R&B 表演團體獎。

2011.02.24

‎1982 年 Klaus Kinski 在 Werner Herzog（荷索導演）執導的 Fitzcarraldo（陸上行舟）飾演 Fitzcarraldo，因為出席一場音樂盛會，被義大利男高音 Caruso 的歌聲感動，遂開啟不可思議的歌劇院建構之旅；這是一部名留青史的偉大電影巨作。

荷索導演的電影作品，深刻反映對於古典音樂的深厚造詣。1902-1920 年，Caruso (1873–1921) 錄製約 290 張留聲機唱片，以下影片就是其一。留聲機（石墨）唱片（SP）早於黑膠唱片（LP），是愛迪生於 1877 年發明，距今超過 130 年，因此歌聲錄音更顯珍貴！

2011.02.26

Hurt 收錄在 2002 年發行的專輯 The Man Comes Around，是 Johnny Cash 生前發行的最後一張專輯。The Man Comes Around 內容幾乎是翻唱歌曲，Johnny Cash 翻唱 Beatles、Simon & Garfunkel、Sting、Depeche Mode，而 Hurt 則是 Nine Inch Nails 於 1994 年發行的歌曲。

Cash 也在這張專輯獲得許多歌手幫忙合音，包括 Fiona Apple、Nick Cave 和 Don Henley。The Man Comes Around 獲得 2003 年全美鄉村音樂獎的最佳年度專輯，Hurt 的 MV 則在 2003 年獲得 MTV 七項提名，並獲得最佳攝影獎。同年二月專輯中的另一首歌 Give My Love To Rose 又為 Cash 拿下葛萊美最佳鄉村男歌手，這是 Cash 在五零年代末期發行的歌曲。

Nine Inch Nails 主唱 Trent Reznor 說，當他聽到 Johnny Cash 要翻唱 Hurt 時，有些受寵若驚，也懷疑這個（翻唱組合的）點子會不會有些噱頭。不過當他聽完錄音後，深深被 Cash 打動，覺得他的詮釋意境幽遠。同年九月 Cash 就與世長辭了。2004 年 Hurt 的 MV 獲得葛萊美最佳短篇音樂錄影帶獎。

2011.03.16

經歷兩次中風折磨，Nate Dogg 於美國時間三月15日病逝於加州長灘。自2008 年 9 月遭受第二次中風，Warren G 曾對外公布 Nate Dog 已接受物理治療，盼能早日康復，幾經奮鬥卻仍不敵病魔。

Regulate 是 1994 年 Nate Dog 與 Warren G 共同製作的 G-Funk 音樂，也是他們初試啼聲大獲成功的首支單曲。此外 Nate Dog 的歌聲也出現在 Snoop Dogg、2Pac、50 Cent、Eminem 等歌手的唱片。

2011.03.22

美國 disco 歌手 Loleatta Holloway 於昨日（3 月 21 日）往生，得年六十四歲。遽聞是滑倒後陷入昏迷。Loleatta Holloway 的靈魂歌聲充滿濃厚生命力，其音樂將永留樂迷心中。

‎1980 年 Loleatta Holloway 發行專輯 Love Sensation，A1 單曲 Love Sensation 同年九月獲得美國告示牌 Hot Dance Club Play 榜冠軍。這首歌日後被廣泛取樣，例如 Moby 的 Move、Pet Shop Boys 的 We All Feel Better in the Dark、Marky Mark and the Funky Bunch 的 Good Vibrations、Cevin Fisher 的 (You Got Me) Burnin' Up、Black Box/Martha Wash 的 I Don't Know Anybody Else 等。

Hit and Run 是另一支 Loleatta Holloway 的 disco 金曲

2011.03.31

奧地利大作曲家海頓，被封為『交響樂之父』及『弦樂四重奏之父』，他對鋼琴三重奏與奏鳴曲作品亦多有著墨。

海頓是莫札特的摯友，以及貝多芬的老師，『皇帝弦樂四重奏』，是海頓歌頌神聖羅馬帝國的末代皇帝法蘭茲二世皇帝（也是奧地利帝國的法蘭茲一世皇帝）所撰，這段音樂後來使用在德國國歌的旋律。

2011.04.03

Scott LaFaro 生長自音樂家庭，父親在搖擺樂大樂團擔任樂手，中學時期接觸低音黑管，高中換成次中音薩克斯風，十八歲再換成 double bass。大二輟學加入 Buddy Morrow 樂團，先後與 Chet Baker、Stan Kenton、Cal Tjader、Benny Goodman 等傳奇樂手演出。

‎1959 年 Bill Evans 甫離開 Miles Davis 六重奏，LaFaro 加入 Evans，與鼓手 Paul Motian 共組爵士三重奏。1961 年 LaFaro 接替 Charlie Haden，成為 Ornette Coleman 樂團的貝斯手。

同年夏天，Bill Evans 三重奏錄製了兩張經典爵士專輯 Sunday at the Village Vanguard 及 Waltz for Debby，八天後 LaFaro 跟隨 Stan Getz 參加新港爵士音樂節演出，沒想到兩天後竟意外車禍往生，得年二十五歲。LaFaro 的往生讓人扼腕，其短暫的六年表演生涯（1955–1961），把貝斯帶往多采多姿的可能性，啟發近代許多重要的爵士貝斯手。

2011.04.03

這是一段民國五十年代的台灣黑白記錄影片，影片第 15 秒的字幕寫著：中正路跟敦化北路交叉口，中正路也就是現今的八德路。影片的第一段音樂是黃西田老師所唱的『田庄兄哥』，第二段音樂則是洪一峰老師的『寶島曼波』。

2011.04.05

奧地利指揮大師卡拉揚是二十世紀最重要的指揮家之一，有「指揮界的帝王」之稱。自幼便有鋼琴神童美名，1929年，二十一歲的卡拉揚在薩爾斯堡首次公開登台，指揮莫扎特音樂學院樂團，演奏理查史特勞斯的歌劇「莎樂美」（Salome）。

‎1937 年與柏林愛樂結緣，擔任首席指揮長達三十五年之久，也展開輝煌的錄音生涯，其錄音銷售量為古典音樂之最，達到兩億張。卡拉揚對於演奏追求完美，他時常將同一曲目錄製數遍，並參與錄音和拍攝。受到他提攜的後進有日本大指揮家小澤征爾、小提琴家穆特、鋼琴家季辛、齊瑪曼等。

私房與推薦 (2010.11-12)

2011-04-04T17:53:00.000-07:00

2010.11.08

‎1994 年 Diana King 首次出現在 The Notorious B.I.G. 的單曲 Respect，擔任合音，後來和 Sony 簽約發行首張專輯 Tougher Than Love，首支單曲 Shy Guy 一戰成名，獲得美國告示單曲榜第 13 名，英國單曲榜第二名以及歐洲單曲榜冠軍，1995 年 Will Smith 主演的電影絕地戰警（Bad Boys）也收錄 Shy Guy 為電影配樂之一，這麼一說大家應該記起電影的某些片段了。

同年日本具有影響力的電台 J-Wave 也評選 Shy Guy 為 1995 年度最佳單曲，全球銷售量接近五百萬張，足見這首歌當年在各大舞池的旋風。

2010.11.10

Ennio Morricone 是傳奇的西部電影配樂家，尤其是 1964 年起為義大利西部片導演 Sergio Leone 的三部電影『鏢客三部曲』（荒野大鏢客、黃昏雙鏢客、黃昏三鏢客）配樂，加上 1968 年的電影『萬里狂沙萬里仇』（Once Upon a Time in the West），奠定不朽地位，喜愛克林伊斯威特的影友，對這些旋律應不陌生。

『萬里狂沙萬里仇』（Once Upon a Time in the West）電影原聲帶還入選 TAS 發燒榜單，錄音卓著，曲目動人。

2010.11.14.

柯崗來自烏克蘭，父親是攝影師兼業餘小提琴手。柯崗自幼被家人發現對小提琴的興趣，於是舉家搬遷到莫斯科，以利柯崗學習音樂課程。十歲師事俄國小提琴學派中最重要的教育家之一楊波斯基，同年海飛茲來到莫斯科舉行演奏會，柯崗參加了每一場，並且詳記他演奏的每個音符，對柯崗來說，海飛茲就是完美的音樂大師。

十二歲時，法國小提琴大師提博在莫斯科聽完柯崗的演奏，認為他是明日之星。十七歲的柯崗，當他還是莫斯科中央音樂學校學生身分，便在俄國各地展開表演，他在布拉格的世界青年音樂節大賽獲得冠軍，1951 年在布魯塞爾獲得伊莉莎白女王大賽冠軍，演奏的曲目是帕格尼尼的第一號小提琴協奏曲。

2010.11.18

Don Cherry 是非裔美籍爵士短號樂手，最初參與 Art Farmer 的四重奏樂團，1958 年因為和 Ornette Coleman 錄音及演出，因而聲名大噪。Don Cherry 與 Ornette Coleman 的合作時期不算短，雖然中間 Cherry 還加入 Paul Bley 五重奏，也和 Sonny Rollins、Archie Shepp、Albert Ayler、John Coltrane、Sun RA 等風格傾向實驗/前衛的爵士樂手合作。六零年代後期 Cherry 朝個人生涯發展，曲風較為 funk/fusion，跨界與不同樂手合作，包括 Lou Reed、Ian Dury、Rip Rig & Panic 及波蘭現代樂作曲家 Krzysztof Penderecki。

Cherry 的子女 Neneh Cherry、Titiyo、David Cherry、Eagle-Eye Cherry 均是流行樂手。

2010.11.23

Bruce Hornsby 是美國詞曲創作歌手、鋼琴家及手風琴家，他時常向傳統音樂取經，再加以即興演奏。曾獲得三座葛萊美獎（最佳新人，1987／最佳藍草錄音，1989／最佳流行演奏，1993），1986 年單曲 The Way It Is 使 Hornsby 大鳴大放，精彩的鋼琴即興彈奏，加上歌詞寫著 That's just the way it is / Some things will never change / That's just the way it is / But don't you believe them.. 似乎意含美國黑人民權運動、制度種族主義等議題，以及對八零年代初期經濟不景氣的不滿，這首歌日後至少被六位饒舌樂手取樣，包括 Tupac Shakur、E-40 與 Mase。

2010.11.24

Stone Roses 的靈魂人物是主唱 Ian Brown 和吉他手 John Squire，他們中學就認識，1980 年共組樂團 The Patrol，可惜沒多久就解散了。除了彈吉他，Squire 也是位畫家，他曾在世界知名的動畫公司 Cosgrove Hall 待過，同時受到六零年代樂團及蘇格蘭後龐克樂團 Orange Juice 的影響，Squire 組了名叫 The Waterfront 的樂團，Waterfront 是 Stone Roses 的前身，1983 年主唱由 Kaiser 換成 Ian Brown，團名也更為 The Stone Roses。

John Squire 與 Ian Brown 也擔任 Stone Roses 的詞曲創作，1989 年發行的同名專輯，獲得排山倒海般的成功，攻佔各大搖滾雜誌的『年度最佳』及票選評價；值得一提的是同名專輯的封面也是由 John Squire 設計，被 Q 雜誌選為史上最佳百大專輯封面。成功來得太快，1989 年 Stone Roses 在 BBC 的 The Late Show 電視節目表演，現場突然斷電，主唱 Brown 對主持人 Tracey MacLeod 重複咆哮她不專業；同年底在 NME 雜誌說：我們是世上最重要的樂團，因為我們有最好的歌，而且我們還沒發揮潛力。

合約糾紛似乎是所有創作者的致命傷，由於和東家 Silvertone 的合約糾紛，Stone Roses 進入四年的冷凍期。1994 年底他們終於換了新東家同時也發行了第二張（也是最後一張）專輯 Second Coming，曲目幾乎由 John Squire 負責，風格傾向晦暗、沉重的藍調搖滾，評價也褒貶各半，樂評家甚至認為 Stone Roses 已成為另一個樂團。1995 年鼓手 Reni 離團，隔年 Squire 離團，半年後 Stone Roses 便解散了。

Squire 離開 Stone Roses 後另組一支搖滾樂團 The Seahorses，也發行兩張個人專輯。2007 年他發表聲明要放棄音樂生涯，全心投入繪畫。2010 年 Squire 被英國 BBC 選為近三十年最佳吉他手第十三名。

2010.11.25

Percy Sledge 成名前，是四處工作的藍領階層，直到他在阿拉巴馬的一家醫院值班，一位病患把他介紹給唱片製作人 Quin Ivy，後來順利跟亞特蘭大唱片公司簽訂合約。Sledge 靈魂式的唱腔和 Ivy、Marlin Greene 的製作風格搭配完美，搖滾樂評 Dave Marsh 恭維 Sledge 的音樂：emotional classics for romantics of all ages.

‎1965 年底 Sledge 又被建築公司解雇，女友終於受不了與他分手，前去發展模特兒職業。Sledge 化悲傷為力量，從中取得靈感，三個月後寫下 When a Man Loves a Woman，這首曠世歌曲光是單曲就銷售超過五十萬張，1989 年 Sledge 授勳進入第一屆的節奏藍調名人堂，2005 年進入搖滾名人堂，When a Man Loves a Woman 獲得滾石雜誌評鑑史上五百大單曲第 54 位。

2010.12.4

Jim Hall 最先接觸的是古典吉他，25 歲進入 Chico Hamilton 五重奏，逐漸受到矚目，隔年加入 Jimmy Giuffre 三重奏，錄製不少好作品；1960 年加入 Ella Fitzgerald 伴奏樂團，此後陸續認識更多爵士傳奇樂手，他和 Bill Evans（Interplay、Undercurrent、Intermodulation、Loose Blues）、Paul Desmond（Desmond Blue、East of the Sun、The Paul Desmond Quartet with Jim Hall）、Ron Carter（Alone Together、Telephone、Live at Village West）的錄音及表演最為人道。

‎1997 年 Hall 獲得紐約爵士樂評家獎最佳爵士樂作曲家（Jazz Critics Circle Award for Best Jazz Composer/Arranger），其作曲成績獲得肯定。

2010.12.20

Alan Parsons 是英國唱片錄音工程師、詞曲創作者及唱片製作人。1967 年，18 歲的 Parsons 進入 Abbey Road 錄音室，參與披頭四專輯 Abbey Road 錄音，隨後又參與 Let It Be 專輯錄製。

接下來他參與 Paul McCartney 的專輯 Wild Life、Red Rose Speedway，以及 The Hollies 的五張專輯錄製，1973 年參與 Pink Floyd 專輯 The Dark Side of the Moon 錄製，獲得葛萊美獎提名。

他自許是一位錄音導演，對錄音的貢獻，就像是 Stanley Kubrick 對於電影的貢獻。

‎1975 年 Parsons 與蘇格蘭歌手 Eric Woolfson 共組 Alan Parsons Project，發行首張專輯 Tales of Mystery and Imagination，這張專輯早期就進入 TAS 發燒榜單，可見錄音不凡，不過這張唱片的錄音師不是 Alan Parsons，而是 Reference 唱片的錄音師 Keith O. Johnson。

2010.12.30

Patti Smith 是美國創作歌手、詩人、視覺藝術家。1975 年發行首張專輯 Horses，在紐約龐克運動中具有極高影響力，因此被封為龐克教母。她的創作歌曲融合詩與搖滾樂，喜歡 Smith 的樂迷應該聽過她另一首金曲 Because the Night，是她和 Bruce Springsteen 合寫的。

Horses 登上滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾專輯的前五十名，2007 年受勳進入搖滾名人堂，2010 年 11 月，Smith 的自傳 Just Kids 獲得美國國家圖書獎。

【簡介】Des'ree

2010-11-30T23:24:00.000-08:00

翻譯自 Wikipedia、All Music、Discogs

Des'ree 來自英國倫敦，自幼雙親讓她接觸雷鬼、爵士及加勒比海音樂。十四歲那年 Des'ree 隨家人到父親的故鄉巴貝多（位於加勒比海與大西洋邊界上的獨立島嶼國家），展開三年的旅行，接著她便決定朝著音樂生涯發展。

1991 年 Des'ree 初試啼聲，發行單曲 Feel So High，受到國際各大電台矚目，強力播放之下獲得英國單曲榜第十三名，在澳洲也有第二十八名佳績。

Des'ree 的歌聲具有戀愛調和現代都會生活的風格，透過雷鬼、靈魂、爵士及加勒比海曲風，很快在英國流行樂壇引起注目。

1997 年 Janet Jackson 發行單曲 Got 'til It's Gone，歌曲取樣 Drs'ree 的 Feel So High 卻未知會，也沒有在唱片列出 Des'ree 的名字，引發 Des'ree 律師尋求法律追訴（Got 'til It's Gone 主要取樣自 Joni Mitchell 的 Big Yellow Taxi），判決結果 Janet Jackson 賠償一筆未公開的金額，2000 年 Got 'til It's Gone 發行混音單曲，便在唱片將 Des'ree 列為歌曲創作者之一。

1992 年在英國 Sony 發行首張專輯 Mind Adventures，這張專輯共發行三支單曲，分別是 Feel So High、Why Should I Love You? 及同名單曲 Mind Adventures。

1993 年和美國歌手 Terence Trent D'Arby 合唱單曲 Delicate（收錄在 Terence Trent D'Arby 的 1993 年專輯 Terence Trent d'Arby's Symphony or Damn），攻占英國單曲榜前十名，可惜未受美國聽眾青睞。

1994 年單曲 You Gotta Be 是 Des'ree 的生涯代表作之一，高居美國告示牌行榜第五名，成人抒情榜第二名，在告示單曲榜停留時間逾八十週；同年 VH1 評選 You Gotta Be 為最常播放 MV，這支 MV 透過黑白影片方式拍攝，獲得 1995 年 MTV 最佳女歌手音樂錄影帶提名。

You Gotta Be 分別在 1994、1995 及 1999 發行三次，因此也進出英國榜三次。由於歌曲的都會風格濃厚，在各國分別成為珠寶首飾、汽車、銀行等廣告歌曲，同年也成為電影 The Next Karate Kid（新小子難纏）的片尾曲。

一項為兒童熱線籌募的活動 The Big Sing，邀請從愛爾蘭到英國，數百間學校的兒童，在同一時間歌唱，You Gotta Be 獲得 2008 年該活動的歌唱曲，一起來欣賞當時拍攝的影片：

You Gotta Be（歌詞：Des'ree）

Listen as your day unfolds
聽著，你的時代來臨了

Challenge what the future holds
迎接未來挑戰（中譯與下一句是倒句）

Try and keep your head up to the sky
試著抬頭挺胸（中譯與上一句是倒句）

Lovers, they may cause you tears
情人，會讓你流淚

Go ahead release your fears
來吧，釋放恐懼

Stand up and be counted
勇敢面對

Don't be ashamed to cry
不需因為哭泣而感到羞愧

You gotta be
你必須

You gotta be bad, you gotta be bold, you gotta be wiser
你必須更厲害，你必須更勇敢，你必須更聰明

You gotta be hard, you gotta be tough, you gotta be stronger
你必須更努力，你必須更強悍，你必須更強壯

You gotta be cool, you gotta be calm, you gotta stay together
你必須更棒，你必須更沈著，你必須更全神貫注

All I know, all I know, love will save the day
我知道，我知道，愛會挽救一切

Herald what your mother said
記住母親的諄諄教誨

Reading the books your father read
閱讀父親讀過的書籍

Try to solve the puzzles in your own sweet time
在甜蜜時光裡試著解開疑惑

Some may have more cash than you
有些人或許比你有錢

Others take a different view
有些人有不一樣的想法

My oh my, heh, hey
我的摯愛呀

You gotta be bad, you gotta be bold, you gotta be wiser
你必須更厲害，你必須更勇敢，你必須更聰明

You gotta be hard, you gotta be tough, you gotta be stronger
你必須更努力，你必須更強悍，你必須更強壯

You gotta be cool, you gotta be calm, you gotta stay together
你必須更棒，你必須更沈著，你必須更全神貫注

All I know, all I know, love will save the day
我知道，我知道，愛會挽救一切

Don't ask no questions, it goes on without you
以不變應萬變

Leaving you behind if you can't stand the pace
跟上步調，就不會被淘汰

The world keeps on spinning
世界不停運轉著

You can't stop it, if you try to
誰也無法阻止

This time it's danger staring you in the face
危險正伺機發生

Remember
切記

Listen as your day unfolds
你的時代來臨了

Challenge what the future holds
迎接未來挑戰（中譯與下一句是倒句）

Try and keep your head up to the sky
試著抬頭挺胸（中譯與上一句是倒句）

Lovers, they may cause you tears
情人，會讓你流淚

Go ahead release your fears
來吧，釋放恐懼

My oh my heh, hey, hey
我的摯愛呀

You gotta be bad, you gotta be bold, you gotta be wiser
你必須更厲害，你必須更勇敢，你必須更聰明

You gotta be hard, you gotta be tough, you gotta be stronger
你必須更努力，你必須更強悍，你必須更強壯

You gotta be cool, you gotta be calm, you gotta stay together
你必須更棒，你必須更沈著，你必須更全神貫注

All I know, all I know, love will save the day
我知道，我知道，愛會挽救一切

You gotta be bad, you gotta be bold, you gotta be wiser
你必須更厲害，你必須更勇敢，你必須更聰明

You gotta be hard, you gotta be tough, you gotta be stronger
你必須更努力，你必須更強悍，你必須更強壯

You gotta be cool, you gotta be calm, you gotta stay together
你必須更棒，你必須更沈著，你必須更全神貫注

All I know, all I know, love will save the day
我知道，我知道，愛會挽救一切

這項活動持續進行，若加入的兒童夠多，將報名金氏世界記錄。Maryhill 學校同時間（2008 年 11 月 27 日下午二點四十五分）在學校裡加入這場有意義的活動，根據影帶敘述，2005 年共有 29 萬 3978 位兒童一同歌唱，活動將朝向一百萬位兒童邁進，以下是該校學生合唱的影片：

這是另一間聖馬丁國小的合唱影片。You Gotta Be 的成功，讓 Des'ree 展開巡迴演出，包括在梵諦岡的演出，十分特殊且深具意義。

2005 年無伴奏人聲樂團 DeCadence 翻唱 You Gotta Be，收錄在專輯 Songs From the Closet；日籍英裔流行歌手 MiChi 翻唱 You Gotta Be，收錄在專輯 MiChi Madness；東京 EMO 樂團 Nature Living 翻唱 You Gotta Be，收錄在專輯 After All。

You Gotta Be 的高知名度，使第二張專輯 I Ain't Movin' 創下一百六十萬張銷售成績，1995 年得以參與 Seal 的美國巡迴。

A2 單曲 Crazy Maze 亦收錄在 1997 年電影 Nothing to Lose（王牌任務）原聲帶。

1996 年發行單曲 Kissing You，收錄在巴茲·雷曼執導的《羅密歐與茱麗葉》（李奧納多主演）電影原聲帶。

1997 年 Kissing You 在澳洲發行單曲，登上單曲榜第十七名；2008 年 Taylor Dayne 翻唱這首歌，收錄在專輯 Satisfied；碧昂絲在 2007 年翻唱 Still in Love (Kissing You)，收錄在專輯 B'Day 的豪華版，結果因為版權侵犯問題，被 Des'ree 控訴十五萬美金的索賠，所以後來再版的專輯，便將這首歌移除。

1998 年六月 Des'ree 發行單曲 Life，在澳洲、義大利、荷蘭、西班牙等地登上單曲榜冠軍，成為 Des'ree 最暢銷的歌曲。

成功的背後總會受到批評，Life 的歌詞結合迷信、恐怖症及環遊世界三個主題，搭配愉悅樂觀的旋律，不過旋律太過簡單，歌詞也過於平庸，引來樂評嘲笑，2007 年英國 BBC 甚至票選 Life 為史上最糟流行樂歌詞之一，由其是以下這段：

I don't want to see a ghost
It's the sight that I fear most
I'd rather have a piece of toast
Watch the evening news

Life 收錄在專輯 Supernatural，前文敘述的 I'm Kissing You 也收錄在這裡，Des'ree 還翻唱 Bruce Springsteen 的歌曲 Fire，這首歌隨後由 Des'ree 和 Babyface 合唱，收錄在電影 Hav Plenty（神魂顛倒四人情）。

她的聲音有一股安定的力量，讓人得以平靜。

2003 年 Des'ree 發行專輯 Dream Soldier，開場曲 It's Okay 亦發行單曲，可惜專輯和單曲未獲市場青睞，之後她就在唱片發行的陣列中消失了。

除了為兒童發聲，Des'ree 也是人道對待動物協會（People for the Ethical Treatment of Animals，簡稱 PETA）的積極擁護者。

私房與推薦 (2010.09-10)

2010-10-31T23:18:00.000-07:00

2010.10.30.

‎1954 年獲得 Down Beat 雜誌評選為 'New Star of the Year'，沒想到一年多後卻因車禍意外往生，年僅 25 歲的 Brown 才正躍上枝頭，即將成為小號巨擘... 至今大家都不免要補上一句：如果他活了下來，爵士樂壇不知道會起多少變化...

2010.10.20.

‎1964 年 The Whispers 成立於洛杉磯，成員有五位，分別是雙胞胎兄弟 Wallace "Scotty" 和 Walter Scott、Gordy Harmon、 Marcus Hutson、Nicholas Caldwell。1973 年 Leaveil Degree 取代 Harmon，Scotty 的歌喉加上團員絲綢般的和音，是創造金曲的主要因素。

1980 年 The Whispers 的 disco 單曲 And the Beat Goes On 登上美國告示舞曲榜、R&B 榜冠軍、英國單曲榜亞軍，這首歌曲成為經典，1998 年 Will Smith 發行美國告示牌前二十名單曲 Miami 便是取樣於此；2008-2009 年 Madonna 在巡迴演出的曲目 Beat Goes On，也取樣了這首歌的一部分。

雖然七零年代中期 The Whispers 在費城錄製許多唱片，不過他們銷售最好的錄音，則是八零年代在 Solar 唱片公司 (Sound Of Los Angeles Records 的簡寫) 旗下發行的單曲和專輯。

2010.10.16.

剛結束與 The Heartbreakers 長達十二年的合作關係，1989 年 Tom Petty 發行個人首張專輯 Full Moon Fever，登上銷售高峰（超過五百萬張／美國告示牌專輯榜第三名），共發行五張單曲，其中 Free Fallin'(A1)、I Won't Back Down(A2)、Runnin' Down a Dream(A5) 三首歌在單曲榜皆創佳績。

Rolling Stone 雜誌形容 Full Moon Fever 是一張 masterful solo album，Free Fallin' 登上滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾單曲第 177 位。

2010.10.16.

Nico 是德國歌手、時尚模特兒、女演員、普普藝術家安迪沃荷 (Andy Warhol) 旗下的 Superstar 之一。如果大家手上有 Bill Evans 在 1962 年發行的爵士專輯 Moon Beams，封面那位女生就是 Nico；費里尼的電影 La Dolce Vita 也可以發現 Nico 的芳跡。

安迪沃荷 (Andy Warhol) 接管搖滾樂團 Velvet Underground 之後，將 Nico 安插在樂團中，成為女主唱。不過根據 John Cale 的說法，Nico 演出前在化妝室耗費冗長的準備時間，以及求好運的儀式（通常也需要耗上一根蠟燭那麼久），惹惱了 Lou Reed 及其他團員，後來也導致 Nico 與 Velvet Underground 的不歡而散。

2010.10.13.

學生時代受到 Duke Ellington 樂團貝斯手 Jimmy Blanton 的啟發，Ray Brown 從鋼琴、長號一直玩到 double bass。二十歲來到紐約發展，遇見之前共事過的 Hank Jones，Jones 告訴他 Dizzy Gillespie 的樂團正在徵貝斯手，於是在 Jones 幫忙推薦下，Ray Brown 進入 Gillespie 的樂團，隨即也認識了 Art Tatum、Charlie Parker 等大師，展開爵士生涯。

2010.10.12.

受到英國詩人 George Meredith（喬治．梅雷迪斯）一首 122 行詩（描述雲雀）的啟發，英國作曲家佛漢威廉士於 1914 年創作同名作品 The Lark Ascending（雲雀飛翔），是小提琴與管弦樂的曲目，也是古典樂耳熟能詳的曲目之一。

那時候第一次世界大戰爆發，佛漢威廉士看著大軍部隊跨越英吉利海峽，一邊譜曲，一位男孩路過以為他在記錄軍事密碼，便通知警方隨後將他逮捕。

雲雀飛翔是獻給英國小提琴家 Marie Hall，首演也是由 Hall 擔任小提琴，加上鋼琴伴奏，大戰結束後，雲雀飛翔經過改編，1921 年由 Adrian Boult（包爾特）指揮，同樣由 Hall 擔任小提琴手演出，獲得成功。

2010.10.10.

繼 Duke Ellington 之後，Monk 被視為重要的爵士作曲及鋼琴家，他創作許多經典爵士曲目，如：Epistrophy、Round Midnight、Blue Monk、Straight, No Chaser、Well, You Needn't 等。雖然被奉為咆勃樂創始人，但由於未接受正規音樂教育，他的風格隨即朝向即興與不和諧發展，從這段影片中，Monk 敲擊琴鍵及獨特的彈奏方式，便得到印證。

喜愛 Monk 的樂迷不能錯過 50 年代的專輯 Genius of Modern Music、Brilliant Corners，以及 60 年代的 Monk's Dream。1980 年 Monk 授勳進入爵士名人堂，他是登過時代雜誌封面的五位爵士樂家之一。

2010.10.09.

PJ Harvey 是九零年代重要的英國搖滾女歌手，Rid of Me 和 To Bring You My Love 進入滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾專輯，1992 年專輯 Rid of Me 大鳴大放，Harvey 獲得滾石雜誌年度最佳新人及最佳詞曲唱作獎，1995 年因為 To Bring You My Love，她再度獲得年度最佳藝人；2002 年 Q magazine 讀者票選 Harvey 是最佳女性搖滾樂手第一名。

Harvey 曾說自己喜愛表演更勝於創作和錄音，因為表演使音樂更有感覺。從這段影片感受到的表演魅力，便可得到證明。

2010.10.08.

Robert "Kool" Bell 是 Kool & The Gang 的靈魂人物，他是歌手、貝斯手及詞曲創作人。喜愛 soul、funk、disco 的樂友對他們應該不陌生，Ladies' Night、Get Down on It、Hollywood Swinging 等歌曲曾在多少歡樂的星空下，綻放在揮汗如雨的舞池；Jungle Boogie 也出現在昆丁塔倫提諾的電影黑色追緝令。

而俗話說得好：歡樂的時光總是過得特別快。大家一定不敢相信 Kool & Gang 的成立已是 46 年前的事，Robert Bell 也成為六十歲的老屁股了，歲月不饒人啊。

2010.10.08.

秋天到了，來聽拉二的第二樂章：這個錄音版本於 1929 年在 RCA 唱片公司發行，只有 mono 版本，獲得留聲機雜誌 Holly 主編評選為世紀七十大唱片，其抒情又感染些許哀傷的氣氛，很符合今天台南的天氣。

2010.10.07.

Thom Yorke 是 alternative 搖滾樂團 Radiohead 的主唱，同時幾乎包辦了主要的詞曲創作。他經常彈奏吉他與鋼琴，不過在 Kid A 及 Amnesiac 兩張專輯錄製中，他也彈貝斯、打鼓。

2002 年 Q Magazine 提名 Yorke 是最有影響力的英國樂手，2005 年 Radiohead 登上滾石雜誌評選史上百大樂手或樂團，同年 Blender 雜誌和 MTV2 音樂頻道票選 Yorke 為史上最佳歌手第十八名，2008 年獲得滾石雜誌評選史上最佳歌手第 66 位。

本段影片的歌曲收錄在 2007 年專輯 In Rainbows，因為使用 3D 技術，獲得高點閱率；不過要提起 Radiohead 的經典專輯，還是屬於 The Bends 及 Ok Computer；首張專輯 Pablo Honey 的 Creep 是 Radiohead 初次受到國際矚目的經典單曲，其實他們每張專輯皆擁有崇高評價，樂迷們不容錯過。

2010.10.06.

Kevin Cronin 是搖滾樂團 REO Speedwagon 的主唱，他為 REO 寫了兩首獲得美國告示單曲榜冠軍的歌曲，分別是 Keep On Loving You (1981) 及 Can't Fight This Feeling (1985)。

除了擔任主唱、吉他，Cronin 偶爾也會在表演時彈奏鋼琴。喜愛這段影片音樂的樂友可以延伸聆聽 Keep On Loving You，這首歌收錄在 1980 年發行的專輯 Hi Infidelity，這是 REO 銷售最佳的專輯，賣出超過一千萬張。

今年是 Hi Infidelity 專輯發行第三十週年，REO 與美國流行樂女歌手 Pat Benatar 在夏日巡迴演出時，宣布即將重新發行 Hi Infidelity 三十週年的豪華版。

而本影片的歌曲 Can't Fight This Feeling 則收錄在 1984 年發行的專輯 Wheels Are Turnin'，這張專輯共出現四首進入排行榜前四十名的歌曲，分別是 Can't Fight This Feeling、One Lonely Night、I Do' Wanna Know 與 Live Every Moment。

2010.10.05.

話說 1979 年 7 月 AC/DC 發行曠世專輯 Highway to Hell，半年後主唱 Bon Scott　卻因為酗酒過世。當時樂團曾考慮解散，不過 Scott 的雙親卻鼓勵樂團繼續前進，他們邀請 Brian Johnson 擔任主唱，1980 年 7 月發行專輯 Back in Black，這也是 AC/DC 銷量最多的專輯，You Shook Me All Night Long 即是 B2 曲目。

Back in Black 是全球專輯最佳銷售榜的第二名（四千九百萬張），僅次於 Michael Jackson 的 Thriller（一億一千萬張），勝過 Pink Floyd 的 Dark Side Of The Moon （四千五百萬張）。雖然 AC/DC 被認為是 hard rock 與 heavy metal 的前驅，不過他們卻一直以 rock & roll 自居。2003 年 Brian Johnson 授勳進入搖滾名人堂，Back In Black 及 Highway to Hell 皆進入滾石雜誌評鑑史上五百大搖滾專輯的前兩百名。

2010.10.04.

Arcade Fire 是來自加拿大蒙特利爾的 indie rock 樂團，靈魂人物 Win Butler 和 Régine Chassagne 是夫妻。Arcade Fire 以演奏多重樂器聞名，除了貝斯、吉他、鼓，還有鋼琴、小／中／大提琴、木琴、鐘琴、鍵盤、法國號、手風琴、豎琴、曼陀鈴、手搖弦琴.. 團員們在表演時會互換樂器，真的是多才多藝。

Arcade Fire 獲得許多音樂獎，包括 2008 年愛爾蘭流星音樂獎【最佳國際專輯】、第二張專輯 Neon Bible 獲得 2008 年加拿大朱諾獎【年度另類專輯獎】、葛萊美獎提名；首張專輯 Funeral 獲得葛萊美獎提名，今年八月發行第三張專輯 The Suburbs，已攻佔愛爾蘭、英國、加拿大及美國告示牌行專輯榜的冠軍。

2010.10.03.

受到 Jimi Hendrix 和 Buddy Guy 的影響，Vaughan 展開音樂生涯，成為國際矚目的藍調吉他樂手。他以彈奏 Fender Stratocaster 吉他聞名，Fender 的 Signature Stratocaster 系列便製造一把吉他向 Vaughan 致敬。

‎2000 年 Vaughan 授勳進入藍調名人堂；生前得過數座藍調音樂獎；2003 年獲得滾石雜誌評選史上百大吉他手第七位；2007 年 Classic Rock 雜誌評選 Vaughan 為百大 Wildest Guitar Heores 第三位；本影片是 Vaughan 變奏 Jimi Hendrix 的歌曲 Little Wing 及 Third Stone From The Sun。

2010.09.29.

依據 Wikipedia 的說法，Suede 似乎有可能 reunion：今年八月 Suede 在丹麥 Skanderborg 音樂節、挪威的 Parkenfestivalen 演出；預計十一月底他們還會陸續在歐洲（西班牙、法國、瑞典、比利時、荷蘭、德國、英國..）巡迴。

雖然至目前為止 Suede 拒絕媒體訪問，亦沒有新專輯的消息傳出，不過一個媒體的消息指出 Suede 已和華納唱片簽約，預計在十一月一日發行 2cd 精選，由 Brett Anderson 策畫，曲目連結在這裡。

2010.09.28.

Jori Hulkkonen 是芬蘭 DJ 及 house 音樂作曲家，90 年代初期與同好共同成立 deep house 廠牌 Lumi Records，1996 年贏得法國電音大廠 F Communications 合約發行首張專輯 Selkäsaari Tracks，自此躍上國際舞台。

他最有名的歌曲，是和加拿大電音歌手 Tiga 聯手改編 Corey Hart（同樣也是加拿大歌手）於 1984 年發行的新浪潮舞曲 Sunglasses at Night。這麼一說大家大約就有印象了。這是原曲；這是改編曲，大家聽看看。

2010.09.27.

五零年代 Bud Powell 在 Blue Note、Verve 等爵士廠牌錄製許多不朽的經典作品，影響六零年代的後起之秀如 McCoy Tyner 和 Bill Evans；1991 年 Bud Powell 授勳進入爵士名人堂，他是現代咆勃爵士樂史中，兩位代表性鋼琴家的其中之ㄧ，另一位是 Thelonious Monk。

2010.09.24.

Mel Taylor 是 The Ventures 的鼓手，任期自 1962-1996 年，這段影片可欣賞他優異的鼓技；2008 年 The Ventures 授勳進入搖滾名人堂。

2010.09.18.

New Jack Swing 亦稱做 Swingbeat，是流行於 80 年末至 90 年中的一種音樂類型。主要融合 Hip-Hop、Dance-Pop 的節奏、取樣、製作技巧，與 R&B 的現代都會感。

與 R&B 相同，New Jack Swing 結合老學校及新潮流，透過 Hip-Hop、Dance-Pop 的伴奏形式、鼓機的 Swing 節拍，加上 R&B 的唱腔，New Jack Swing 在 Hip-Hop 與 R&B 的黃金時期，逐漸流行起來。

New Jack Swing 的由來，是劇作家兼製片人 Barry Michael Cooper（電影 New Jack City、Above the Rim 和 Sugar Hill 的編劇）於 1988 年 10 月 18 日在免費的紐約周刊 The Village Voice 的封面故事 Teddy Riley Groove Master: Harlem Gangsters Raise a Genius 一文首次使用，這裡有連結可供參考。

美國權威的辭書出版機構 Merriam-Webster 對 New Jack Swing 的解說是：通常由黑人樂手演奏的流行音樂，結合爵士、饒舌、Funk 與節奏藍調等元素。大英百科全書說 New Jack Swing 是 60 年代 Motown 之音以降最流行取向的節奏藍調音樂。

New Jack Swing 使用初露頭角的 SP-1200 及 Roland 808 鼓機，加上明亮旋律與歌聲，而不取樣舊有拍子，大英百科全書解釋 New Jack Swing 的重要幕後製作人是 Babyface 和 Teddy Riley。

說到 Teddy Riley，他提攜兩個重要的 New Jack Swing 樂團：分別是 80 年代的 Guy，及 90 年代的 Blackstreet。Teddy Riley 說他認為 New Jack Swing 就是街頭頑童的搖擺版本。

根據 2004 年新滾石音樂雜誌專輯指南的資料，1991 年 Michael Jackson 在錄製專輯 Dangerous 時，為求不同的音樂風格，遂將多年合作的製作人 Quincy Jones 換成 Teddy Riley。

音樂網站 VH1 說：80 年代 Hip-Hop 與 R&B 還各走各的，到了兩千年，二者如血緣之親。無論如何，80 年代末期 Hip-Hop 開始落寞，製作人 Teddy Riley 與唱片公司老闆 Andre Harrell 將兩種曲風成功的融合成性感、受人矚目的音樂。

這樣的樂風觸發音樂革命：Riley 說在 New Jack Swing 之前，饒舌樂手與歌手沒有互動，因為歌手太軟，而饒舌樂手只專注在街頭這個面向。Riley 將柔美的旋律與強勢節拍融合，新音樂於是誕生。

‎1987 年來自北加州樂團 Club Nouveau 將 Lean On Me 翻唱成 New Jack Swing 版本，榮登美國告示牌行榜冠軍，同年底這首歌還獲得一座葛萊美獎。

受到都會音樂曲風影響，New Jack Swing 具有甜美柔和兼備靈魂風格的歌聲，傳遞浪漫旋律及歌詞。調和 Hip-Hop 的街頭節奏，有些曲目也呈現昂首闊步的氣勢，或者在歌曲中間加一段饒舌，使其多樣化。

Bobby Brown 當年的封號就是 The King of New Jack Swing。1988 年 Don't Be Cruel 在美國 R&B 單曲榜拿下冠軍。

2010.09.15.

1936 年末左右，百老匯作曲家 Richard Rodgers 創作爵士樂芭蕾舞曲「第十街上的屠殺」（Slaughter on Tenth Avenue），內容描述職業舞者愛上舞廳女孩的故事，女孩被吃醋的男友槍殺，男友又被職業舞者槍殺。故事雖然流俗，卻不減音樂作品風采！

1968 年紐約芭蕾舞團首度將「第十街上的屠殺」列入表演，舞者由 Suzanne Farrell 和 Arthur Mitchell 擔任。

2010.09.11.

太好笑了這個表演 !!!

私房與推薦 (2010.07-08)

2010-10-22T22:29:00.000-07:00

2010.08.31.

比對 Cannonball Adderley : Somethin' Else 早期重發的 CD 版 (1986 年重發, 編號 0777 7 46338 2 6 的歐版) 與黑膠版本之後, 我赫然發現, CD 版在轉錄過程中, 將原本的左右聲道搞反了 ! 這極有可能是早期重發的 CD 缺乏適度的品質管制所致.

依照筆者的理解, 原錄音師 Rudy Van Gelder 的習慣是節奏樂器在左, 主樂器在右, 但 CD 版卻完全相反 ! 而且鼓手 Art Blakey 在 Autumn Leaves 一曲出場時, 電平忽然調大聲, 使得鼓鈸聲聽起來十分刺耳, 不若黑膠聽到的那般平順, 畢竟鼓群是伴奏而非主奏樂器, 但 CD 版卻將它的 "形體" 凸顯得過於搶眼, 反而有喧賓奪主之嫌.

此外與 CD 版扁平且缺乏個性的低音貝斯相較, LP 版帶有 Q 感的低音貝斯聲明顯勝出, 算是還給低音貝斯手 Sam Jones 一個公道了 ! (孫秀蕙, 摘錄自 211 期音響論壇卷 318 : 台灣爵士樂迷談發燒爵士 LP - 上)

2010.08.23.

中文字幕介紹蕭邦 !

2010.08.20.

看完荷索 Gesualdo: Death for Five Voices (五種死亡的聲音)，透過旁述方式描述十六世紀義大利作曲家 Carlo Gesualdo（同時還兼具王子及殺人犯等身份）傳奇、爭議性的人生。

荷索的電影與古典樂有著密不可分的關係，除了影片外，音樂欣賞也是重要的一環。這部傳記電影全長不到一小時，在沒有準備的情形下就劇終，還以為自己不小心按到幕後花絮。

2010.08.19.

The Final Countdown 收錄在 1986 年發行的同名專輯，是 Europe 的第三張專輯。單曲 The Final Countdown 一共在二十五個國家登上單曲榜冠軍，當年二十出頭的小夥子們如今都是歐吉桑了；Europe 還有另一首膾炙人口的抒情歌曲叫做 Carrie。

2010.08.18.

蕭士塔高維契一點都不喜歡伯恩斯坦對第五號交響曲的詮釋，這是他親口說的。我認為演奏家只要認真讀譜，就可以知道蕭士塔高維契的微言大義。伯恩斯坦的詮釋從速度上就有很大問題，第四樂章一開始樂譜明明寫了 Allegro non troppo（勿太快的快板），他卻決定忽略作曲家指示，像賽馬一樣指揮，拼命狂飆。

作曲家的指示不是不能改，但蕭士塔高維契還在世的情況，伯恩斯坦不請教作曲家本人而作這些更動，我覺得並非很尊重作曲家。如果他請教蕭士塔高維契關於第四樂章的速度，我想蕭士塔高維契一定會告訴他不能這樣快速地演奏，因為第四樂章的意義是『被強迫的歡樂，被鞭打、被命令下的歡樂』。即使沒有『證言』的敘述，單從音樂角度來看，過快的速度也會讓這個樂章、甚至整首交響曲結構失衡，讓此曲缺乏結束的感覺，伯恩斯坦毫無疑問是傑出的音樂家，但他在此曲終曲的詮釋並不理想。（阿胥肯納吉 Vladimir Ashkenazy，摘自焦元溥『遊藝黑白：世界鋼琴家訪問錄』）。

若阿胥肯納吉指的是伯恩斯坦指揮紐約愛樂的版本，據說這是一張具有威名的唱片，只有發行黑膠唱片，沒有 CD，且獲得日本唱片藝術雜誌三百大 LP。指揮家與演奏家對同一曲目意見相左，無論是從什麼角度，都很值得思考。

俄國的樂曲交由美國指揮，這讓我想起林惺嶽老師在紀錄片裡說的一段話，他說：看從前大師的畫，水果總是擺放在盤裡，不過那是貴族；窮人的水果是長在樹上的。並非要影射或者傾向哪一邊，只是讀到阿胥肯納吉的這段專訪時，突然閃過的聯想罷了。

2010.08.14.

George Kranz 是來自德國的舞曲歌手及打擊樂手，1984 年以一曲 Din Daa Daa 榮登舞曲榜王座，風靡一時。1991 年這首歌又以全新混音之姿重返排行榜。

Din Daa Daa 被重複混音、取樣的機率很高，除了出現在現今的電子舞曲，較有名的例子包括 M|A|R|R|S 的 Pump Up the Volume (1987) 、Kirk Franklin 的 Praise Joint Remix (1998)、Ying Yang Twins 的 Shake (2005) 以及 Xbox 360 遊戲機的廣告配樂。

2010.08.13.

有一次我在巴爾托克面前，說他的『舞蹈組曲』（Dance Suite, BB 86b）怎麼有些地方只有節奏而無旋律，巴爾托克很不高興地說『怎麼沒有旋律！那是一個音的旋律！』

一個音的旋律！想想巴爾托克的話，就可以知道我們絕對不能死板地處理他作品中的節奏，一定要表現自然。（桑多爾 Gyorgy Sandor，摘錄自焦元溥『遊藝黑白：世界鋼琴家訪問錄』）。

2010.08.13.

能有先進科技當然很好，但重要的仍然是音樂，不是聲音。就某程度而言，我其實很反對這些 SACD 或者什麼新錄音科技，無論人們怎麼稱呼。我聽到一些人很開心地說『這些科技真好！我們現在聽得好清楚，每個樂器的定位都很明確。』

拜託！這和音樂有何關係？聽音樂重要的是聽作曲家創作的構想，不是聽大提琴現在是放在左邊還是右邊，長笛在小鼓的前面或是後面。而且，音樂家其實都在抱怨這種捨本逐末的錄音科技。現在好像不把長笛家按鍵發出的聲音錄進去，那錄音就不夠好了，但那個長笛家希望把這些噪音錄下來？這些按鍵聲和音樂一點關係都沒有。我沒有聽到更多音樂，但音樂本身卻被這些噪音給破壞了。（齊瑪曼 Krystian Zimerman，摘錄自焦元溥『遊藝黑白：世界鋼琴家訪問錄』）。

2010.08.13.

盧托斯拉夫斯基要求我在『鋼琴協奏曲』某一段落表現出特定的聲響效果，他還親自唱給我聽。然而這和我自己在鋼琴上彈的實在相差甚多，我怎麼就是不明白他要什麼。有一天我到他家，在他的鋼琴上彈這個段落。從那鋼琴一發出聲音，我就立刻瞭解他要什麼，而我也知道如何在其他鋼琴上做出這個效果。

就像貝多芬『華德斯坦』奏鳴曲第三樂章結尾的最急板一段（Prestissimo），從第 403 小節到 411 小節譜上才寫一個踏瓣。如果演奏者以這種踏瓣在現代鋼琴上演奏，那音樂將模糊不清、慘不忍聞。可是如果在貝多芬的鋼琴上演奏，如此踏瓣的確能產生樂譜上所要的『甜美』（dolce），音響宛如身在天堂般輕盈明亮。（齊瑪曼 Krystian Zimerman，摘錄自焦元溥『遊藝黑白：世界鋼琴家訪問錄』）。

2010.08.04.

Louis Armstrong 的嘴唇很厚，像是書包嘴 Satchel Mouth，唸快一點就變成薩其摩（Satchmo），後來就變成他的綽號。

‎1978 年 Louis Armstrong 授勳進入爵士名人堂 !

2010.08.04.

1941 年，甫發表 El Salón México（墨西哥沙龍）的柯普蘭，再度造訪墨西哥，撰寫下這首多采多姿的音樂作品。最初是寫給雙鋼琴的曲子，1942 年 12 月由柯普蘭和伯恩斯坦擔任鋼琴演奏，在紐約大會堂舉行演。

三年後柯普蘭將此曲編成管弦樂版本，也就是今日耳熟能詳的曲目。Danzon Cubano 簡短生動，在趣味與有些惡作劇的愉悅氛圍遊走，亦在失控與理智的邊緣游走，掌控得宜，是屬難得佳作。

Aaron Copland - Danzon Cubano (1943) Bernstein

2010.07.29.

英國電音天團「強烈衝擊」新專輯「赫里格蘭」慘遭中國封殺，無法在中國銷售！

勞勃認為，在這個民主的時代，每個人都應享有取得資訊的權利；中國實施嚴格的審查制度，剝削人民「知」的權利，讓他大呼「很瘋狂」！被問及西藏獨立的議題，勞勃說：「他們闡揚人道主義與和平，對世界帶來正面的影響，不應該被邊緣化！」

強烈衝擊昨晚在南港展覽館開唱，吸引了近 5000 人前往朝聖；專輯 Blue Lines（1991）獲得滾石雜誌評鑑史上五百大專輯。

2010.07.25.

Zimerman (齊瑪曼) 在接受焦元溥先生專訪時，提到 Lutoslawski (盧托斯拉夫斯基) 的鋼琴協奏曲。作曲家在第四樂章的琴譜上寫下 84，意思是希望樂團在演出時能以 84 BPM 的速度演奏。

不過 Zimerman 認為作曲家在家中創作的環境，與演奏廳的環境不同，甚至連每個演奏廳的音響環境，以及表演當下的氛圍亦不同，應該要依照表演當時的環境條件及氛圍，來調整演奏的節奏，如此才能使樂曲順暢。所以每每演奏該樂章時，BPM 通常會達到 88，甚至是 92。

指揮站在台上，必須融合演奏廳的環境、聽眾情緒反應、自我對曲目的想法等因素，產生詮釋該樂曲之節奏。每位指揮家針對不同曲目和表演，均有特殊的節奏。

節奏影響流暢度，同一首曲目交給同一位指揮或演奏家在不同時空表演，都會產生不同節奏，這是有趣之處。我們在白天或許想選擇節奏較快的音樂，到了夜晚或許就想聆聽抒情緩慢的音樂，有可能是不同的歌曲，卻也有可能是同一首曲目，不同指揮家指揮的版本。

‎19 歲的波蘭鋼琴家 Zimerman (齊瑪曼) 在 1975 年獲得蕭邦鋼琴大賽冠軍，同時獲得波蘭舞曲和馬厝卡舞曲獎，打破 Pollini (波里尼) 的紀錄，成為年紀最輕的蕭邦大賽得主。以下是當年的比賽影片。

2010.07.21.

曲名：雷電交響曲（雷公指揮／台南天空音樂廳）：TAS 發燒榜 (Tainan Air Sound)／Stereophile R2D4 拼死以求不要被雷打到－這是一首非常爆棚的交響曲，今天下午兩點在台南市戶外免費演出，全台南市民眾全數參與，預計約超過七十七萬人，開場後由太陽負責的幕後燈光，也逐漸暗了下來，交由舞台前的閃電即興表演。

目前剛開始進行第一樂章，動態相當龐大，連停車格的汽車都紛紛透過警報器表示歡呼！摩托車騎士也紛紛透過雨衣盛裝，準備 enjoy 這首交響曲。

雷聲部從極大聲 fff 衰減至極小聲 ppp，接著是雨聲部的主撥奏，搭配風聲部的協奏，穿梭在定音雷的貝斯聲線。第一樂章結束前的澎湃雷擊，讓許多住家小狗大喊安可。風聲部與樹葉樂部擦出搖曳的對話，為了讓聽眾擁有舒適的聆聽環境，戶外的空調系統也將溫度調降五度左右。町仔腳的盆栽一邊喝著免費提供的飲料，不時交頭接耳。

到了夜晚，交響曲演奏完畢，換上鳥語蟲鳴，空氣瀰漫透心涼，這是寶島小夜曲，繾綣星月，別有風情。

2010.07.10.

Julia Fordham 是美籍英裔的詞曲創作歌手，80 年代展開音樂生涯，為 Mari Wilson 及 Kim Wilde 伴唱。

1988 年在廠牌 Circa 旗下發行首張同名專輯，Happy Ever After 獲得英國單曲榜第 27 名，寬廣的音域加上抒情歌詞，為她贏得小眾樂迷。後來與美國流行大廠維京唱片簽約，登上國際樂壇，同名專輯在美國亦創下銷售佳績。

歌曲 Manhattan Skyline 進入抒情榜與 VH-1 榜，為隔年發行的第二張專輯 Porcelain 鋪路，獲得更高評價。這是一張高成熟度的抒情演唱專輯，除了 Manhattan Skyline，開場曲 Lock & Key，a2 的 Porcelain 都是代表歌曲，我想推薦的是 For You Only For You，非常適合夏夜。

【簡介】Evelyn Glennie

2010-07-27T18:02:00.000-07:00

翻譯自 Wikipedia；All Music

前言

Evelyn Glennie（1965~）來自蘇格蘭的亞伯丁郡，她是二十世紀西方社會的第一位全職獨奏打擊樂手。受到 TEDx Taipei 演講的影響，我搜尋、觀看 TED 網站的演講影片，其中 Evelyn Glennie 的影片帶給我莫大震撼，帶動我搖起筆桿的動力。

以下就是這支影片內容，影片下方可以選擇字幕。

Background

Glennie 在蘇格蘭東北部的亞伯丁郡長大，父親 Herbert Arthur Glennie 是當地一個鄉村舞蹈樂團的手風琴手。加上蘇格蘭東北部的傳統音樂薰陶，Glennie 開始學習口琴與單簧管，受到 Glenn Gould (顧爾德：鋼琴家)、Jacqueline du Pre (杜普蕾：大提琴家)、Trilok Gurtu (葛圖：打擊樂手) 的影響，她進入 Ellon 學院與皇家音樂學院就讀，亦加入蘇格蘭國家青年管弦樂團。

就學期間 Glennie 獲得許多獎學金贊助，其中『扶輪社信託獎學金』讓她有機會到日本磨練打擊技巧。

Career

Glennie 巡迴表演的足跡遍佈北半球，每年有四個月的時間待在美國，與各形式的管弦樂團，及現代音樂家一同表演，一年的演奏會超過百場，此外還參與所謂的『大師講堂』，及學校音樂課程。Glennie 時常受作曲家之託，擔任新樂曲的打擊樂手，她也在演奏會表演這些曲目。

1989 年 Glennie 和 David Murray（莫瑞，打擊）、Perahia（普萊亞，鋼琴）、Georg Solti（蕭提，鋼琴）合奏 Bartok（巴爾托克）的『雙鋼琴與打擊樂奏鳴曲』，獲得葛萊美『最佳室內音樂演奏獎』。

Glennie 也會穿上自己的註冊商標格紋花呢（蘇格蘭傳統服飾），吹奏高地風笛（Great Highland Bagpipe），叫做『The Rhythms of Evelyn Glennie』。除了敲擊樂手身分，Glennie 設計製作手工首飾，這是她的首飾網頁。另外她也是一位激發積極性的演說家。

以打擊樂者身分和許多國際級的管弦樂團合作，巡迴英、澳、日、美等地，Glennie 累積豐富演奏經驗，於 1992 年錄製專輯 Rebounds。

Glennie 在 Rebounds 演奏米堯（Darius Milhaud）、三善晃（Akira Miyoshi）、羅梭魯（Ney Rosauro）等作曲家之作品，顯然受到爵士、印象派、巴西等音樂元素影響，另外還收錄了班奈特（Roger Bennett）的為打擊樂獨奏與室內樂團而做的協奏曲。

1996 年 Glennie 在 RCA 旗下發行專輯 Drumming，有一半的曲目都是自己創作，包括小到裝飾性質的獨奏短篇，大至龐大編制的合奏。除了兩首曲目 Halasana 和 Matre's Dance 的鋼琴部份，其餘皆由 Glennie 演奏。

Glennie 透過地板震動的方式感受音樂，完成精彩錄音。Halasan 是鼓和鋼琴的深入對話，Bongo-O 是透過不同方式敲擊小手鼓，Prim 是規律性的小鼓獨奏，The Anvil Chorus 則是金屬片的練習，To the Earth 完全用花盆演奏，Pezzo da Concerto 再次對準小鼓，Matre's Dance 敲擊與鋼琴在對話間不斷堆積韻律。

Glennie 在專輯穿插木板、鐃鈸、非洲鼓等樂器即興敲奏，精湛技藝不容爭辯，或許缺乏商業考量，不過 Drumming 確實為 Glennie 眾多才藝添加一環。

2000 年 Glennie 在 RCA 發行專輯 Shadow Behind the Iron Sun，這是一張具有爭議性的專輯，雖然在錄音室即興演奏，後製過程卻在母帶加入編錄器、取樣等聲音，感覺上動了手腳（此爭議曾在網站引起討論）。

1998 年 10 月 12-16 日 Glennie 與工作團隊在倫敦 Whitfield Street 錄音室錄製 Shadow Behind the Iron Sun。錄音室一間一間堆滿 Glennie 各式異國風味（也有自製）的打擊樂器、兒童玩具、Glennie 最喜歡的風笛、還有一個音樂盒組，前面演奏 Tea for Two 的時候，其他位置的音樂盒會發出和鳴。

製作人兼混音師 Michael H. Brauer 準備靈活的麥克風裝置，可以跟隨 Glennie，即時在打擊樂器之間穿梭，其中以長達二十八分鐘的曲目 Land of Vendon 最為醒目，Glennie 和鋼琴家 Philip Smith 搭配演奏，一氣呵成，精彩絕倫。

Glennie 活力精密的演奏呈現出眾才華，專輯從頭到尾貫穿邏輯概念，宛如一首完整錄音，尾曲由 Brauer 重新混音 Battle Cry，Shadow Behind the Iron Sun 是打擊樂迷必須收藏的作品。

英國作曲家 Dave Heath 在 1993 年看過 Evelyn Glennie 的表演後，決定為她譜寫打擊樂曲。當時 Glennie 在馬林巴琴與電顫琴的演出中途，對聽眾說：我有狂野之心。然後開始演奏時速一百英里的打擊樂，迫使節奏交疊，相互衝撞。

Heath 對這場演出留下深刻印象，於是他開始構思能讓 Glennie 發揮所能的作品，2000 年六月 David Heath 指揮倫敦愛樂管弦樂團，錄製專輯 African Sunrise/Manhattan Rave。

African Sunrise/Manhattan Rave（非洲日出／曼哈頓狂歡）開場氛圍由黑暗逐漸明亮，是美麗的二重奏，由 Glennie 演奏馬林巴琴，搭配 Philip Smith 彈奏鋼琴，抒情綺麗，充滿狂想音色，緊接而來是 African Sunrise，雷霆萬鈞之氣勢讓聽眾措手不及。

管弦樂團搭配 Glennie 的馬林巴琴與電顫琴，呈現風雨雷電風貌，黎明之前，他們在肅靜的森林開始窸窣交談，交織纏繞。中段 Glennie 的電顫琴逐漸綻放，如出水芙蓉。Heath 引薦柯普蘭（Aaron Copland）的阿帕契之春，充分調和對位與 Glennie 的樂器。我們在 African Sunrise 曲末欣見森林初醒，充滿語言、色彩及聲音。

在 Manhattan Rave 樂章，Glennie 和管弦樂團則模擬夜總會的聲音，Glennie 透過兩支鼓棒敲擊油罐，各式各樣的瓶子及平底鍋，模擬鼓手在夜總會的表演；管弦樂團即興重複樂句，直到 Glennie 的打擊以怪異形式畫下終止符。這是很棒的曲目，令人讚賞。

John Harle 在 Dawn of a New Age 演奏高音薩克斯風，一前一後配合 Glennie 的節奏，稀疏陰沉的開端加上塞爾特音樂旋律，呈現神秘氛圍。第二樂章 Smith 加入行列，用鋼琴彈奏出較 funky、較泥巴味的 groove。

尾曲是 Darkness to Light 的夜晚版本，經由打擊樂來詮釋氛圍，相當奏效。Glennie 和 Smith 的演奏使空間闡述自我語言，就像早期 ECM 發行的作品，再加上多一些戲劇性。Heath 曾為 James Galway 及 Julian Lloyd-Webber 製作極端感傷的音樂，比較起來 African Sunrise/Manhattan Rave 顯得令人驚喜。

而 Glennie 即便能做的事都做了，還是讓人覺得一定還有許多才華尚未發揮，從她的眼神綻放光芒，她的演奏總是那麼絕妙，但是你總知道她還可以給聽眾的，還有更多。

2001 年 Béla Fleck 和 Edgar Meyer 改編德布西的經典曲目『老頑固』，收錄在專輯 Perpetual Motion，隔年即獲得葛萊美『最佳器樂編曲獎』，專輯還獲得『最佳古典跨界專輯獎』，Glennie 參與其中四首曲目錄製，演奏馬林巴琴。

其他參與的樂手還有 Joshua Bell（約夏貝爾，小提琴）、Gary Hoffman（霍夫曼，大提琴）、John Williams（古典吉他）等。

Deafness

Glennie 在十二歲就因為耳神經受損而成為深度耳聾，不過這項挫折並沒有阻礙她國際級的表演水準，她在學校學習唇語，以及對音調、音量的辨識。Glennie 時常在演奏會與錄音室赤足，把手貼在牆壁上，透過震波去『感受』音樂。

Glennie 說大眾曲解耳聾的意思，以為耳聾之人聽不到聲音，她卻透過身體每個部位，去聆聽聲音，為了回應媒體的疑議，Glennie 撰寫名為 Hearing Essay 的文章，談論親身狀況。

Hearing Essay

音樂代表生命，一段特別的音樂，可以描述來自任何地方的人們，其真實、虛構或者抽象的經驗，或想像力。音樂家的職責，就是將作曲家想要描述的，畫成一幅圖，然後傳達給聽眾。希望我必須說的（透過音樂語言），可以激發聽眾，因此他們離開演奏會時，能有備受招待的感覺。如果聽眾前來，只是好奇為何一位聾人可以表演打擊樂器，那麼我便是失敗的音樂家。為此，耳聾並不是我的辦公室會提供給媒體，或者演奏會宣傳的資料之一。不幸的是，耳聾卻被操作成頭條標題，從小開始，如果我拒絕跟媒體談論耳聾這件事，他們還是會在文章裡自動補上。每年有幾百篇關於我的文章和評論，其中只有一手的數目，正確描述我的聽力損害，其他超過百分之九十的文章都是不正確的，他們對於我能夠成為音樂家，感到不可思議。此網頁旨在澄清問題，弄清真相，讓人們從不斷發展的音樂家身上，欣賞經驗，而不是一些反常，異人奇事，或者自然界的奇蹟。

大眾對耳聾了解甚少，例如耳聾之人生活在寂靜的世界，這是個誤解。要瞭解耳聾，就要先了解聽力這件事。

聽覺基本上是觸覺的特殊形式，當聲音發出時會震動空氣，耳朵接收之後轉換成電子信號，再交由腦部解釋執行。聽覺不是唯一可以做到這樣子的感官，觸覺也可以。當你站在路邊，一輛大卡車經過，你可以聽到或感覺到震動嗎？答案是兩者皆有。超低頻率震動時，耳朵變得聽不太到，反而是身體其他部位的觸覺感官開始取而代之。為了某些原因，我們趨向把聽見聲音和感覺震動作出區別。動詞 sentire 是（義大利語）聽見的意思，同義動詞 sentirsi 指的是感受。耳聾並非是聽不見，而是耳朵出現某些問題，有些人即使完全耳聾，仍可以聽／感覺到聲音。

如果我們可以感受到低頻，為何不能感受更高的頻率？我相信我們可以，只不過隨著頻率越來越高，我們的耳朵也越來越有效能，於是聽覺感官會蓋過更多的觸覺感官。我在幼年花了許多時間（受到學校打擊樂老師 Ron Forbes 的幫助）提升自我對於震動的偵測能力。我會站立將雙手壓在教室牆壁，Ron 敲擊定音鼓（定音鼓發出許多震動），最終我可以從身體各部位感受到的震動，分辨出大致上的音調，我感受到的低頻大部份是透過腿和腳，高頻則是透過臉、頸以及胸部去感覺。

值得指出的是，在現階段我不是完全耳聾，我只是重度耳聾。重度耳聾的症狀範圍廣泛，雖然通常指的是聽到聲音質量的不足，因此對口語無法了解。沒有其他聲音干擾的情形下，我通常能聽到某人在講話，在沒有讀唇的幫助下，我不能了解他們說的內容。與正常人相比，我的情況是聽到的音量要小很多，不過更重要的是聽到的音質非常差，比方說當電話響的時候，我聽到的像是一種裂紋，然而我把這個獨特的裂紋與電話聯想在一起，於是當電話響起時，我就會知道。把電話響聲和電話連結是一個獨特的方式，基本上這與其他正常人判斷電話響的方式一樣。我可以講電話，當我講完一段話，對方透過一枝筆的敲擊發送回答，於是我聽到卡嗒聲，隨著卡嗒聲的數量或節奏，我得到一組碼，將碼轉換成字，於是得以通話。

目前為止我們聽到聲音，感覺震動，還有另一元素同時存在，那就是視覺。我們看見東西移動和震動，如果我看到一個鼓或鈸在震動，或是風吹動樹葉，我們的潛意識會創造出相對應的一個聲音，一個不正確的問題通常在受訪時提出：『當你聽不到自己在做甚麼的時候，如何能成為一位音樂家？』當我甚麼都聽不到的時候，答案當然是我不能成為音樂家。另一個常被問到的問題是：『你如何能聽見自己的演奏？』合乎邏輯的回答是，大家是如何聽到的？一個電子信號在耳中產生，其他更多的訊息從各感官接踵而來，最後被送到腦部，經過處理之後產生一幅聲音景象。聽到聲音的過程相當複雜，不過我們都是在潛意識情形下進行，所以我們把這些過程聚合起來，稱為 simply listening。對我而言亦然，有些過程或原始訊息也許有些不同，不過我對於聆聽所做的事，就是聆聽。我不知道自己比你多做了甚麼，才能聆聽。

你會發現越來越多的答案會朝向哲學領域，誰能斷定當兩位正常人聽到同一個聲音時，他們聽到的完全相同？我的看法是，每個人聽到的聲音都不一樣，我們可以說從他們腦部建構出來的聲音景象是相同的，所以表面上無異。對我，或對於我們，我自己聽力上的某些能力要比其他人好，雖然我需要藉助讀唇來了解談話，不過我在音樂會裡，對於聲響的察覺是相當出色的。比方說，有時候我會用空氣的濃稀程度，來描述一個聲音的感覺。

總結來說，被我的聽力問題煩擾的人，遠多於我受到聽力問題的煩擾。確實是有些不方便，不過大致上並不會對我的生活造成太大影響。對我來說，耳聾這件事，就跟我是位女性，擁有一雙棕色眼睛一樣平常，當然，有時候我要在聽力和音樂之間尋找解決之道，但這也是所有音樂家會遇到的問題。雖然我們隨時都要聆聽，不過多數人對聽力的認知卻微乎其微，還有，我對耳聾的瞭解不深，我也不會特別感興趣，記得有一次，一位記者又只問關於耳聾的問題，我突然感到傷心，我說：『如果你想知道關於耳聾的事，你應該去問受過有關聽力及耳聾問題訓練的專業人員，我的專長是音樂。』

透過這個網頁，我嘗試去解釋一些我發現很難去解釋的事。即便如此，還是沒有人真正了解我怎麼做，我做了甚麼。請享受音樂，其它的，就把它忘記吧。

這篇文章可以被記者及作家引用，但是請註明 Evelyn 與網頁出處。

Collaborations

當你第一次遇見某人，就莫名其妙發生神奇的事，這種感覺很難解釋。Oxygen 是 Bjork 和我在 1995 年首次合作的經驗，我們一起共事、錄音，這首歌曲所有聲音，粗糙的聲音，顯示自發性的成果，沒有矯飾或竄改，這是我喜歡做音樂的原因。

一直到 1998 年 Oxygen 這首歌收錄到我的精選輯之前，它是沒有名字的，至於為什麼歌名叫做 Oxygen（氧氣），我一點都不知道。（Evelyn Glennie 寫於 1988 年）。

兩張一套的精選 CD 共收錄 30 首歌，包括 BMG 時期的經典錄音，收錄自我創作歌曲、古典曲目（蕭邦、薩提、林姆斯基高沙可夫），以及和 Bjork 合作的兩首歌曲（Osygen 和 My Spine），意想不到的表演技巧，及 Glennie 音樂生涯的精華，可以由這張精選輯得以入門。

1996 年 Glennie 參與冰島歌手 Björk 的專輯 Telegram，錄製歌曲 My Spine。

她與許多樂手合作，包括 Steve Hackett（前 Genesis 吉他手）、Béla Fleck（班鳩琴樂手）、Bobby McFerrin、Nana Vasconcelos、（巴西打擊樂手）Fred Frith（前衛搖滾樂手）及 The King's Singers（國王歌手合唱團）。

2007 年 11 月 21 日，英國政府將預算三億三千兩百萬英鎊投入音樂教育，受惠音樂家有 Glennie、Sir James Galway、Julian Lloyd Webber 與 Michael Kamen，他們一起（在 2002/2003 年）成立音樂教育協會。

Personal life

1994 年 Glennie 和 Greg Malcangi（作曲家、聲音工程師、Tuba 樂手）步入紅毯，他們一起完成許多音樂工作。2003 年 Glennie 與美國指揮家 Leonard Slatkin 傳出誹聞導致離婚。

Recognition

Glennie 獲獎紀錄豐富，包括：

1982 年蘇格蘭年度獎
1985 年女皇嘉許獎的全能傑出獎
1989 年葛萊美獎最佳室內音樂演奏
1990 年十年以來最佳蘇格蘭女性獎
2002 年 Walpole 傑出獎章
2003 年美國年度音樂演奏家獎
2006 年 Sabian 終身成就獎
2008 年國際打擊樂藝術協會名人堂
Rhythm 雜誌評選最佳錄音室與現場打擊樂手（1998、2000、2002、2003、2004 年）

Glennie 在英國大學榮獲十五項榮譽博士，1993 年獲得大英帝國勳章、2007 年新年榮譽榜的爵士級司令大英帝國勳章，她擁有來自世界各地超過一千八百件打擊樂器，且收藏量持續增加，她是音樂界的 VIP。

以下影片是 Glennie 演奏 Ney Rosauro（羅梭魯）的木琴（馬林巴）協奏曲。很難相信她是一位深度耳聾的打擊樂手，除了打擊技巧獨特出色，在大量快速的敲擊節奏中，依然保持精準度及高能量。再仔細欣賞她與樂團之間的配合度，真令人肅然起敬！影片下方還有網友留言，說看過她的其它表演，大部份的時候，她的眼睛都是閉著的。

Ney Rosauro - Marimba Concerto Part I

Ney Rosauro - Marimba Concerto Part II

Films

Glennie 參與過一些 BBC 的紀錄影片，2004 年 Glennie 參與導演 Thomas Riedelsheimer 拍攝的電影 Touch the Sound，片中與另一位樂手 Fred Frith 合作，拍攝期間 Glennie 幼年成長的農莊遭到燒毀，所幸她的胞兄弟 Roger（也在電影出現）與動物均未受傷。

Touch The Sound 可以在 YouTube 觀賞，先來欣賞 Part 1

TED Feb, 2003 : Evelyn Glennie shows how to listen

（2003 年 Evelyn Glennie 在 TED 演講的中文稿）

我一點也不確定是否我自己願意看到小軍鼓，在晚上九點以後，或是早晨。不論如何，非常榮幸看到座無虛席，也衷心的感謝 Herbie Hancock 以及他的同事，為了這個偉大的表演所付出的所有努力。很有趣的一件事，當然，是雙手和表演樂器技藝的完美結合，以及如他所說聆聽我們年輕人。

當然，我的工作全部是與聽有關的，事實上，我的目標，是讓世界學會聆聽，那是我生命的唯一目標，這聽起來很簡單，但是確實是一個很艱鉅的工作，非常艱鉅。因為你知道，舉個例子，當你看到一段音樂，現在讓我來打開我的小機車包，希望能找到一份畫滿黑色小圓點的樂譜，打開它，然後讀這段音樂。

技術上來說，的確，我可以讀懂它，我會根據樂譜上的拍子和節奏演奏它，一字不差地按照我所讀到的，在這裡，由於時間的關係，請允許我逐字的演奏前面的一兩行，它很容易理解，這一段也一點都不難，但是到這裡，讓我看一下，這段音樂節奏很快，根據樂譜，我知道該敲哪裡，該用鼓棒的哪一部分演奏，該用怎樣的強弱力度。

我發現這個小軍鼓響弦是放下的，鎖上響弦，放下響弦。因此，如果我把從樂譜上所讀到的東西轉移到樂器上，會是這種感覺：

〔表演〕

諸如此類，我的職業很有可能只能持續五年左右，但是作為音樂家，我所做的一切卻與音樂沒有半點關係，來不及向老師學習的事，甚至是無法與老師談及的事，但這是當你並不和你的樂器在一起時，你會發現的事，事實上變得很有趣，接著你想探索，通過這個很小的鼓面。

剛剛，我們感受了一個把樂譜翻譯到樂器上的過程，現在我們來感受一下演奏的過程：

〔表演〕

〔表演結束，掌聲響起〕

現在我的職業生涯或許可以持續長一點了（觀眾：笑），但是其實是一樣的，如果我觀察一下您，我會看到一個戴著粉色帽子的美麗女士，您正抱著一個泰迪熊，bla bla.. 所以我會得到一個基本的個人印象，比如您可能是個怎樣的人，您的愛好是什麼，您的職業，bla bla.. 但是，眾所周知，這樣的初次印象，當大家在觀察的時候，每個人都會得的到，然後我們試圖解釋。但是，事實上，這是很表面的，同樣地，當我看到一段音樂的時候，我得到一個基本的概念，我在想，什麼將會是技術上的難關，我到底要怎麼處理，一些最初的感受。

但是，這完全不夠，我在想 Herbie 的話：請聽一聽。首先，我們必須聆聽我們自己，舉個例子，當我拿著鼓棒，事實上我沒有鬆開它，〔敲三下〕你能通過手臂感受到強烈的震動，你會確確實實地感受到，信不信由你，與樂器本身以及鼓棒是分離的，然而事實上，我正緊緊的握著鼓棒，〔敲兩下〕緊緊的握著它，奇怪的是我卻感受到更多的分離感，如果我鬆開一些，讓我的手和手臂作為更好的支撐，突然，我用相對少的力氣得到更多的動力，多得多，〔敲幾下〕最後我感覺到，一個離鼓槌很近，一個離鼓很近，而我做的卻越來越少。

所以相同道理，我需要時間與樂器一起，我需要時間和人們在一起，才能去瞭解、闡釋他們，不僅僅是從表面翻譯它，而是演繹它。例如，我來演奏一點音樂的片段，從我把自己看作是個會這門技術的角度來看，或者，人們稱之為打擊樂演奏者：

〔表演〕

等等…如果從我把自己看作一個音樂家的角度：

〔表演〕

等等…即便是有些許的不同，那也值得（觀眾笑聲＋掌聲）。

仔細想一想，我記得在我十二歲的時候，我開始演奏定音鼓和打擊樂。

我的老師說：『我們怎麼開始去做呢？你知道，音樂與聽是相關的』。

我回答：『當然，我同意您的觀點，所以問題在哪呢？』

他說：『那麼，你怎樣來聽這個，怎樣來聽那個呢？』

我說：『那麼，您是怎樣聽的呢？』

他說：『我想我是透過這兒（指著耳朵）來聽的。』

我說：『我想我也是，但是我還透過我的手來聽，以及我的手臂、顴骨、頭皮、胃、胸部、我的腿
等等。』

從那以後，每節課的一開始，我們都會調整鼓，尤其是定音鼓，使其處於很窄的音域裡，
就像這樣：

〔敲擊〕

〔敲擊〕

有些許不同。然後逐漸變化〔敲擊〕，一點一點地〔敲擊〕，令人驚奇的是，當你的身體完全打開〔敲擊〕，張開雙手使震動穿過〔敲擊〕，事實上只有極微小的不同〔敲擊〕，都可以被你手指上最微小的部分感知。因此，我們常做的就是我會把雙手貼在音樂教室的牆上，這樣就能聽到樂器所發出的聲音，仔細地感受那些聲音，效果遠遠好於只是依靠耳朵。這當然是因為，我是說，耳朵受制於很多因素，我們現在所在的房間、擴音效果、樂器音效、鼓棒〔敲擊〕…等，都是不一樣的〔敲擊〕，同樣的重量，但是不同的聲音色彩，就如同我們一樣，我們是普通的人類，但我們都有自己本身獨特的，不易察覺得聲音色彩，組成了人的獨特個性、特點以及對事物的不同興趣。

當我年紀大些，我參加了倫敦皇家音樂學院的甄選，他們說：『嗯，不，我們不能錄取你，因為我們沒有先例，你知道，培養一位將來的，所謂的『失聰』音樂家。』

我無法接受這樣的解釋，因此，我對他們說：『看著吧，如果你們是因為那些原因拒絕我，卻忽略了表演的能力、對音樂的理解，以及對創造音樂藝術的摯愛，我真想像不出，到底你們想要招收的學生，是怎樣的？』

結果就是，我們跨過一個很小的障礙，獲得了再次甄選的機會，他們錄取了我。結果還不僅如此，在當時，它改變了英國範圍內所有音樂學院的整個角色，在任何情況下，他們都不能拒絕任何申請者，僅僅基於他有沒有胳膊或者腿等等，他們很可能仍然可以演奏管樂器，只要樂器架好，無論任何情況，都不應該習慣於去決絕任何申請。每一位申請者都應該被聆聽，被感受，基於音樂上的才能，然後再決定這個人是否被錄取。

這就意味著，有相當一部分有趣的學生，能夠在這些多元化的音樂學院學習，我不得不說，現在他們當中的很多人，遍佈於世界各地的專業管弦樂團（鼓掌），但是，有意思的也是，其實很簡單，人們不僅僅於聲音聯繫在一起，基本上是我們所有的人，我們都深知音樂其實是我們的生活良藥，我所說的音樂，其實就是指聲音。

其實，我所經歷的一些非比尋常的事情，作為一個音樂家，你可能有一個十五歲的男孩，他有很多不可思議的挑戰，他可能無法控制自己的行動，也有可能是失聰的，失明的。突然，如果這個年輕的小伙子坐在樂器旁邊，甚至躺在木琴底下，然後你彈奏一個非常像木琴的聲音，可能我拿的鼓棒不對，但和這個差不多，換一下：

〔表演〕

一些特別簡單的，但，他可能感受到我所不能感受到的東西，因為我在聲音的上方，聲音從這個方向傳來，而對他來說，聲音是從共鳴器裡傳來的，如果沒有共振器的話，〔手按住木板並敲擊〕〔手放開木板並敲擊〕他可能會聽到一個飽滿的聲音，而坐在前排的你們，不一定能感受到這樣的聲音，當然，後排也不會。我們每一個人，取決於我們坐在哪裡，對於同一聲音都會有完全不同的感覺。

當然，作為創造聲音的參與者，這始於我想創造怎樣的聲音。例如這個聲音〔表演〕，你們能聽到什麼？沒錯，因為我還沒有碰到它呢（觀眾笑聲），但是，我們感覺到有什麼事情在發生。

同樣地，當我看到樹在動時，我可以想像到，樹發出瑟瑟的聲音，明白我的意思嗎？無論眼睛看到什麼，總有聲音隨之進行。因此，常常會有，確切地說，千變萬化的東西作為我的聲音源泉，因此，我所有的表演都基於我的一些經歷，學會一段音樂，不是加入別人的理解，或是研究一些與那段音樂有關的 CD，等等。因為那樣不會讓我接觸到最原始的東西，那種讓我可以完全感受過程的東西，所以很有可能，在某些演奏廳裡，這樣的強弱力度會很不錯〔表演〕，可是在其他地方，人們肯定一點也不會有那樣的感受了。

因此，我發出的輕聲，柔和的聲音可能是這樣的〔表演〕，明白我的意思了嗎？因此，就因為獲取聲音的這個特別因素，特別是對於聾人群體來說，這不僅僅影響了聾人音樂學院處理聲音的方式，同時也不僅僅是治療的一種方式而已。

當然，作為一個音樂的參與者，我完全同意這樣的觀點，但這意味著，聲學工作者需要去仔細考慮一下他們所選擇的演奏廳的類型。我敢說在這個世界上，很少有演奏廳有很棒的音響效果。但即便如此，你仍然可以展開想像的翅膀，去做任何事。

最微小、最輕柔的聲音對某些東西來說，或許它們很廣闊，很巨大，無法想像。總有一些東西在這兒聽或許很不錯，在那兒聽又或許不那麼好，在那兒或許很棒，但在上邊卻糟糕透頂，在那兒簡直是噩夢，但在這兒聽還不錯呢…

所以找到一個真正意義上合適的演奏大廳是不可能的，像你想像到的那樣的效果，並非表面上的修飾和放大。因此，事實上，聲音工程者是在和一些聽力受損的人們探討這個問題，事實上他們也是聲音的參與者。

這一點其實很有趣，關於演奏廳的效果，我還不能透露目前的進展如何，但意義重大的是，他們正向這樣一群人尋求幫助。

多年來我們常常談論這樣的一群人：『瞧，到底他們怎樣感知音樂呢？要知道，他們可是失聰的。』

我們一直這樣，我們想像著聾人應該是怎樣的。當我們看到有人坐在輪椅上，我們就認為他們不會走路。或許，事實上他們可以走上好幾步。而這，對他們來說，意味著或許一年以後，他們可以一次多走兩步，再過一年，他們可以多走三步，這其實是很值得好好思考的地方。

因此，當我們真正彼此傾聽的時候，我們應該先測測自己傾聽的本領，真正地把我們的身體作為共鳴腔，停止表面的判斷。

對我來說，作為一個 99% 都在與新音樂打交道的音樂家，要說出：『噢，對，我喜歡這首。』；『噢，不，我不喜歡那首。』這樣的話是很容易的事，但我發現應該給予那些音樂更多時間的關注，有可能僅是我和那首歌之間並沒有很好的化學反應，但是並不代表我有權利評價：這不是首好曲子。

其實，這是作為音樂家感覺最棒的一點，是一種讓人難以想像的液體，沒有規則，沒有對錯，沒有這樣那樣的方式，如果我讓大家發出拍擊聲，或許我可以這麼做，如果我說：『請大家發出拍擊聲，發出打雷般的聲音。』假設大家都知道打雷是怎樣的聲音，現在，我說的不是聲音本身，我是說真正透過全身去聽雷聲，然後透過拍擊發出打雷般的聲音，請大家試一試。

〔觀眾熱烈鼓掌〕

很好！那麼下雪的聲音呢（觀眾笑聲）？大家聽過嗎（觀眾散落的拍擊聲）？大家聽過嗎？（觀眾聲：沒有）那麼，停下來吧（觀眾笑聲）。再試一試，試一試，下雪的聲音（觀眾無聲）。看吧，大家都睡醒了。下雨的聲音呢？（觀眾稀疏掌聲）還不錯，還不錯。

大家知道嗎，很有意思的是，不久以前，我也曾經讓一群孩子做過完全一樣的事，現在，非常好的想像力，謝謝大家。然而，你們中，沒有一個人離開座位去想一想：『好，該怎樣發出拍擊聲呢？』好的，或許…〔跪地拍打地面〕或許我可以用隨身的配飾去創造些不一樣的聲音，又或許我可以用身體的其他部位發出一些其他聲音，沒有一個人嘗試用些許不一樣的方式發出拍擊聲，除了坐在座位上，拍動自己的雙手。

當我們聽音樂，其實也是同樣道理，我們以為我們只能通過這裡（指著耳朵）感受它，這就是我們如何感受音樂，當然事實並非如此，我們感受雷聲－雷聲－雷聲，想一想，聽一聽…現在，我們怎樣處理雷聲呢？

我記得我的一位老師，當我開始學習音樂的時候，我最早的課程，我準備好了鼓棒，信心滿滿，然而，他卻說：『好的，Evelyn，雙腳略為分開，雙臂大約成九十度，保持鼓棒大約成Ｖ字形，保持這樣的空間，把背挺直，bla bla…』

最後我變得很僵硬，像被凍住一樣，我也很可能學不會敲鼓，因為我一直在想著其他的事情，他對我說：『Evelyn，把這個鼓帶回去七天，我下周再來看你。』

我的天哪！我該怎麼做呢？我不能再拿鼓棒了，老師不允許我用這些鼓棒了，我只能看著這個鼓，研究一下它是怎麼做成的，小把手是做什麼用的，響弦是幹什麼的，把它翻過來，試試它的外殼，它的鼓面，用我的身體、配飾嘗試敲打它，用一切可以用的東西嘗試：

〔表演〕

當然，結果是歸還的時候，我傷痕累累。不過，這是一次非常特別的經歷，因為那段經歷，在一段音樂中，究竟在哪裡，你能有那樣的感受呢？在一本教科書中，究竟在哪裡，你能有那樣的感受呢？因此，我們從來沒有真正地在研究教科書上的東西。

舉個例子，我們曾經學過一種演奏方法，作為一個打擊樂演奏家，而非音樂家，當我們處理音樂的時候，就是最基本的單擊滾奏（專業術語）：

〔表演〕

像這樣〔敲擊〕，然後快一些〔敲擊〕，再快一些〔敲擊〕，再快一些〔敲擊〕，諸如此類，這段該怎樣呢？那麼為什麼我不可以在學一段音樂的首用這種手法呢〔敲擊〕？那正是他所做的。

有意思的是，隨著年齡增長，當我成為專業學生以後，在所謂的『音樂學院』，那些疑惑都消失了，我們開始學習書本，『為什麼？為什麼？學習這些有甚麼用？』

這些問題常常出現在我的腦海裡，我需要去演奏音樂。『噢，學習這些會幫助你學會控制！』那麼，怎樣用它學會控制？為什麼我需要學會這些？我需要把它和音樂聯繫起來。你知道，我需要說些甚麼。為什麼我要練習復合式打點〔敲擊〕，真的是為了很好控制嗎？為了控制鼓棒？為什麼我要這麼做〔敲擊〕？我需要知道答案，而答案需要透過音樂告知，通過音樂，實際上就是通過聲音。

如此，我們可以把所有東西傳遞給所有人，但我不想為大家的情緒包袱負責。這由你決定，當你走過一座演奏大廳，因為這樣，決定了我們怎樣去聽一些東西，我可能覺得很悲傷，或者很高興，很雀躍，很生氣，當我演奏某段音樂的時候，我不該讓大家感受到我的這種情緒。因此，下次當大家去演奏會的時候，讓自己的身體打開，讓它成為你的共鳴腔，確定你不會受到演奏者的情緒影響，演奏者可能正位於聲音最不好的位置，他們聽到的是鼓棒碰觸鼓面的聲音，或是木槌碰觸木塊的聲音，又或是弓碰觸弦的聲音…或是為了發出聲音而吹動管樂器的呼吸聲，他們感受的就是那些最原始的聲音。

然而，他們感受到的恰巧就是那種最純粹的聲音，其實是聲音發出前一瞬間的感覺，請記住聲音一開始敲打，到產生的整個過程，或是，從呼吸開始，試著感受聲音產生的整個旅程，就如同我自己度過了整個旅程一般，今天的這次會面，儘管昨晚才到達這裡，我希望我們可以有機會，在以後的時間交流心得，非常感謝大家的聆聽與關注（觀眾掌聲）。

〔表演〕

〔表演結束〕

數位與黑膠唱片：成大醫學中心藝術人文課程

2010-07-09T00:37:00.000-07:00

前言

進入2010年，人們聆樂的方式即將改變，特別是家用音響突然可以直播放 24bit 的數位母帶，更寬廣的音場，更堅實的音像，外加更豐富的動態，暗藏在旋律中的情感得以自在地釋放，等到此類播放器再成熟友善些，音響界的數位革命將被引燃。

時間: 7 / 17、 7 / 24、 7 / 31 週六 14:00- 16:00
地點: 成功大學醫學院教學資源中心視聽製作組攝影棚
主辦: 成功大學醫學院 STM 中心
人數：50 人（音樂播放品質限制）
報名：採預約報名，請來電 0930470700，洽鍾淼書 email: msjong@mail.ncku.edu.tw
費用：免費，但需先行預約。
認証: 公務人員身份，請上公務人員終身學習網站報名，關鍵字”黑膠〞，可獲2學分認証。

活動內容

7/17 題目：是誰害我繼續聽卡拉揚（數位與類比卡拉揚之爭）
簡介：奧地利指揮家卡拉揚是上世紀最重要最具影響力的指揮家，錄製唱片無數，時期橫跨類比與數位兩階段，本講演將介紹大師生平，其音樂何以能被樂迷們所珍愛，以及數位與類比卡拉揚有何異同，好玩喔！

個人簡介
黃裕昌

台大碩士
任職於高雄南方專業音響試聽室
MUZIK 古典月刊主筆
高雄廣播電台FM94.3「音樂伸展台」主持人

7/24 題目：古碟再現，黑膠唱片的魅力
簡介：1948年黑膠唱片（LP）的出現是非常戲劇化的。雖然他被 CD 的取代的過程更戲劇化。不過，短短不到40年的壽命，卻創造出音樂載體史上的黃金歲月。它刻劃大師粹練凝結的聲音；無窮無盡的曲目；溫暖透明的音色；還有撼動人心的音效。CD 甚至 DVD 終結 LP 的發展，毫無疑問也終結屬於 LP 的輝煌榮耀。
今天仍然有一批人信守這塊樂土，堅持絕對的音樂與音響。黑膠之美仍有遼闊空間需要探求…
古碟再現！而且它永遠不會消失……

個人簡介
林耀民

古碟唱片總監。台大化工系就學時，初識黑膠之美，便沉迷此道。一直以推廣黑膠唱片為職志，歷二十年不變。推薦朋友之錄音，不媚主流，雖認同者稀，然不改初衷，以此為樂。
喜與人討論黑膠種種，好探詢膠海之秘。盼學術殿堂大眾能共襄盛舉，續此精緻之隅！

7/31　題目：音樂呈現的多樣性: 鍵盤，弦樂與管弦樂團
簡介：音樂的表現方式其實不會只有一個面向，就像是唱口水歌時，可以採用與原唱者不一樣的唱法，來凸顯歌者的優點。在古典音樂裡，同一首曲子可以用不同的樂器配置，來呈現作曲者的意圖，最著名的是拉威爾改編穆索斯基的展覽會之畫。不過也有作曲者自己將自己的曲子做一下改變的例子，例如貝多芬的英雄交響曲的主題之一，就由貝多芬自己寫了一首，由鋼琴獨奏的英雄主題變奏曲。而音樂之父巴哈的曲子，被改編的頻率也非常高，因為巴哈的曲子常常不限定該用哪一種樂器來演出。這一次的音樂欣賞時間，我們會欣賞到一些比較耳熟能詳的曲子，用不同的樂器配置，以便大家可以做個比較，看看自己喜歡哪一種表現方式。在這裡，還是要提醒愛樂者，其實音樂的呈現方式沒有所謂的優劣之分，也不必一定要套一個大帽子在音樂家身上，重要的是享受音樂的過程喔！

個人簡介
蘇文鈺教授

成大資工系教授（音樂暨多媒體系統實驗室主持人）
資深黑膠玩家